DE UN VISTAZO

Puede que el compositor ruso Nikolai Kapustin resulte desconocido para el público estadounidense, pero su estilo musical se reconoce al instante como una fusión entre el jazz estadounidense y el virtuosismo ruso al teclado. Kapustin, que estudió con el profesor de Vladimir Horowitz pero se empapó de los estilos jazzísticos de George Gershwin, Duke Ellington y Bill Evans, desarrolló una voz compositiva única que refleja y amplía ambas tradiciones. La música de Jeanne Demessieux y Naji Hakim también refleja la influencia de sus maestros y su formación: Demessieux fue alumna de Marcel Dupré y, bajo su tutela, se convirtió en una maestra de la improvisación al estilo parisino, adquiriendo un prodigioso repertorio de unas 2.500 obras memorizadas. La música de Hakim, alumno de Jean Langlais y sucesor de Messiaen, es una mezcla totalmente moderna y ecléctica de los estilos francés y libanés. Monica Czausz Berney completa su programa con obras maestras más conocidas de Mendelssohn y Bach, así como con su adaptación de la transcripción que el gran Jean Guillou realizó del Scherzo de la Sinfonía «Patética» de Tchaikovsky. 

Imagina que estás sentado en una sala de conciertos con los ojos cerrados, esperando la actuación del compositor y pianista ruso Sergei Rachmaninoff, un hombre alto y demacrado. Esperas armonías exuberantes del romanticismo tardío, con melodías hermosas y líricas y un estilo pianístico potente y enérgico. La música comienza tal y como esperabas, pero de repente da un giro hacia algo que suena como una mezcla de George Gershwin, Duke Ellington y Bill Evans. Abres los ojos y, sentado al piano, en lugar del esquelético Rachmaninoff, hay un ucraniano bajito, de aspecto anodino y con aire de abuelo. Se trata de Nikolai Kapustin, un compositor y pianista que, a pesar de una larga y brillante carrera como compositor y pianista en Moscú, logró pasar desapercibido para Occidente durante más de 60 años, hasta que alcanzó cierta notoriedad tras su fallecimiento en jul . 

Kapustin nació en la provincia de Donetsk, en el este de Ucrania, en 1937. Estudió con diversos profesores de piano , pero quizá la mayor influencia la recibió de Avrelian Rubakh, que estudió con el profesor de Vladimir Horowitz, Felix Blumenfeld. Kapustin se sintió inmediatamente atraído por la composición, pero no en el estilo sancionado por el Ministerio de Cultura de la URSS. En su lugar, escribió música que suena como si se hubiera cocinado a fuego lento en un guiso de jazz americano. Kapustin recordaba que "en los años 50, [el jazz] estaba completamente prohibido, y había artículos en nuestras revistas que decían que era la típica cultura capitalista, así que teníamos que desecharlo". 

Kapustin se graduó en la Escuela Superior de Música de Moscú en 1956 y, por aquel entonces, se estaba produciendo una especie de "deshielo" en la vida musical soviética. El jazz se escuchaba en los clubes urbanos y se abría paso cada vez más en las ondas soviéticas. Kapustin continuó con su amalgama experimental de lenguajes clásicos y de jazz, desarrollando una "voz" compositiva única.  

«Nunca fui músico de jazz», dijo en una ocasión. «Nunca intenté ser un auténtico pianista de jazz. No me interesa la improvisación, y ¿qué es un músico de jazz sin improvisación?». Sin embargo, su música es fresca, cautivadora y muy «jazística». La Sinfonietta nació como una obra orquestal, pero se hizo popular en un arreglo para piano . Mónica Czausz ha adaptado el cuarto movimiento, el Rondo, para órgano solo. 

Felix Mendelssohn compuso sus primeras obras para órgano en Berlín a principios de la década de 1820, cuando aún era un joven alumno de August Wilhelm Bach (sin parentesco alguno). Aunque siempre sería más conocido como compositor y pianista, le encantaba tocar el órgano y rara vez dejaba pasar la oportunidad de probar los instrumentos dondequiera que los encontrara. En 1831, se encontraba en Suiza y comentó que «por suerte, siempre se encuentra un órgano… Ciertamente son pequeños y la octava inferior [corta]… tanto en el teclado como en el pedal [es] imperfecta o, como yo lo llamo, «coja». Pero, aun así, son órganos y eso me basta». El Allegro, Coral y Fuga se concibió originalmente como parte de un conjunto de voluntarios encargado por el editor inglés Charles Coventry en 1844. Es una de las obras más amplias de Mendelssohn para órgano solo. El Allegro inicial es una tocata virtuosa. El breve Coral da paso a una fuga majestuosa que termina de forma discreta en el registro grave del instrumento. 

Al igual que la mayoría de las obras para órgano de J. S. Bach, la llamada «Dorian» (título que no le dio Bach) Toccata y fuga fue compuesta durante el tiempo en que ejerció como organista de la corte del duque de Weimar. Dos compositores —uno del norte y otro del sur— ejercieron una gran influencia sobre Bach: Dieterich Buxtehude, a quien Bach visitó de joven en 1705, y Antonio Vivaldi, cuya música se hizo muy popular en toda Europa tras su publicación en Ámsterdam en 1711. La apasionada Toccata, al igual que la Fuga de la más famosa BWV 565, utiliza una figura típica del violín barroco que se caracteriza por una línea melódica ascendente y descendente que se alterna con una nota repetida, a menudo en una cuerda al aire (una técnica que resulta especialmente útil cuando se toca en el pedalero). Aunque el compositor no lo indica, la Toccata invita a imitar aún más el concierto barroco mediante el uso alternado de dos teclados, creando texturas más ligeras y otras más densas al estilo de los pasajes «solistas» y «tutti». La Fuga, a cuatro voces, es austera al estilo de la forma barroca más antigua, el ricercar.  

Jeanne Demessieux (1921-1968) y Naji Hakim (n. 1955), nacidos con aproximadamente una generación de diferencia, encarnan ambos el talento artístico del polifacético organista, compositor, improvisador y pedagogo parisino. Ambos se revelaron como organistas de un talento excepcional ya de jóvenes y continuaron su formación con algunos de los maestros más brillantes del siglo XX. Demessieux ingresó en el Conservatorio de París a los 12 años y estudió con Marcel Dupré durante una década, a partir de 1936 aproximadamente. Fue la primera organista femenina en firmar un contrato discográfico importante (con Decca) y acabó grabando las obras completas de Bach y Frank. Interpretando siempre de memoria, ofreció cerca de 1.000 conciertos públicos y contaba con más de 2.500 obras en su repertorio activo. Muchas de sus composiciones para órgano se basan en melodías conocidas del canto llano. El *Te Deum* (1958) presenta una audaz paráfrasis de la melodía inicial que da paso a una extensa fantasía y concluye con una emocionante tocata al estilo francés.

Hakim nació en Beirut y pasó del piano órgano a una edad temprana, aprendiendo la técnica principalmente por su cuenta a través de varios libros de método muy conocidos de la época. A los 20 años, se trasladó a París para completar sus estudios de ingeniería y encontró en Jean Langlais a su mentor en composición, quien le animó a ingresar en el Conservatorio, donde Hakim acabó obteniendo la asombrosa cifra de siete primeros premios. Ocupó el puesto de organista en la Basílica del Sagrado Corazón y, en 1993, sucedió a Olivier Messiaen en la Iglesia de la Santísima Trinidad. Los seis breves movimientos que componen *Arabesques* (2009) reflejan la influencia tanto de Langlais como de Messiaen, pero siempre ofrecen la mezcla característica de Hakim entre los recursos musicales de finales del siglo XX y los modos y gestos rítmicos de la música folclórica de Oriente Medio. 

Cuando se estrenó la última sinfonía de Chaikovski en San Petersburgo, en octubre de 1893, varias personas cercanas al compositor le dieron consejos sobre el subtítulo. Fue su hermano Modest quien sugirió «Pathétique» ( impregnada de pasión), un término que Chaikovski aceptó en un primer momento, pero que luego rechazó, sin éxito. Nikolái Rimski-Kórsakov sugirió «Sinfonía programática », pero primero quiso saber cuál era el «programa». Tchaikovsky admitió que lo había, pero se guardó el significado para sí mismo. Mientras aún trabajaba en la obra, le dijo a su sobrino Bob Davidov que la pieza tendría un programa, pero que su naturaleza exacta no se revelaría, salvo que estaría «saturada de sentimientos subjetivos». De hecho, la obra está llena de patetismo y de una expresión profundamente sentida. Termina de forma trágica, anticipando la prematura muerte del compositor tan solo nueve días después de su estreno. El Scherzo es , con diferencia, el movimiento más ligero de los cuatro. Comienza con una ráfaga mendelssohniana de arpegios y arabescos antes de que surja la melodía principal —una marcha—. A medida que avanza la obra, el tema adquiere nuevos rasgos marciales y lo que comenzó como un scherzo termina como una marcha triunfal y enérgica en sol mayor. —Tom Neenan