Como e director de orquesta a y compositor, Teddy Abrams se deja llevar por grandes ideas: ideas que trazan la historia de la música, aportan contexto a un sentido de pertenencia y resuenan en el marco de un progreso social más amplio. Su Concierto « Piano » de 2021, escrito para Yuja Wang, se concibió como una obra complementaria a la de Gershwin Rhapsody in Blue , pero acabó convirtiéndose en una exploración en once partes de más de un siglo de música estadounidense. Dos años más tarde, su oratorio de 90 minutos para violonchelo solista, barítono, coro y orquesta, *Mammoth*, narraba 5.000 años de actividad humana en el Parque Nacional de Mammoth Cave, en Kentucky, y se estrenó en la propia cueva.   

En su nuevo concierto, *Seasons of America*, compuesto para el violinista Ray Chen, Abrams sigue abordando con ahínco temas sustanciosos y cuestiones de actualidad, empezando por los dos que se evocan en el título. «Seasons» hace referencia a la obra musical que la precedió: la obra maestra de Vivaldi de 1725, *Las cuatro estaciones*, un cuarteto de conciertos para violín que plasma observaciones anuales —como el canto de los pájaros, los ladridos de los perros, las tormentas, las llamadas de caza y las nevadas— dentro de un marco anual, un concepto revolucionario en su época. Chen se puso inicialmente en contacto con Abrams con la idea de crear unas «Cuatro estaciones»contemporáneas, que resultaran relevantes para nuestra época y que fueran bien acogidas por otros violinistas. Mientras que las «Estaciones» de Vivaldi son una recopilación de cuatro conciertos independientes, la obra de Abrams se desarrolla a lo largo de una única obra de cuatro movimientos. 

La segunda parte del título define su ámbito geográfico. Dado que el estreno coincidiría con el 250.º aniversario de los Estados Unidos, empezó a tomar forma una versión de «Las cuatro estaciones» arraigada en el paisaje estadounidense. Abrams adoptó «un enfoque tipo postal» y comenzó a asociar lugares concretos a cada estación. «Primavera», como es natural, se situó en los Montes Apalaches, no solo como guiño a Aaron Copland , sino también por su proximidad a la residencia principal de Abrams en Louisville, Kentucky. «Verano» evoca las playas del sur de California, «Otoño» retrata el colorido follaje del noreste y «Invierno» esboza el accidentado terreno de las Montañas Rocosas y Alaska. El último movimiento da lugar a una «Recursión» que anuncia la llegada, una vez más, de la primavera. 

Al entrelazar estos pintorescos paisajes sonoros, Abrams traza la evolución del propio país a lo largo de los distintos movimientos. «La historia general de la obra se ha convertido en una reflexión sobre las estaciones psicológicas del país, concibiéndolas en términos de las estaciones de la condición humana», afirma Abrams. Comienza con «la esperanza y la promesa de un país joven que se abre camino a través del calor y el frescor de los climas literales, pero también de un país que ha atravesado turbulencias, tragedias y cuestionamientos, y que, en última instancia, encuentra la renovación y la esperanza. Al volver la primavera, contemplamos este ciclo de 250 años». Al igual que en el Concierto « Piano », Abrams allana este recorrido con fragmentos de música vernácula estadounidense, tejiendo una metanarrativa a lo largo del camino. 

El primer movimiento, «Primavera», irrumpe en una cascada de semicorcheas descendentes que adquieren una rapidez fulgurante gracias a un tempo vivace enérgico. La partitura lleva la indicación «barroca», en referencia al siglo XVIII, época tanto de Vivaldi como de la fundación de los Estados Unidos. Aunque no aparece «Appalachian Spring» de Copland, aproximadamente a mitad de la obra surge una alegre melodía de violín en la línea solista que se repite en las cuerdas. Se trata de una referencia a «Bonaparte’s Retreat», la melodía folclórica interpretada de forma memorable por el kentuckiano William Hamilton Stepp, grabada por Alan Lomax y a la que hace referencia «Hoedown», de Copland, del ballet Rodeo.  

«Summer» comienza con un motivo oscilante interpretado con el arco por los violonchelos y las violas. Aquí, Abrams busca una sensación de «flotación» mientras imagina una tranquila playa de Santa Mónica, salpicada por destellos de polvo de estrellas procedentes de los instrumentos de viento-madera, el arpa y el glockenspiel. En medio de esta escena lánguida, el solista entra con un floreo cinematográfico marcado como «appassionato», creando una yuxtaposición entre las aguas tranquilas y un tema dramático digno de una película de gran presupuesto.  

Abrams afirma: «Me interesaba mucho esta idea de la fusión entre el viejo Hollywood y el océano, donde se respira una sensación de tranquilidad —la calidez de la « dom. », la frescura de la brisa y el vaivén de las olas— y, a continuación, mezclarla con Korngold y los compositores de la Edad de Oro de Hollywood».  

Las hojas otoñales bailan con la brisa al comienzo de «Fall», estructurada como un scherzo de tercer movimiento y en compás ternario. «Tiene un aire casi despreocupado, como azotado por el viento, pero al mismo tiempo transmite la conciencia de que las cosas están cambiando», explica Abrams. Una sección central más lenta se tiñe del matiz de inquietud y del reconocimiento de la mortalidad que acompaña al envejecimiento. El movimiento concluye de forma existencial con una serie de variaciones basadas en la «melodía infinita» que sirve de base para La pregunta sin respuesta, de Charles Ives. 

«Winter» comienza de forma austera, «y luego va alternando entre esa frialdad propia del invierno y la calidez de una casa rural a la antigua usanza», explica Abrams. En un gesto al estilo de Ives, Abrams pide a los instrumentistas de cuerda que elijan libremente entre himnos y canciones populares estadounidenses y las interpreten a su propio ritmo, como si fueran «suaves oraciones y murmullos». Este coral pone fin al invierno y da paso al regreso de la primavera: una fantasía final sobre el tema inicial y la promesa de renovación.

— Amanda Angel