El nuevo tango, la música de Astor Piazzolla, es el eje de este programa. Osvaldo Golijov escribió Última Ronda como una especie de homenaje a Piazzolla, y Alberto Ginastera fue el primer maestro de composición de Piazzolla. La revolución del tango de Piazzolla fue en gran medida un reflejo de su tiempo y lugar - la agitación y el fermento político, económico y cultural de Argentina en la segunda mitad del siglo XX. Sin embargo, incluso en ese momento resultó ser fácilmente transferible, atrayendo a corazones y mentes, oídos y pies de todo el mundo, y continúa proyectando una sombra larga e inspiradora a través de los músicos y audiencias policulturales de hoy en día.

Nacido en mardel Plata, Piazzolla emigró a Nueva York con su familia, donde creció en el Lower East Side. Los deportes y otras actividades le interesaban mucho más que el tango, la música de su padre. El regalo de un bandoneón comenzó a cambiar eso, sin embargo.

"El primer bandoneón que me regaló mi papá cuando tenía ocho años", recordó Piazzolla en una versión del evento, aunque también dijo que fue cuando tenía nueve años. "Lo trajo envuelto en una caja, y yo estaba feliz, creyendo que eran los patines que había pedido muchas veces. Sin embargo, eso fue engañoso. En lugar de los patines me encontré con un aparato que nunca había visto en mi vida. Papá sáb.mismo en una silla, colocó la cosa entre mis brazos, y me dijo:'Astor, este es el instrumento del tango, quiero que aprendas a tocarlo'. Mi primera reacción fue quejarme. El tango era la música que escuchaba casi todas las noches cuando volvía del trabajo y que no me gustaba".

Aunque su sibilancia gimiente, seductora y sarcástica, es el sonido por excelencia del tango, el bandoneón es de origen alemán, un acordeón de botón inventado por una banda de Heinrich en la década de 1840 y traído a Sudamérica en la gran ola de la inmigración. Los modelos difieren, pero el instrumento sudamericano suele tener 71 botones dispuestos en patrones que son bastante difíciles de dominar para cualquiera que esté acostumbrado a los instrumentos de teclado.

De manera característica, la primera música que Piazzolla tocó en serio en el bandoneón fue la de Bach, que aprendió del pianista húngaro Bela Wild. Sin embargo, cualesquiera que fueran sus primeras reservas, Piazzolla finalmente se dedicó al instrumento y al repertorio de tango. Tenía 16 años cuando su familia regresó a la Argentina, y pronto trabajó regularmente en las mejores orquestas de tango, entre ellas la de Aníbal Troilo. En 1944 Piazzolla dejó la banda de Troilo para formar su propio conjunto, la Orquesta del 46, para tocar sus propias composiciones. En esa época también estudiaba composición con Ginastera. Una sinfonía que compuso en 1954 para la Filarmónica de Buenos Aires le valió una beca para estudiar en París con Nadia Boulanger, quien le aconsejó cultivar el tango como su verdadero modo de expresión.

Esto lo hizo con creciente seguridad y originalidad después de regresar a la Argentina al año siguiente. Formó el Octeto Buenos Aires y luego el Quinteto Nuevo Tango como vehículos de ejecución de sus composiciones, trabajando en su propio club.

De la década de 1960 nos llega «La muerte del ángel» (perteneciente a una serie de piezas sobre «ángeles»), una de las obras más emblemáticas con las que Piazzolla sacudió el conservador mundo del tango. «Nuevo tango = tango + tragedia + comedia + burdel» era la ecuación que Piazzolla utilizaba para definir su nueva orientación. A ello cabría añadir una mayor sofisticación armónica —líneas cromáticas sobre cadenas de secuencias dominantes, muy al estilo de los bajos ostinatos barrocos— y un swing de jazz difícil de definir.

El Concierto de Bandoneón de Piazzolla (también titulado "Aconcagua" por el editor Aldo Pagani, porque "este es el pico de la obra de Astor, y el pico más alto de Sudamérica es el Aconcagua") fue compuesto en 1979. El Concierto está fundido en tres movimientos de disposición clásica fast-slow-fast. El solista entra de inmediato con un tango ferozmente enfocado, espoleado por el arpa y la percusión bajo poderosos acordes de cuerda. El primer movimiento incluye una sección central de canto y dos cadenzas antes de llegar a un final feroz.

El segundo movimiento lírico comienza con el bandoneón solo, al que finalmente se une el arpa en un dúo elegantemente pensativo. Después de construir un clímax más agitado, el movimiento termina con una suave reafirmación del tema de apertura.

El tercer movimiento tiene mucho en común con "La muerte del ángel" - la línea de bajo inicial, los saltos rítmicamente compensados y ascendentes de la boleto en solitario. Este final se basa en un tango muy bailable y callejero que Piazzolla utilizó por primera vez en su banda sonora para la película Con alma y vida. "No sabía cómo terminarlo", dijo Piazzolla. "Y entonces me dije: Les doy un tango para que los eruditos sepan que cuando quiero puedo escribir como ellos, y cuando quiero puedo hacer lo mío". Al final, Piazzolla añade una sección titulada "Melancolico Final", un tango tiernamente melodioso que luego se disuelve en una furia final que es casi puro ritmo.

La obra de Golijov «Last Round», para orquesta de cuerda, fue un encargo del Birmingham Contemporary Music Group y se estrenó en otoño de 1996. «Compuse *Last Round* (el título está tomado de un relato corto sobre boxeo de Julio Cortázar) como una oportunidad imaginaria para que el espíritu de Piazzolla luchara una vez más», escribió Golijov. «La pieza está concebida como un bandoneón idealizado. Consta de dos movimientos: el primero representa el acto de una violenta compresión del instrumento y el segundo, un suspiro inicial final, aparentemente interminable (en realidad, es una fantasía sobre el estribillo de la canción “Mi amada Buenos Aires”, compuesta por el legendario Carlos Gardel en la década de 1930). Pero *Last Round* es también un tango sublimado. Dos cuartetos se enfrentan, separados por el contrabajo, con los violines y las violas de pie, como en las orquestas de tango tradicionales. Los arcos vuelan por el aire como piernas invertidas en una coreografía entrecruzada, atrayéndose y repeliéndose constantemente, siempre a punto de chocar, siempre evitándolo con esa inmutabilidad que solo se puede alcanzar transformando la pasión ardiente en un patrón puro».

El primer movimiento es una destilación propulsora de los gestos del nuevo tango y de las obsesiones rítmicas de Piazzolla. El segundo movimiento, "Muertes del ángel", es una elegía tanguera apasionada y reflexiva, tan rica en afecto como en efectos. La escritura de cuerdas de Golijov captura el sonido por excelencia de Piazzolla y el tango, el gemido del bandoneón, a la vez seductor y sarcástico.

A Piazzolla le gustaban los juegos de palabras y las alusiones relacionadas con el tango, y «Tangazo» se suma a una larga lista de obras como «Tangus Dei», «Tangata del alba», «Libertango», «Tristango», etc. «Tangazo» comienza con líneas cromáticas que surgen desde los contrabajos y los violonchelos para dar paso a una introducción de una intensidad armónica abrasadora. La flauta, el clarinete y la percusión dan paso a un tango nervioso, que en un primer momento recae en el oboe. Hay episodios líricos equilibrados, incluida una sección lenta con solos de trompa, pero esta música tiene un carácter agudo que no se suaviza con el final agonizante.

O al menos debería haberlo. Tangazo fue estrenada en 1970 en Washington, D.C., por el Ensemble Musical de Buenos Aires, no del todo a satisfacción de Piazzolla.

"El Ensemble Musical de Buenos Aires dio buena cuenta de ello -recuerda más tarde-, pero en algún lugar perdió una pizca de sal y pimienta. Esos músicos clásicos son así, son de Buenos Aires, argentinos, y sin embargo parece que el tango los avergüenza. Esa es una antigua división que existe entre lo clásico y lo popular. Los músicos del Colón miran a los del tango como si fueran basura. Y no debería ser así. Es una gran mentira. Algunos de los músicos del Colón merecen estar en la peor discoteca de Buenos Aires. Como he tocado en algunos de esos lugares, puedo hablar con conocimiento del tema".

Alberto Ginastera estaba a sólo tres años del Conservatorio Nacional en 1941, cuando Piazzolla apareció en su puerta como su primer alumno, siguiendo una recomendación casual para un maestro. Ginastera ya había logrado un notable éxito con su ballet Panambí y era una obra sobre otra, Estancia.

"Ginastera fue el maestro que me dio la fundación", recordó Piazzolla más tarde. "Con él aprendí orquestación, que sigue siendo uno de mis puntos fuertes, y todo lo que desarrollaría con Nadia Boulanger en París. Pasé casi cinco años con él, y recuerdo ese tiempo no sólo por la técnica que aprendí, sino también por el humanismo que me enseñó.

"Alberto solía decir que un músico no podía quedarse en sus partituras. Diría que un músico tiene que saber de pintura, literatura, teatro, cine. Para mí esto fue como recibir una descarga eléctrica. En aquellos días jugaba con Troilo, y con la mayoría de mis colegas sólo podía hablar de fútbol y apuestas".

Las «Variaciones concertantes» se compusieron en 1953, durante un período difícil para Ginastera, ya que los conflictos políticos con el gobierno de Perón le obligaron a dimitir como director del conservatorio de música de la Universidad Nacional de La Plata. Se trata de una obra fundamental del «nacionalismo subjetivo» de la segunda etapa estilística de Ginastera, en la que los elementos folclóricos y tradicionales se idealizan y subliman de forma personal. Un símbolo musical característico de ello es la armonía derivada de las cuerdas al aire de la guitarra, tal y como se escucha en el arpa bajo la exposición del tema por parte del violonchelo solista al principio, y de nuevo antes de la variación final. (Estas notas —Mi, La, Re, Sol, Si— representan también las principales áreas tonales de toda la obra.)

Dos interludios y siete variaciones con diferentes instrumentos solistas se encuentran entre estas afirmaciones del tema de Ginastera. La variación final, para el conjunto completo, es un malambo de alto voltaje, la danza gaucha competitiva que fue otro de los principales símbolos de Ginastera. Las notas constantes y repetidas representan pies de golpeo, con florituras virtuosas y jazzísticas que provienen de todos los puntos instrumentales.

-- John Henken es el Director de Publicaciones de la Filarmónica de Los Ángeles.