Sobre esta pieza

Benjamin Britten y el tenor Peter Pears, su amante, compañero de toda la vida e inspiración musical, dejaron Inglaterra para ir a los Estados Unidos a principios de 1939, sin planes definitivos de regresar. Sus razones para partir fueron al menos dos: la sensación por parte de Britten de que su música no era apreciada en su país y la certeza de ambos hombres de que Gran Bretaña pronto se vería envuelta en una guerra a la que se oponían. Sus amigos W. H. Auden y Christopher Isherwood ya habían partido hacia América; los Estados Unidos habían recibido con entusiasmo la música de Britten (Aaron Copland resultó ser especialmente útil a este respecto); y los Estados Unidos estaban en ese momento comprometidos con una política pacifista respecto a los "problemas" en Europa.

Por muy fascinantes que sean los años americanos, nuestro tema aquí es la música que Britten creó a su regreso a casa en 1942, un movimiento impulsado por varios acontecimientos desagradables, entre ellos el fracaso con la prensa y el público de su "opereta" y la de Auden (como la llamaron) Paul Bunyan, y las crecientes críticas de la prensa británica sobre la evasión de Britten de su patria en un momento de crisis nacional, que culminó con una referencia del editor de Musical Times a "salvar el arte y el pellejo a costa del incumplimiento del deber".” Luego vino una prohibición de facto de la música de Britten por parte de la hasta ahora simpática BBC.

Sin embargo, cuando Britten y Pears regresaron a Inglaterra encontraron relativamente poco antagonismo, y una vez registrados oficialmente como objetores de conciencia ambos pudieron seguir sus carreras, a menudo conjuntamente - Britten era un excelente pianista - dando recitales (que el gobierno consideraba como "elevadores de la moral") en iglesias y edificios públicos de todo el país.

Independientemente de que Britten se hubiera convertido o no en un compositor más "inglés" durante su exilio autoimpuesto, no cabía duda de que se había convertido en un maestro de su oficio, como lo atestigua la Serenata, a la que seguiría un año más tarde su mayor éxito operístico, Peter Grimes.

La Serenata, escrita a principios de 1943 para Pears y el virtuoso de la trompa Dennis Brain, consiste en seis canciones que están encerradas por un prólogo y epílogo en el que la trompa solista toca en armónicos naturales, un movimiento audaz del compositor, ya que el oído puede ser fácilmente engañado al considerar la entonación del primero como sospechosa.

En su homenaje a Brain (1921- 1957), el compositor escribió:

"Conocí a Dennis en el verano de 1942... Pronto nos hicimos amigos, y no tardó en convencerme de que escribiera una obra especial para él. Esta resultó ser la Serenata... Su ayuda fue invaluable para escribir la obra; pero siempre fue muy cauteloso al aconsejar cualquier alteración. Pasajes que parecían imposibles incluso para sus prodigiosos dones fueron practicados una y otra vez antes de sugerir cualquier modificación, tal era su respeto por las ideas de un compositor. Por supuesto, interpretó la obra en muchas ocasiones, y durante un tiempo pareció que nadie más podía tocarla adecuadamente. Pero, como suele suceder cuando hay una obra que tocar y un maestro que la toca, otros desarrollan lentamente los medios para tocarla también, a través de su ejemplo..."

La primera canción, para la deliciosamente estrafalaria y reconfortante "Pastoral" del poeta del siglo XVII Charles Cotton (más conocido como colaborador de El pescador de Compleat de su amigo Izaak Walton), es el forraje ideal para la imaginativa pintura de palabras de Britten, que siempre está en su mejor momento cuando se le reta a complementar o realzar imágenes visuales evasivas, aquí de varios objetos cuyas formas se magnifican - en sus sombras - por el escenario dom., descrito por el tenor que graciosamente desciende "El día ha envejecido".”

Nocturno" de Tennyson ("El esplendor cae sobre los muros del castillo") es la más brillante de las canciones nocturnas, llena del zumbido y la energía de la actividad nocturna, "del brillo estrellado y los últimos destellos del dom., como escribió Peter Pears. Mientras que el cuerno era el protagonista en "Pastoral", aquí se une a la voz sólo en el estribillo.

El cuerno es de nuevo el centro del escenario en la demoledora "Elegía", uno de esos impresionantes ejemplos de ajuste de palabras en el que una nueva y aún más poderosa obra de arte ha sido creada a través de la musicalización. Son los amenazantes segundos menores del cuerno los que distinguen sobre todo la reacción de Britten a la breve y demoledora representación de William Blake de la corrupción de la belleza y la inocencia, un tema particularmente cercano al corazón del compositor, como afirmaría en obras maestras posteriores como las óperas The Turn of the Screw (después de Henry James) y Billy Budd (después de Herman Melville).

La línea vocal del posterior "Dirge" de un poema anónimo del siglo XV no tiene ninguna marca dinámica o expresiva, salvo la inicial "come un lamento", por lo que se suele representar (siguiendo el ejemplo de Pears) en una mezza voce constante. Es, como lo describió Christopher Palmer, "una canción descolorida y sin espíritu de la vanidad de todo esfuerzo humano... La voz en un sentido indiferente, impasible e independiente de la orquesta, que representa el elemento humano... Una procesión fugazmente impelida... se acerca lo suficiente para sembrar el terror mortal en nuestros corazones (histeria de los cuernos) y luego se aleja, dejando la última palabra para el lamento y el gemido incorpóreo del cantante."

El cuerno y el cantante reciben su último entrenamiento, más bien como un equipo acrobático de dos personas, en el vertiginoso "Himno" de Ben Jonson, dedicado a Diana, la Diosa de la Caza, mientras que el cuerno descansa en el relajante "Sonnet" ("Oh suave embalsamador de la aún medianoche"), donde la densidad verbal de Keats se ve mitigada por el maravilloso y amplio escenario de Britten para estirar las sílabas. Que el cuerno esté ausente aquí no sólo tiene sentido dramático sino que sirve a un propósito práctico, permitiendo que el intérprete se mueva discretamente fuera del escenario para tocar el epílogo.

La primera representación de la Serenata fue dada el 15 de octubre de 1943, por Pears, Brain, y una orquesta de cuerdas dirigida por Walter Goehr. 

- Herbert Glass