Tras sus primeros ballets «rusos» —El pájaro de fuego, Petrushka y La consagración de la primavera—, todos ellos representados con gran fastuosidad por los Ballets Rusos de Diaghilev en el París anterior a la Primera Guerra Mundial, Stravinsky comenzó a experimentar con formas teatrales «mixtas». En sus obras escénicas posteriores, trastocó las categorías tradicionales, haciendo malabares con los géneros (danza, ópera, oratorio, drama) como si fueran naranjas. Renard ( 1916), un cuento fantasioso sobre cuatro animales, lleva el título de «burlesco» y «debe ser interpretado por payasos, bailarines o acróbatas, preferiblemente en un escenario con caballetes y con la orquesta situada detrás». Histoire du soldat ( 1918), una obra de teatro-danza basada en la leyenda de Fausto, «debe leerse, representarse y bailarse». Stravinsky describió la neoclásica *Pulcinella* ( 1920) como un ballet con canto, o una *action dansante*, y *Les noces* ( 1923), de inspiración folclórica, como «un *divertissement* del tipo mascarada». *Oedipus Rex* ( 1927), una grandiosa adaptación para concierto de la tragedia de Sófocles, se sitúa a medio camino entre el oratorio y la ópera.

«Perséfone» es otro ingenioso híbrido. Escrita para la bailarina y coreógrafa Ida Rubinstein y su compañía, cuenta con una narradora en el papel de Perséfone, un tenor como narrador (Eumolpo), un coro mixto (que se divide en varios grupos), un coro de niños y bailarines. El escritor francés André Gide (1869-1951) proporcionó el libreto lírico, una revisión de su poema largo sobre la leyenda de la diosa griega del trigo, Deméter, y su hija, Perséfone. El mito narra el rapto de Perséfone por parte de Hades, hermano de Zeus, quien se la lleva al inframundo. Deméter intercede ante Zeus para que libere a Perséfone, pero esta come una semilla de granada que la condena a permanecer con los muertos. Solo cuando Deméter amenaza con provocar una plaga en el mundo vegetal, Hades accede a compartir a Perséfone con los vivos. A partir de entonces, Perséfone pasa el invierno en el inframundo y el resto de las estaciones en la Tierra.

En su poema y libreto, Gide refundió la historia. Lo más importante es que Perséfone elige (oliendo intencionadamente un narciso mágico) visitar el inframundo, debido a su compasión por los condenados a habitarlo, "un pueblo sin esperanza, pálido, inquieto y triste". Para el incondicional protestante Gide, Perséfone se convirtió en una figura protocristiana, un salvador dispuesto a hacer un sacrificio por compasión hacia los que sufren. Al recibir la primera escena del libreto, Stravinsky escribió diplomáticamente a Gide que aspiraba a "erigir un monumento muy sustancial en sonido para ir con el suyo".

Pero su colaboración no salió bien. Stravinsky se opuso enérgicamente a las sugerencias de Gide sobre qué tipo de música debía acompañar su texto. Para Stravinsky, las palabras de Gide no eran más que piezas de "material" musical que se sometían a las exigencias métricas, rítmicas y sonoras de la partitura, no mensajes religiosos o políticos que debían ser transmitidos cuidadosamente. En el primer ensayo, la deconstrucción angular y fragmentaria de Stravinsky de su texto ofendió tanto a Gide que huyó a Sicilia.

La música modernista y ecléctica de «Perséfone»destaca por su impresionante variedad, colorido e incluso algunas melodías encantadoras, una característica que no suele asociarse con Stravinsky. El número inicial del coro femenino, «Reste avec nous» (Quédate con nosotros), fluye con una seductora languidez primaveral. La partitura suena más francesa que la mayoría de las obras anteriores de Stravinsky, con ecos de Gluck, Berlioz, Liszt y Debussy. El coro de las flores del último cuadro también hace referencia (quizá en tono jocoso) a una fuente rusa inesperada: la «Canción de los barqueros del Volga».

En el glamuroso estreno celebrado en la Ópera de París, la escultural e imponente Ida Rubinstein interpretó el papel protagonista, y Kurt Jooss se encargó de la coreografía. Las críticas fueron dispares y *Perséphone* solo se representó tres veces. Sin embargo, en años posteriores, numerosos coreógrafos han puesto en escena esta obra maestra de carácter oracular, entre ellos George Balanchine en el New York City Ballet en 1982.