«Diaspora: Concierto para » para saxofón y orquesta es un poema sinfónico que pretende narrar el paradigma de la diáspora forzada de los afroamericanos, visto a través del prisma de mi propia experiencia como hombre negro en Estados Unidos. Cuando Steven Banks se puso en contacto conmigo para hablarme de la obra, lo primero que discutimos fue la narrativa: ¿qué historia concreta contaría la obra? ¿Cómo se desarrollaría? Decidimos que, al igual que *Gaspard de la nuit* de Ravel ilustra tres poemas de Aloysius Bertrand en tres movimientos distintos, este concierto haría lo propio con poemas de poetas negros. Pero entonces empecé a pensar en la estructura elegantemente sucinta y fluida de * Sinfonía No. * n.º 1 de * Barber*, donde, en una suite de varias secciones, el compositor entrelaza brillantemente un puñado de materiales temáticos en un todo orgánico y sin fisuras. Así que empecé a componer partiendo de la idea de que los poemas que Steven y yo habíamos elegido («Africa’s Lament», de Nayyirah Waheed; «If We Must Die», de Claude McKay; y «Still I Rise», de Maya Angelou) serían puntos de referencia que inspiraran la dirección de una trama en tres partes: Motherland, If We Must Die y And Still I Rise. Además, quería dar cohesión temática a la obra mediante diversas melodías y motivos tratados de diferentes maneras (invertidos, ampliados, tratados contrapuntísticamente, rearmonizados, etc.), a modo de tema y variaciones de estructura flexible, salvo que en este caso se utilizan varios temas.

Movimiento I: PATRIA

El programa de la composición comienza con un tono positivo; el primer tema, interpretado en solitario por el saxofón soprano y al que más tarde se une un acompañamiento de scherzo animado a cargo de la orquesta, pretende evocar una sensación de bienestar y seguridad tal y como la viven los africanos en la patria («Patria» es el nombre de la primera sección). Por supuesto, se sobreentiende que dentro de los propios límites de África había guerras tribales, traiciones y miseria —incluso esclavitud—; no es una utopía lo que intento ilustrar aquí. Más bien, quiero representar una sensación de pureza, una pureza que surge de no haber sido, hasta ese momento, obstaculizados por las fuerzas destructivas externas que más tarde determinarían nuestro destino. Así pues, el movimiento comienza con una melodía de saxo soprano que arranca como un motivo diatónico (acompañado por la marimba y el violonchelo en pizzicato), pero que rápidamente se vuelve cromático, modulando a varias tonalidades remotas. A continuación, un patrón de semicorcheas en las cuerdas sumerge al oyente en una sensación de aprensión, presagiando problemas en el horizonte. A medida que las armonías de los patrones de las cuerdas siguen cambiando hacia un matiz más ominoso, el saxofón soprano adopta un tono más urgente, interpretando breves ráfagas de fragmentos melódicos. Entonces se desata una batalla, una batalla entre los traficantes de esclavos y los futuros esclavos, tal y como indican las figuras de tresillos en el saxofón soprano, acompañadas por patrones de tresillos en la orquesta, y que culmina en una sección de tutti orquestal reforzada por una fanfarria de metales. Tras un golpe orquestal disonante, el saxofón soprano entona un tema melancólico mientras los esclavos son conducidos al barco negrero. Esto nos lleva a la primera cadencia de saxofón, que, en mi opinión, representa un momento de dolorosa reflexión sobre el hecho de ser capturado como un animal salvaje y conducido a un barco cuyo destino es un futuro infierno.

Movimiento II: SI TENEMOS QUE MORIR

La segunda parte del viaje (inspirada en el impactante poema homónimo de Claude McKay) comienza con la primera visión del barco negrero. Esto se ilustra mediante un potente estallido «tutti» de la orquesta, tras una lenta progresión de seis compases. El saxofón alto se convierte ahora en la voz de la obra, introduciendo un tema rápido de doce notas que resulta ser una frase recurrente que se entrelaza a lo largo de toda la pieza en diversos momentos (de hecho, hace su primera aparición ya en la primera parte, durante la batalla entre los nativos africanos y los traficantes de esclavos). Los esclavos son embarcados en los barcos y comienza el viaje del «Pasaje Medio» hacia América; amplias y rápidas escalas en las cuerdas graves, los instrumentos de viento de madera y el arpa describen el movimiento de vaivén de las olas. Esta sección se desarrolla y alcanza su punto álgido con un par de notas multifónicas discordantes del saxofón, seguidas de un racimo de « piano » con el antebrazo; ahora vemos América por primera vez, desde el punto de vista de los esclavos. Un intercambio entre la sección de percusión y el saxofón —seguido de un tira y afloja antífono, casi puntillista, entre el saxofón alto y la orquesta— pretende representar la confusión, la rabia y el terror de la trata de esclavos, donde las familias son destrozadas mientras los seres humanos son comprados y vendidos como ganado. La sección siguiente es un lamento fúnebre de desesperación, destinado a esbozar la depresión psicológica causada por la brutalidad absoluta de este nuevo paradigma de la esclavitud. El tema melódico aquí, interpretado por el saxofón alto, se presenta en su versión original, mientras que el tema melancólico del saxofón soprano, cerca del final del primer movimiento, es la inversión de esta melodía. Mientras esto ocurre, hay un patrón de fondo interpretado por el vibráfono y la celesta, que representa una ira que crece lenta y constantemente; esta figura se acelera cada vez más hasta que se impone en primer plano y nos lleva a la siguiente sección, de carácter scherzo. Esta sección se caracteriza por una interacción entre el saxofón alto y la orquesta y describe la resistencia, la ira y la rebelión contra el trato inhumano al que se han visto sometidos a lo largo de los siglos. Tras alcanzar el punto álgido de este segmento —caracterizado por cinco golpes orquestales—, el saxofón alto interpreta una cadencia breve y tierna, que simboliza la resiliencia de los afroamericanos y la introducción de la idea del amor propio, la autoestima y la autodeterminación.

Movimiento III: Y AÚN ASÍ ME LEVANTO

Esta sección final del concierto/poema sinfónico trata sobre el empoderamiento de la comunidad negra. La iglesia siempre ha sido un punto de referencia cultural en la comunidad negra, un santuario que proporciona alivio psicológico y emocional frente a las dificultades específicas de la vida de los negros en Estados Unidos. También es un lugar para rendir culto, rezar y enfrentarse a las grandes cuestiones espirituales y existenciales que preocupan a toda la humanidad. Y más allá de eso (o quizás precisamente por eso), la iglesia es, históricamente, el eje central del activismo político y cultural negro en Estados Unidos. Este es el espíritu que refleja la última sección del concierto. Este capítulo final de la obra comienza con un pasaje a modo de himno, que en realidad es una variación de la melodía de estilo folclórico que abre el concierto. Se trata de una interpretación melancólica orquestada únicamente para saxofón alto y « piano », como si el saxofonista solista fuera un cantante acompañado por un « piano » durante un servicio dominical en la iglesia. Pronto, el tema melódico del saxofón alto se ve envuelto en un acompañamiento exuberante que recuerda a la época romántica, a medida que la autoconciencia sanadora y el amor se hacen más palpables. A esto le sigue un ostinato con aire de marcha, que simboliza una determinación férrea en medio de grandes y formidables obstáculos, mientras el saxofón alto toca rápidamente por encima del ímpetu orquestal hasta que finalmente llegamos a la fanfarria victoriosa al final de la pieza. El brillante poema de Maya Angelou nos recuerda (y a Estados Unidos) que las personas negras no pueden ser ni serán relegadas a una posición de ciudadanía de segunda clase: seguiremos alzándonos.

—Billy Childs