La sabiduría recibida sobre la innovadora Cámara Sinfonía No. 1 de Schonberg es que se trata de un acercamiento a la concisión y la brevedad, un acto de compresión despiadada y purificadora en reacción al giganticismo del romanticismo tardío representado por las sinfonías de Mahler y los propios Gurre-Lieder y Pelleas y Melisande de Schoenberg, entre muchos otros. Schoenberg redujo las grandiosas fuerzas orquestales a 15 instrumentos solistas y encapsuló la sinfonía estándar de múltiples movimientos en un solo movimiento compuesto.

Esa fue la forma en que la Sinfonía de Cámara, completada mientras estaba de vacaciones en Baviera en jul 1906, se estrenó en febrero de 1907, y es en esa forma que se convirtió en un icono modernista, inspirando muchas obras similares. Con su uso temático de cuartas superpuestas y escalas de tonos enteros que funcionaban tanto vertical (armónicamente) como horizontalmente (melódicamente), la obra se convirtió en un famoso indicador del futuro, un presagio de lo que vendría para Schoenberg y gran parte de la música del siglo XX.

Sin embargo, la obra mira tanto hacia atrás como hacia adelante, algo que se puso de manifiesto más claramente cuando Schoenberg la arregló para orquesta completa en 1935. Este fue un período durante sus primeros años en Los Ángeles en el que el compositor reflexionó sobre la relación de su propio estilo con la música del pasado, arreglando y adaptando obras de Monn y Handel (y dos años más tarde el Cuarteto Brahms Piano escuchó en el programa de anoche), y escribiendo la Suite "in Old Style". Schoenberg dirigió la Filarmónica de Los Ángeles en el estreno mundial de la versión para orquesta completa de la Sinfonía de Cámara en un programa de su propia música, el 27 de diciembre de 1935, en el Auditorio Bovard de la USC, donde el compositor daba entonces una conferencia. (Las otras obras del programa eran la Suite y Verklärte Nacht como arreglos para orquesta de cuerdas. La Sinfonía de Cámara, por cierto, fue listada entonces como Op. 9-A.)

Y la brevedad de la Sinfonía de Cámara es relativa a otras obras contemporáneas, incluyendo las Pelleas y Melisande de Schoenberg y su Cuarteto de Cuerdas en Re menor, ambas también en un solo movimiento. (La Sinfonía de Cámara es más larga que muchas sinfonías completas de varios movimientos de Haydn y Mozart). Schoenberg cita a Liszt como inspiración para la idea de una forma encapsulada (y Liszt seguía el modelo de la Fantasía "Vagabundo" de Schubert). En la Sinfonía de Cámara, este único movimiento se subdivide en cinco partes muy distintas, aunque se tocan sin pausa.

Una forma de ver el plan general de la pieza es como un gran movimiento en forma de sonata con interludios que representan un scherzo y un movimiento lento. La primera sección corresponde a la exposición. Una introducción lenta y madura nos lleva a fa mayor, luego una rápida marcha por una pila de cuartas partes nos lleva finalmente a mi mayor, la clave de inicio de la obra, en la que la tonalidad es un factor atenuado pero aún muy real. Hay varios temas bien caracterizados en esta sección y uno - otro enérgico empuje ascendente, de una escala de tonos enteros en trillizos apresurados - regresa como transición a la segunda sección, que es un scherzo muy rápido, completo con una brizna de un trío. La tercera sección elabora los temas de la exposición en un ambiente más reflexivo, pero aún así bastante dinámico, como la sección de desarrollo de una forma de sonata. Una etérea y triste sección lenta del pathos casi mahleriano se basa de nuevo en cuartos ascendentes. La deslumbrante quinta sección sirve tanto para la recapitulación libre de la forma de sonata como para el exuberante final de la sinfonía.

Aunque compleja, esta estructura se desarrolla de forma orgánica y es bastante audible, sobre todo si se coge el taco para el cierre de la primera sección. Esta es una pieza muy afinada, con los aspectos de scherzo y "movimiento" lento funcionando también como una especie de desarrollo de los temas por contexto y carácter. La gramática de los versos de Schoenberg era fresca y de límite, pero los gestos retóricos enérgicos emergen del mundo sonoro de Mahler y Richard Strauss, al igual que la sinceridad emocional, que la relativa concisión sólo intensifica.

- John Henken es Director de Publicaciones de la Filarmónica de Los Ángeles.