En 2024, Anna Lapwood debutó en el Walt Disney Concert Hall con un repertorio que combinaba música de cine y obras contemporáneas. Con unos 700 000 seguidores en TikTok y el título no oficial que le otorgó *The New York Times* de «la organista más visible del mundo», Lapwood aprovechó su fama en Internet para llegar a nuevos públicos, acercarlos al órgano y traspasar las fronteras del mundo de la música clásica. 

Dos años después, Lapwood sigue haciendo honor a su «apodo», ya que ha más que duplicado su número de seguidores en todas las redes sociales y se ha convertido en lo que ella misma describe como «la versión más libre y desenfrenada de mí misma». 

Aquí nos cuenta más al respecto, comparte algunas de sus bandas sonoras favoritas, destaca sus últimos proyectos y nos adelanta su regreso al centro de Los Ángeles. 

¿Cómo recuerdas tu primer recital en el Walt Disney Concert Hall? ¿Qué es lo que más te ilusiona de volver? 

A menudo pienso en mi concierto de debut en el [Walt Disney Concert Hall], porque fue en una etapa de mi carrera en la que acababa de empezar a hacer giras de verdad; no a tiempo completo, pero sí que empezaba a tomármelo muy en serio y a pensar que quizá esto era algo a lo que quería dedicarme a tiempo completo. 

Recuerdo que ese concepto fue fundamental, porque el órgano del Walt Disney Concert Hall me pareció una fuente de inspiración increíble. Tiene unas características tonales impresionantes. Los sonidos que se pueden crear con él son sencillamente emocionantes. Con todas esas campanas y demás, recuerdo que me sentí muy, muy inspirado y con ganas de experimentar, hasta el punto de reescribir algunas partes del programa para intentar hacerle justicia.  

La reacción del público fue increíble, y tenerlos a todos a mi alrededor fue realmente especial.  

Ese concierto se me ha quedado grabado en la memoria y, desde entonces, he tenido muchas ganas de volver. Estoy deseando volver a tocar ese órgano tan inspirador, y hacerlo desde el punto en el que me encuentro ahora como intérprete, en comparación con el de entonces. Esa actuación fue el punto de inflexión que me llevó a ser mucho más experimental con las transcripciones que compongo. 

El programa que voy a presentar [el 3 de mayo de 2026], en cierto modo, está extrañamente inspirado en este órgano. La nueva transcripción de El Señor de los Anillos que he compuesto, la suite de Piratas del Caribe ... Es toda mi música favorita, y poder tocarla en un instrumento tan increíble va a ser una experiencia fantástica. 

Puede que la gente crea que conoce estas bandas sonoras, pero quizá nunca las haya escuchado interpretadas en un órgano. ¿Qué novedad esperas aportar a estas obras tan conocidas?  

Una de las cosas que más me gusta de interpretar estas partituras es mostrar cómo el órgano puede reproducir el sonido y la atmósfera de una orquesta completa, y demostrar hasta dónde podemos llegar, como organistas, en ese repertorio.  

A veces la gente piensa: «Ah, música de cine. Eso es muy fácil». Y cualquier músico de orquesta te dirá que, aunque toques la partitura original, no es nada fácil. Si tienes que tocarlo todo tú solo, con un solo instrumento, tampoco es fácil.  

Hay momentos en las bandas sonoras de *El Señor de los Anillos* y *Piratas del Caribe* en los que toco cinco melodías a la vez: mano derecha, mano izquierda, pie derecho, pie izquierdo y los pulgares en el teclado inferior. Te lleva al límite de tus posibilidades; al menos, al límite de lo que yo soy capaz de dar de mí mismo en este momento.  

Es una de las piezas más difíciles que he interpretado nunca, y al mostrar de lo que son capaces el órgano y un organista, pone de manifiesto toda la narrativa que la acompaña. Eso es lo que más me entusiasma.  

Esta música es mi música, la música con la que crecí. Supongo que [la música de cine] siempre ha sido mi género favorito, y el hecho de haber descubierto el órgano a mi manera a través de esa música es lo que me ha hecho enamorarme del órgano de tubos. Antes de tocar bandas sonoras, me gustaba bastante el órgano, pero no me apasionaba. Ahora estoy totalmente obsesionado con él porque lo hago a mi manera. Creo quehayalgo realmente encantador y liberador en eso. 

De hecho, gran parte de la música de cine es increíblemente disonante, pero estamos acostumbrados a ella porque la conocemos de la película. Creo que [incluir esta música en un programa] es una forma estupenda de mostrar lo que al público le gusta escuchar. A veces se dice: «Si quieres atraer a un público numeroso, tienes que evitar ciertos sonidos», pero en realidad solo se trata de situar la música en su contexto.  

En mis programas, intento utilizar la música de cine como puente. La gente suele venir a escuchar bandas sonoras, pero también interpreto música clásica contemporánea, minimalismo y otras cosas. Es un ejercicio divertido para ver adónde podemos llevar al público a continuación.  

Eres una reconocida defensora de la diversificación del repertorio de conciertos y, este año, las compositoras contemporáneas Olivia Belli y Rachel Portman figuran en el programa. ¿Podrías hablarnos de la importancia de dar a conocer las obras de las mujeres, así como de combinar lo antiguo con lo nuevo?  

Sí, es interesante, ¿verdad? Creo que cada uno encuentra la música que realmente le llega al corazón. Y, en mi caso, son las bandas sonoras y la música clásica contemporánea.  

En ese sentido, me frustra mucho lo que parece ser una ceguera ante la necesidad de la diversidad de género. Ahora que doy más conciertos con orquesta, me he dado cuenta de lo difícil que es intentar que siempre incluyan en el programa alguna obra de una mujer. Me dicen: «Pero si eso no forma parte de nuestro repertorio». Y yo les respondo: «¡Pues haced que forme parte de vuestro repertorio!». 

Considero que parte de mi trabajo consiste en dar a conocer a la gente música queaún no haescuchado, como la pieza de Olivia Belli [Limina Luminis]; es una de mis favoritas. La toqué la última vez que estuve aquí, y la gente siempre sale del concierto diciendo que es una de sus piezas favoritas del programa. 

Simplemente creo que es muy importante asegurarse de que la gente también tenga acceso a la música compuesta por mujeres. La pieza de Rachel Portman, Flight, ¡me encanta! Y combina muy bien con la de Olivia Belli.  

Los límites de género que imponemos son totalmente artificiales. Simplemente hemos decidido que esos límites existen, y no creo que la generación joven actual piense realmente que existan. Por eso, en mi programación, simplemente pongo la música que me gusta, y eso abarca todo tipo de géneros. Si hay algo de Robbie Williams, ¡pues hay algo de Robbie Williams! 

Es muy liberador empezar a componer así, cuando simplemente plasmo la música que me inspira y en la que confío que encajará bien en ese contexto. Espero que el oyente se deje llevar por este viaje, aunque no sea el viaje que esperaba. 

Es un poco como cuando escuchamos música en streaming: puedes elegir lo que te apetezca escuchar en ese momento. Cuando te das cuenta de que tienes libre albedrío, te das cuenta de que puedes establecer tus propias reglas, explorar tu propio camino y apartarte de la «norma». 

¡Sí, esa es la cuestión! Tengo la sensación de que la gente —la generación más joven— escucha música de la misma forma en que se desplaza por las redes sociales. Se topan con canciones por casualidad y, si les gustan, las vuelven a escuchar, siguen escuchando más y quieren saber más.  

Es el momento ideal para nosotros, como músicos clásicos y organistas, porque hay un público presente, interesado y con ganas de aprender más. Todo depende de cómo se presente. 

Es difícil hablar de ti como «el organista más famoso del mundo» (The New York Times) sin mencionar tu presencia en Internet, que ya cuenta con más de tres millones de seguidores en todas tus redes sociales. 

¿Cómo te han ayudado las redes sociales como artista y comunicador, y qué impacto han tenido en tu forma de interactuar con la comunidad o de fomentarla? 

Las redes sociales siempre han sido muy importantes para mí. Ya de adolescente tenía Twitter (tal y como era entonces) y solía publicar tuits sobre cómo era ser arpista, porque en aquella época me dedicaba a eso. Siempre ha sido una parte muy importante de mi vida: compartir lo que ocurre entre bastidores.  

Es evidente que ha crecido muchísimo en los últimos dos años, lo cual, para ser sincero, todavíanoacabo de entender. ¡Sigo encontrándolo muy, muy surrealista! Intento no pensar demasiado en las cifras porque se vuelve un poco extraño. 

Nunca me propuse conseguir un gran número de seguidores. Solo quería compartir la realidad de cómo es este trabajo, porque es un poco peculiar. Lo realmente bonito que ha surgido de todo esto es que me preocupo mucho por mi público y por crear una experiencia que les acompañe durante mucho tiempo.  

La otra cara de la moneda es que mi público me ha ayudado a descubrir quién soy y, en cierto modo, me ha dado permiso para ser quien soy como músico y también como persona. Cuando estoy sobre el escenario, creo que soy la versión más libre de mí mismo. Soy la versión más libre y desenfrenada de mí misma que me gustaría ser todo el tiempo. La mayor parte del tiempo, me impongo reglas bastante estrictas y soy bastante tímida, y eso simplemente... [fuera] cuando estoy en el escenario, porque siento que el público ha depositado su confianza en mí.

Sin ellos, nunca habría descubierto que podía interpretar bandas sonoras y dar conciertos. Pensaba que estaba «prohibido», que me lo rechazarían en cuanto lo intentara. Y, de hecho, mi público me ha dado permiso para hacerlo y ver hasta dónde puedo llegar, explorar y componer.

A menudo,escribouna nueva transcripción y la estreno en el concierto de ese mismo día o al día siguiente, algo que nunca hubiera soñado hacer hace un par de años, ¡ni siquiera la última vez que estuve en el Disney Hall! [Mi público] me ha dado libertad para experimentar, algo que considero muy valioso como músico, y me siento eternamente agradecido a esa comunidad por ayudarme a descubrir quién soy. 

Eso era más o menos justo lo que esperaba que pudiéramos hacer con ese puesto de colaborador, pero todos habíamos dicho que en realidad no iba a suceder.

Cuando me incorporé al programa, fue la primera vez que exploré de verdad algo ajeno al mundo de la música clásica, tocando el órgano propiamente dicho. Estaba tan fuera de mi zona de confort que no tenía ni idea de lo que estaba pasando, y cuando me sáb. al órgano sáb. me pusieron la partitura delante y me dijeron: «¡Lee a primera vista y adelante!». 

Fue muy diferente de lo que pensaba que iba a hacer, y fue la experiencia de concierto más liberadora y alucinante que he vivido nunca.  

video hizo muy, muy viral. Todavía hoy, tres o cuatro años después, hay gente que viene a mis conciertos y me dice que me sigue desde que vio ese video. 

Creo que eso me demostró de verdad el poder de las redes sociales para derribar las barreras percibidas, porque de repente empecé a recibir a montones de aficionados a la música electrónica en los conciertos de órgano que nunca antes habían asistido a un concierto de música clásica. Y eso me hizo pensar: «¡Vaya, tengo una responsabilidad aquí! Tengo que pensar en cómo hacerlo, cómo lograrlo y cómo derribar esas barreras». 

Me siento muy afortunado de haber podido [colaborar con] Tom Cruise, Benedict Cumberbatch y Ludovico Einaudi. Lo que realmente me ha llamado la atención —con todas esas celebridades y personas a las que he tenido el privilegio de conocer gracias al órgano— es que todos y cada uno de ellos han sido increíblemente curiosos, agradecidos, generosos con su tiempo y amables con todos los que les rodeaban.  

Seguro que habrá quien diga: «Es como si estuvieran fingiendo». Pero no era así. Se notaba que sentían una enorme gratitud por lo que podían hacer. Tom Cruise conoció a todo el personal de cocina, y muchos de ellos se esforzaron de verdad para que todos se sintieran valorados y especiales. Eso me pareció muy inspirador en sí mismo.  

Ha sidoun viaje un poco surrealista y, sinceramente, nunca me parece que todo eso me haya pasado amí.

Tras nueve años como director musical del Pembroke College, dejaste el cargo para dedicarte a las giras, a las grabaciones y a tu labor como organista oficial del Royal Albert Hall. ¿Qué es lo que más te ilusiona de esta nueva etapa de tu carrera? 

Ahora es un momento realmente interesante, porque es mi primer año haciendo esto después de haber compaginado dos trabajos a tiempo completo durante bastante tiempo. Echo mucho de menos a los cantantes con los que trabajaba en Pembroke y echo de menos dirigir la música, pero ahora noto la diferencia en mi forma de tocar.  

Ahora mismo toco el órgano durante ocho o nueve horas, prácticamente todos los días, y eso influye muchísimo en cómo tocas. Actúo dos o tres veces a la semana, casi todas las semanas. He tocado en todos los estados físicos imaginables: estando enferma, con dolores menstruales, sin haber dormido lo suficiente y cuando estaba muy nerviosa.

A través de ese proceso aprendes mucho sobre ti mismo en el ámbito musical, y descubres que eres capaz de hacerlo y qué necesitas hacer para cuidar tu cuerpo. 

Al no tener el trabajo en Pembroke, dispongo de tiempo para dedicarme a esa exploración. También he tenido tiempo para componer la « Sinfonía para órgano de El Señor de los Anillos», algo que nunca habría podido hacer si aún tuviera el otro trabajo. Así que es un momento realmente emocionante e interesante. Creo que simplementeestoyintentando aprovechar este año para aprender todo lo que pueda sobre lo que más me satisface en lo que respecta a las actuaciones.  

[Mi equipo y yo] estamos empezando a plantearnos la posibilidad de organizar algunos conciertos en estadios y nos preguntamos: «¿Cómo podemos ser lo más creativos posible y acercar el órgano al mayor número de personas posible?». Y es genial estar en esta situación. 

¿De dónde surgió la idea de la «Sinfonía para órgano de El Señor de los Anillos»? ¿Cómo fue el proceso creativo? 

La verdad es que es gracioso. Fue la última vez que estuve en Estados Unidos, dando un concierto en Nueva York. El día antes del concierto fui a tomarme un café y había una niña pequeña en la cafetería. Me miraba de una forma extraña, y yo pensé… O me he manchado algo en la cara, o sabe quién soy. Así que le sonreí un poco, y entonces su madre me dijo: «¡Dios mío, vamos a ir a tu concierto! ¡Estamos muy emocionados! Esta es Catherine, es una gran fan, hoy es su cumpleaños».  

Le pregunté a Catherine cuál era su pieza favorita y, para mi sorpresa, me respondió: «“Acerca de los hobbits» porque es como la hierba gatera». Y yo pensé para mis adentros: «¡Me encanta esta chica! Esto es increíble».  

Pero tuve que decirle: «Bueno, la verdad es que no toco esa pieza, pero veré si puedo tocarte otra cosa». Y luego me fui directamente a la iglesia, le escribí un pequeño arreglo de «Concerning Hobbits» y lo toqué durante el concierto al día siguiente.

Dejé esa idea en suspenso durante un tiempo, pero no dejaba de dar vueltas en mi cabeza. Sabía que quería componer una suite musical basada en *El Señor de los Anillos*, así que creé una lista de reproducción, como suelo hacer cuando pienso en componer una suite. Simplemente añadí todas las canciones del álbum que quería incluir y, al terminar, ¡me encontré con unas cuatro horas de música!  

La cosa se me había ido de las manos, así que pedí ayuda a un par de cantantes de Pembroke que son grandes fans de El Señor de los Anillos, y juntos lo redujimos un poco.  

Seguí haciendo eso en todos mis vuelos. Básicamente, estaba probando diferentes órdenes, añadiendo y quitando pistas para ver qué funcionaba mejor. 

Al comienzo de esta gira, de repente sentí que era el momento adecuado para empezar a componer. Esto suele pasar: pasas un año entero escuchando música, sin saber cuándo estarás listo para componer, y de repente, tu mente te dice: «¡Ahora!». Así que me quedé hasta tarde un par de noches seguidas, componiendo esta pieza hasta que se convirtió en la Sinfonía para órgano.  

Lo que ha sido realmente increíble ha sido poder trabajar con Howard Shore [el compositor de *El Señor de los Anillos*]. Obviamente, le pedimos permiso, y fue muy, muy generoso, y dijo: «Sí, por supuesto. No dudéis en enviarme lo que sea». Así que le envié mis ideas iniciales, luego la versión más o menos terminada, y él y su equipo la revisaron nota por nota, cotejándolo todo con sus partituras, ¡porque lo hice todo de oído! Por cierto, prefiero hacerlo así, porque me parece que soy más creativo.  

Me echaron una mano con un par de acordes de acordeón y otras cosas, y al final acabé grabándolo en Noruega a principios de este año [en 2025] para mi próximo álbum. Cuando estaba allí, sentí que le faltaba un movimiento más, así que acabé quedándome despierto hasta muy tarde la penúltima noche, componiendo un movimiento completamente nuevo, aprendiéndomelo y grabándolo al día siguiente.  

Ha sido un proceso creativo muy, muy intenso. Es lo más grande que he escrito nunca. Me he sumergido por completo, no solo en el mundo musical, sino en todo el universo de El Señor de los Anillos. ¡Ahora soy aún más fan de lo que era antes! Es un mundo tan inspirador porque se puede sentir el amor de cada una de las personas que han participado en él: Tolkien, obviamente, pero cuando ves las películas, las bandas sonoras, las entrevistas con el reparto y con Howard, te das cuenta de que fue uno de los periodos de cuatro años más especiales, en el que todos lo vivieron y creyeron en ello. Creo que por eso esas películas han alcanzado una popularidad tan maravillosa, porque se siente el amor en cada momento.  

Espero que la gente también pueda sentir el amor que pongo en mi música. 

Este es solo tu primer gran proyecto de este tipo, pero parece que estás listo para más. ¿Qué es lo siguiente? ¿Cuál es el proyecto de tus sueños?  

Lo curioso es que, básicamente, tengo una lista enorme [de ideas] que va creciendo sin parar, y no dejo de añadir cosas. Nunca sé muy bien cuál va a destacar de repente como la siguiente. No sé cuántas películas tengo en mi lista que quiero adaptar. ¿Quizás unas 30? 

La semana pasada, de repente me vino a la cabeza *El Rey León*; literalmente, me desperté la mañana después de un concierto y pensé: «Estoy listo», y esa misma mañana escribí una transcripción de«Stampede», de *El Rey León*. La aprendí esa misma tarde y estuve a punto de interpretarla en el concierto de esa noche, pero es demasiado difícil de tocar así, sin más. 

Ese es el último proyecto en el que estoy trabajando ahora, pero después quiero hacer una versión extendida de *El rey león *. No tengo ni idea… Hay tantas bandas sonoras que me encantan, y es divertido dejar que la mente elija el próximo proyecto cuando esté lista.