Orquestación: 3 flautas (1ª, 2ª y 3ª = flautín), 3 oboes (2ª = corno inglés), 3 clarinetes (2ª = clarinete bajo), 2 fagotes, contrafagot, 4 trompas, 4 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, percusión (bombo, platillos, glockenspiel, caja, platillo suspendido, tam tam, pandereta, triángulo, 2 xilófonos), arpa, 2 pianos, celesta y cuerdas. Primeras actuaciones de la Filarmónica de Los Ángeles.

"Hoy creo que la amenaza contra la civilización nunca pertenecerá al pasado mientras la libertad esté amenazada en algún lugar... necesitamos estar en guardia, necesitamos recordarnos a nosotros mismos, recordar las atrocidades del pasado... necesitamos hablar cuando reconozcamos gobiernos totalitarios [en cualquier lugar]".

- Karl Amadeus Hartmann

El compositor alemán Karl Amadeus Hartmann, sin asociarse con los "camisas marrones" (a diferencia de Furtwängler, von Karajan y Richard Strauss, por ejemplo) o emigrar al extranjero (como Schoenberg, Steuermann y Weill, entre otros), logró sobrevivir al Tercer Reich. No sin su propia crisis personal, sin embargo - una "emigración interna", algunos la han llamado.

Tras formarse en la Academia de Música de Múnich a finales de la década de 1920, el joven Hartmann irrumpió con fuerza en el mundo musical alemán. Se inspiró en el futurismo, el dadaísmo, el jazz, el expresionismo alemán, la «escuela» modernista en evolución de Schoenberg, Webern y Berg, e incluso en las técnicas fugales de Bach. La obra de Hartmann tuvo gran acogida, con excelentes críticas y importantes interpretaciones a lo largo de la década de 1930. Sin embargo, cuando los nazis llegaron al poder, inició su exilio personal, prohibiendo la interpretación de sus obras en Alemania y retirándose de la vida pública. Fuera de Alemania, obtuvo varios premios y cosechó un gran éxito, con conciertos en Praga, Estrasburgo, Ginebra, Lieja y Viena. No obstante, acabó suspendiendo todas las interpretaciones y retiró todas sus obras. En 1941 se trasladó a Viena para estudiar con Anton Webern.

Tras la guerra —más o menos en la misma época en que escribió las palabras anteriores—, Hartmann regresó a Múnich y se dedicó a «Musica Viva», un ciclo de música contemporánea que tuvo un enorme impacto en toda Europa. Con el tiempo, volvió también a la composición, «recreando» una gran cantidad de nuevas obras al revisar gran parte de su música de la década de 1930. El núcleo de la obra de Hartmann lo constituyen sus sinfonías, ocho en total. Directores de orquesta como Leon Botstein lo han comparado con Mahler y Shostakovich, y se han deshecho en elogios: «Creo que Karl Amadeus Hartmann es uno de los mejores sinfonistas de este siglo».

La Sinfonía No. , una de sus obras más interpretadas, es una reelaboración de una sinfonía en dos movimientos de 1937, titulada *L’Oeuvre*. La obra original se inspiró en la novela homónima del escritor naturalista francés Émile Zola, que narra la historia de un pintor —Hartmann había querido ser pintor en algún momento— en conflicto entre el gusto del público y sus propias dudas (¿el introvertido Hartmann?). Entre 1951 y 1953, el compositor retomó la obra, eliminó las referencias musicales a la novela de Zola y revisó a fondo la Toccata variata, llegando incluso a invertir el orden de interpretación de los dos movimientos.

El de Hartmann es un lenguaje musical muy personal, revelado a lo largo del primer movimiento Adagio. No es ni estridentemente atonal ni rigurosamente serial. En su lugar, mezcla lo tonal y lo atonal; los momentos coloridos y caprichosos dan paso a estruendosos clímax, las melodías quijotescas ceden el paso a gigantescos tsunamis de sonido. La Sinfonía comienza silenciosamente cuando el fagot, los tambores que retumban y el serpenteante corno inglés inician la lenta evolución de la estructura, un mundo sonoro que va y viene pero que nunca pierde una extraordinaria intensidad. La quietud de la apertura regresa para cerrar el Adagio.

La «Toccata variata» comienza de forma audaz y brusca, dando paso inmediatamente a una fughetta interpretada por las cuerdas. La vitalidad rítmica y los recursos contrapuntísticos de este movimiento suenan, en ocasiones, casi barrocos, pero el carácter de la música es inconfundiblemente moderno, estridente y angustioso. Los diálogos alegres y ligeros entre fagotes, clarinetes y cuerdas se ven interrumpidos por golpes secos y retumbantes de los metales y la percusión.

Un clímax importante llega a mitad del movimiento cuando el flautín, pianolos metales y la percusión comienzan un diálogo frenético y demoníaco. Se produce un colapso, cuando los pares de vientos alegres reaparecen, conduciendo una vez más a un diálogo neolítico y neobarroco. Después de una cadencia de mini-percusión, Hartmann nos lleva a un último up-tempo, retozo contrapuntístico, comenzando con las cuerdas. El neobarroco cede rápidamente ante el neonuclear mientras la música se intensifica para un último arrebato maníaco de energía.

Debemos recordar que para Karl Amadeus Hartmann, escribir música era realmente un acto político. Para él y otros de su época, la libertad de las limitaciones de la tonalidad y la orquesta del siglo XIX tenían un significado especial, sobre todo a la luz de la amarga oposición del compositor al totalitarismo. En su vida privada, y en su música, Hartmann (en palabras de Botstein): "proporciona un ejemplo convincente de lo que los alemanes y europeos comunes deberían haber hecho."

El compositor Dave Kopplin, que tiene un doctorado de la UCLA, es escritor y editor de programas de la Filarmónica de Los Ángeles y del Hollywood Bowl. También es profesor de música en la Universidad Loyola Marymount.