En el siglo XVIII, la ópera era la medida del éxito de todo compositor. Handel pasó sus años de aprendizaje en Hamburgo e Italia, y su éxito como compositor de óperas italianas —los italianos aclamaron suAgrippina con gritos de «Viva il caro Sassone» (Viva el querido sajón)— lo llevó a Londres, donde se estrenó su ópera Rinaldo en 1711. Durante las tres décadas siguientes, compuso más de 30 óperas para diversos teatros de la ciudad, pero a mediados de la década de 1730, el público de sus óperas estaba disminuyendo y la escena operística londinense se caracterizaba por las intrigas y la competencia. Las temporadas operísticas de Händel eran cada vez menos rentables y estaban plagadas de conflictos; al mismo tiempo, el público mostraba un gran interés por sus oratorios en lengua inglesa. Estas obras combinaban temas sacros con las técnicas de composición dramática que Händel había dominado durante su larga carrera como compositor de ópera, y muchas de ellas incluían el tipo de escritura coral elaborada característica de la producción sacra y ocasional del compositor.

Handel dio una última puñalada en la ópera con Deidamia, que se estrenó en enero de 1741 en el Lincoln's Inn Fields Theatre, donde Handel estaba montando su temporada de 1740/41. Deidamia actuó en el escenario sólo tres veces; la del 10 de febrero fue la última representación de una ópera de Händel bajo su dirección.

Consciente de la decepcionante acogida de Deidamia, uno de los antiguos colaboradores de Handel, Charles Jennens, trató de abrir el apetito del compositor para un nuevo proyecto. Jennens ya había escrito el libreto del oratorio Saul y el texto de la tercera parte de L'allegro, il penseroso, ed il moderato; en una carta fechada el jul10 de 1741, escribió: "Handel dice que no hará nada el próximo invierno, pero espero persuadirle para que ponga otra colección de escrituras que he hecho para él, y la interprete para su propio beneficio en la Semana de la Pasión". Espero que ponga todo su genio y habilidad en ello, para que la composición pueda superar todas sus composiciones anteriores, como el sujeto supera a cualquier otro sujeto. El sujeto es el Mesías".

Así que tenemos a Handel, en el verano de 1741, enfrentándose a un futuro incierto en Londres y contemplando la posibilidad de tomarse un descanso invernal, con la colección de escrituras de Jennens dando vueltas alrededor de su casa en Brook Street. Una invitación de Irlanda para participar en una temporada benéfica de conciertos de oratorio "para el alivio de los prisioneros en varias cárceles, y para el apoyo del Hospital Mercer's en Stephen's Street, y de la enfermería benéfica en el Inns Quay" no podría haber llegado en un momento más oportuno, y Handel decidió pasar la temporada 1741/42 en Dublín. Él compuso el Mesías en agosto y septiembre, mientras aún estaba en Londres. Las modestas fuerzas empleadas indican que Handel tenía la intención de que la obra viajara. (Los oratorios de Handel para Londres, Saul por ejemplo, típicamente muestran una orquestación más lujosa). Es muy probable que Handel no trabajara estrechamente con Jennens durante la composición; de hecho, el escritor se sorprendió al saber que el compositor estaba planeando un estreno en Dublín. "Escuché con gran placer a mi llegada a la ciudad, que Handel había puesto en marcha el Oratorio del Mesías", escribió Jennens en una carta fechada el 2 de diciembre, "pero fue algo mortificante escuchar que en vez de realizarlo aquí, se había ido a Irlanda con él".

Handel comenzó su temporada en Dublín el 23 de diciembre con una actuación de L'allegro en el Great Music Hall de Fishamble Street, el lugar de todos sus conciertos de Dublín. El estreno del Mesías el 13 de abril de 1742 marcó la culminación de su tiempo allí. Fue un éxito rotundo. El Dublin Journal informó que en el ensayo abierto, el trabajo"fue interpretado tan bien, que dio Satisfacción universal a todos los presentes; y fue permitido por los más grandes Jueces ser la mejor Composición de Música que jamás se haya escuchado...." y elogió de manera similar en el estreno: "Las palabras quieren expresar la exquisita Delicia que le proporcionó a la admirada y entrecortada Audiencia. Lo sublime, lo grande y lo tierno, adaptado a las palabras más elevadas, majestades y conmovedoras, conspiraron para transportar y encantar al Corazón y al Oído raptado". Desde entonces, la obra se ha establecido como la más popular de su tipo, afirmando el genio de la búsqueda de Händel de un oratorio en inglés. Nunca escribió otra ópera después de Deidamia, pero Handel siguió al Mesías con otros quince oratorios en inglés. Tenemos que agradecer al Mesías por allanar el camino para obras tan dispares como la Creación de Haydn, Elías de Mendelssohn, el Sueño de Gerónimo de Elgar y El Niño de John Adams.

El Mesías de Handel está dividido en tres partes. La primera parte describe el advenimiento y nacimiento de Cristo, con el estribillo "Para nosotros" demarcando la transición del uno al otro. La Parte II detalla la vida de Cristo, su resurrección, su ascensión al cielo, la predicación del evangelio por sus apóstoles, y una visión de su victoria final. La Parte III celebra la redención de la humanidad - su resurrección final y la recepción de la vida eterna - producida por la muerte de Cristo.

La obra comienza con una "Sinfonía", el primer uso de Handel de la forma de obertura operística francesa (introducción de tumba punteada seguida de un allegro moderato contrapuntístico) en uno de sus oratorios. Sigue el recitativo acompañado más rico de la obra, con una línea vocal cuya expresión aumentada y uso de la repetición lleva el número a territorio arioso. El vigor del aria siguiente, "Valle de Ev'ry", con su pintura de palabras para "el recto torcido, y los lugares ásperos llanos", marca el tono de la primera mitad de la Parte I, ya que Jennens presenta una serie de textos proféticos que anticipan la venida de Cristo y Händel los combina con música de gran variedad, contraste e inventiva. A lo largo de la primera parte, la música parece moverse hacia re mayor, desde el aria de re menor alto "Pero quién puede permanecer", pasando por el aria de re mayor alto y el coro "Oh tú que dices", hasta el coro "Gloria a Dios", donde las trompetas entran por primera vez para reforzar re mayor.

En la Parte II, Händel se aleja de Re Mayor en una secuencia de números que representan el sufrimiento de Cristo en la tierra. Por ejemplo, uno de los números más conmovedores del Mesías, el aria alto "Era despreciado", está en Mi bemol mayor, tan lejos como Handel pudo llegar de Re mayor. La elección clave permite una representación profundamente humana de Cristo - la calidez y nobleza de las cuerdas en el ritornello de apertura es ciertamente Handel en su más elocuente - mientras que al mismo tiempo subraya la distancia que el "hombre de dolores" representado en el aria tiene que recorrer para alcanzar el triunfante Re mayor del coro "Aleluya", la celebración de Cristo entronizado junto a Dios que cierra la segunda parte. La costumbre de estar de pie durante el coro data de la primera actuación del Mesías en Londres, que tuvo lugar el 23 de marzo de 1743. El ensayista y poeta escocés del siglo XVIII James Beattie los orígenes de la tradición en una carta de 1780: "Cuando el'Mesías' de Händel fue interpretado por primera vez, la audiencia fue sumamente golpeada y afectada por la música en general; pero cuando ese coro empezó a sonar,'Porque el Señor Dios Omnipotente reina', estaban tan transportados que todos ellos, junto con el rey (que estaba presente), se pusieron en marcha y permanecieron de pie hasta que el coro terminó; y por lo tanto, se puso de moda en Inglaterra que la audiencia se parara mientras esa parte de la música estaba tocando'".

La tercera parte comienza con una de las arias más sorprendentemente concebidas en la producción de Handel. A lo largo del Mesías, Handel propone soluciones musicales originales a los problemas que los textos bíblicos plantean a un compositor del siglo XVIII. Donde la poesía del siglo XVIII típicamente presenta un afecto o emoción constante, los antiguos versículos hebreos de la Biblia se deleitan en contraste, y Händel tuvo que repensar las formas musicales arraigadas en la poesía del siglo XVIII para establecer los textos bíblicos del Mesías. En el caso de "Sé que mi redentor vive", Handel toma tres ideas opuestas - "Sé que mi redentor vive", "Y los gusanos destruyen este cuerpo" y "Porque ahora ha resucitado Cristo" - y crea una especie de forma rondó, con "Sé que mi redentor vive" funcionando como tema principal, y las secciones que comienzan con "Y los gusanos destruyen este cuerpo" y "Porque ahora ha resucitado Cristo" actuando como material de contraste. Pero el conjunto se construye tan artísticamente, con tal unidad expresiva, que la innovación formal de Handel es (probablemente) pasada por alto, su arte trasciende su oficio.

"Sé que mi redentor vive" nos sitúa de nuevo muy lejos de Re Mayor (el aria está en Mi Mayor), pero Handel pronto trae de vuelta a Re Mayor en "La trompeta sonará", un aria que podría haber venido directamente del teatro de la ópera. Su estructura en tres partes, A-B-A (en este caso, dal segno en lugar de da capo) y su trompeta obbligato son exactamente lo que un público de ópera esperaría de un aria triunfal.

El Mesías concluye con un coro resplandeciente que reúne todos los hilos musicales y dramáticos que recorren la obra. Es el coro más grandioso que Handel compuso jamás, con una apertura que combina solemnidad y celebración, seguida de un «Amén» fugal de poder abrumador. Marca la culminación de una obra que se ha convertido en un icono de la cultura occidental: aunque no se sepa nada más de música clásica, todo el mundo conoce el coro del «Aleluya». Edward Synge, obispo de Elphin y uno de los principales ideólogos irlandeses del siglo XVIII, lo captó en su resumen de la obra: «Así como el Sr. Handel en su oratorio supera con creces a todos los demás compositores que conozco, en el famoso llamado El Mesías parece haberse superado a sí mismo. El conjunto supera cualquier cosa que pudiera imaginar hasta que lo leí y lo escuché. Parece ser un tipo de música diferente a cualquier otra, y esto es particularmente notable. Aunque la composición es muy magistral y artificial, la armonía es tan grande y abierta que complace a todos los que tienen oídos y quieren escuchar, tanto a los eruditos como a los ignorantes». —John Mangum