El Trío B es una pieza a gran escala que, en su versión original de 1853, era aproximadamente un tercio más larga que la revisión mucho más tardía. Sorprendentemente, Brahms esperó unos 36 años antes de colocar el Trío en su mesa de escritura para hacer alteraciones que lo hicieran "no tan lúgubre como antes". Imagine las complejidades psicológicas inherentes al ejercicio de un maestro maduro que se propone reducir los excesos y suavizar las asperezas de su juventud. Sin embargo, cualesquiera que sean las vejaciones que experimentó, persistió y creó, o recreó, una obra maestra.

Es imposible saber exactamente qué pretendía hacer Brahms a los 56 para cambiar lo que Brahms a los 21 había escrito, pero lo primero que no hizo fue alterar la magnífica melodía lírica que el piano solista canta en su meloso registro alto para iniciar el Trío. Aquí Brahms el clasicista se permitió su inclinación por el canto, la misma antítesis de la brevedad motivadora que es intrínseca al desarrollo clásico. Pero esta melodía era demasiado grande para editarla o alterarla, así que se permitió que permaneciera intacta, gracias al cielo, y se creó un nuevo y rítmicamente vital segundo tema para reemplazar al original, que era también una melodía extendida que no había proporcionado ningún contraste con el tema principal. El escenario estaba así preparado para un movimiento que combinaba el cálido lirismo y la musculatura que revelan a Brahms en su forma más característica.

Aquí, como en todos los movimientos, el puntaje es enviado por el cielo para los tres jugadores, ya que cada uno tiene la ocupación más agradecida y satisfactoria. (El hecho de que el violín no se una al violonchelo hasta el 20º compás del primer movimiento sólo aumenta el piano suspense; a partir de ese momento, la cuerda alta disfruta de igual gloria en la siempre rica textura).

Brahms debió sonreír con placer al segundo movimiento de Scherzo, ya que no lo cambió en absoluto. La idea principal tiene una espléndida vitalidad y empuje, y el tratamiento polifónico del material muestra una maestría que difícilmente podría ser mejorada. Como era de esperar, la naturaleza sostenida y suave de la segunda sección proporciona un elocuente contraste con el vigor virtuoso del tema inicial.

También fue poco lo que Brahms se movió para cambiar en el tercer movimiento Adagio, que es un lugar de expresividad mística, una cualidad que el compositor tenía en abundancia incluso en su juventud. La inefablemente bella canción para violonchelo que entra en la mitad del camino y la respuesta de corazón a ella desde el piano, sin embargo, son adiciones maduras que resuenan profundamente. El resultado es una poesía conmovedora.

La impredecibilidad de la juventud marca el cuarto movimiento, ya que aquí tenemos un final de clave menor a una obra de clave mayor. El tema principal tiene un poco de húngaro, exponiendo una predilección por el magiar que atrajo a un joven Brahms y que no se esforzó en resistir durante toda su vida. El segundo tema principal fue un nuevo invento, pero el impulso del movimiento viene en la glorificación de la primera idea, que termina el trío con el típico dinamismo enfático de Brahms.

Puede ser de interés más que pasajero que el Trío - en su versión original - se representó por primera vez, no en Alemania, sino en Nueva York, el 27 de noviembre de 1855. Los intérpretes fueron el violinista Theodore Thomas (el músico nacido en Alemania [1835] que se convirtió en una fuerza tremenda en la escena musical americana, terminando su vida [1905] a director de orquesta partir de la Sinfónica de Chicago); el violonchelista Carl Bergman (1821-1876), asociado director de orquesta de la Filarmónica de Nueva York; y el pianista William Mason (1829-1908), hijo del célebre compositor americano Lowell Mason.

- Orrin Howard