DOM. / ABR21, 2019 - 7:30PM

Notas de John Henken

De alguna manera, Johann Sebastian Bach (1685-1750) y Philip Glass (n. 1937) representan el yin y el yang de la polifonía estampada. La música del vidrio se reduce, mientras que la de Bach es, pues, barroca en todos los sentidos. "Si la música de Glass es mínima, la de Bach es máxima", dice Víkingur Ólafsson. Ambas, sin embargo, son el resultado de mentes en búsqueda y estudio profundamente reflexivo, ambas están abiertas a la metáfora musical y llenas de bucles extraños, y ambas contemplan metas metafísicas y estéticas.

"Una de las cosas de Bach que he comprendido", dice Glass, es que "las técnicas que se aprenden a través del estudio de Bach son cosas que funcionan muy bien con la música contemporánea. Si echas un vistazo a la forma en que se escriben las fugas, es realmente un proceso...... El contenido y la forma están estrechamente relacionados...... La forma y el contenido son idénticos para Bach, así que hay ciertos procedimientos que resultan muy útiles, que aparecen en mi música bastante a menudo".

Bach, por supuesto, está estrechamente relacionado con la música para teclado, aunque escribió música en todos los géneros actuales excepto ópera y ballet (y algunas de sus cantatas seculares son, de hecho, óperas cómicas cortas). Bach era más conocido en su época como un intérprete asombroso, un extraordinario virtuoso de la improvisación creativa sin fin, así como de una habilidad técnica poco común.

Bach fue siempre un artista de una curiosidad intensa, profundamente comprometido con la música de su época. En los primeros años de su mandato como organista (y más tarde concertino) del duque de Weimar, estudió a fondo la música italiana contemporánea, en particular la de Vivaldi. La Aria variata alla maniera italiana (BWV 989) es su propia interpretación de ese estilo: un tema y diez variaciones melódicas ornamentales. Bach también arregló varios conciertos recientes —en su mayoría italianos, aunque algunos alemanes— para teclado solista. Su famosa adaptación de un concierto para oboe de Alessandro Marcello (1673-1747), el Concierto en re menor (BWV 974), data en realidad de antes de que se publicara el original; probablemente obtuvo una copia manuscrita de su empleador ducal, gran amante de la música.

El primer volumen de El Clave bien temperado se recopiló en 1722, mientras Bach se encontraba en Cöthen. («Bien temperado» no se refiere a un estado inducido por el Prozac. Un temperamento musical es un sistema de afinación que ajusta o «tempera» los intervalos de la escala armónica natural, algo que se hizo cada vez más necesario a medida que la música occidental pasaba de un énfasis melódico a modelos armónicos complejos, de la modalidad a la tonalidad.) Consta de 24 preludios y fugas para teclado, un par en cada una de las 12 tonalidades mayores y las 12 menores. Había en ello un elemento didáctico declarado, pero Bach también parece haber querido destacar las ramificaciones prácticas y artísticas del sistema de temperamento igual, que se iba desarrollando gradualmente y que dividía el intervalo natural de la octava de manera uniforme en 12 semitonos. El verdadero temperamento igual —la afinación de un piano no se adoptó de forma universal en Alemania hasta después de la muerte de Mozart, y en Francia e Inglaterra no se hizo hasta mediados del siglo XIX.

El Clave Bien Temperado también muestra el otro tipo de temperamento - la volatilidad emocional - tan poderosamente como ilustra un sistema de afinación. Se trata de una colección de piezas de carácter tanto de contrapunto como de contrapunto, que expresan afectos barrocos. Los preludios pueden ser bailes o cantos instrumentales; a veces son tan contrapuntísticos como la fuga de su compañero. El animado Preludio en Re Mayor corre velozmente sobre un acompañamiento estéril y estoico hasta la cadencia florida final; el de Mi Menor comienza algo solemne, con una línea de largo alcance, ornamentalmente activada, sobre un flujo implacable de notas 16.

En muchos sentidos, una fuga parece ser lo último que asociaríamos con el temperamento en su sentido emocional, una máquina musical de cuerda que funciona con lógica en lugar de pasión. La rigurosa polifonía imitativa sugiere orden y estructura, y Bach respondió creando colecciones asombrosamente ordenadas y estructuradas de su contrapunto, como La ofrenda musical y El arte de la fuga, además de El clarividente bien temperado (para el que creó un segundo libro 20 años después). Pero las fugas son múltiples y a menudo menos estrictas de lo que se podría imaginar. La mayoría están en tres o cuatro voces (líneas polifónicas separadas), pero dos en el Libro I están en cinco voces, y la cromática, rítmicamente aguda en mi menor tiene sólo dos voces. La fuga en Re mayor está en cuatro voces, la figura giratoria que comienza el tema omnipresente lo hace fácil de seguir.

De aproximadamente el mismo tiempo que El Clave Bien Temperado vienen los 15 inventos de Bach de dos partes y 15 sinfonías de tres partes. (Las sinfonías probablemente no fueron finalizadas hasta un poco más tarde, después de que Bach se mudó a Leipzig.) La volátil invención en si menor (BWV 786), como la mayoría de sus compañeros, intercambia roles y material fácilmente entre las dos partes, siendo el contrapunto invertible un gran mecanismo para hacer que ambas manos del teclado sean iguales e independientes. La Sinfonía en si menor (BWV 801) es una variante de la invención. Ambos conjuntos fueron concebidos como herramientas de enseñanza: "Con lo cual los amantes del clavicémbalo, sobre todo los que desean aprender, aprenden claramente no sólo a tocar dos voces con claridad, sino también, después de progresar, a tratar correctamente y bien tres partes obbligatorias, además de obtener no sólo buenas ideas, sino también a llevarlas a cabo bien, pero sobre todo a lograr un estilo de tocar voluble y, por lo tanto, a adquirir un fuerte anticipo de la composición", escribió Bach.

La imponente y grandiosamente imaginada Fantasía y fuga en La menor (BWV 904) proviene de los primeros años de Bach en Leipzig, probablemente alrededor de 1725. La Fantasía es solemnemente dramática -si es posible- con acordes fuertes y suspensiones sobre una línea de bajo descendente que se alternan con pasajes de contrapunto que fluyen libremente. La fuga es un monstruo de dos cabezas, una fuga doble, cuyos dos temas de marcado contraste - el primero armónicamente arraigado y vacilante; el segundo, floridamente cromático e insistente - encajan a la perfección.

Probablemente ningún compositor ha sido tan admirado universalmente como Bach, incluso en épocas y lugares aparentemente opuestos desde el punto de vista estilístico. El gran pianista post-romántico ruso Alexander Siloti (1863-1945), entre cuyos maestros se encontraban Tchaikovsky y Liszt, se destacó por sus virtuosas transcripciones y arreglos, el más famoso de los cuales es probablemente su versión del Preludio en Mi menor del Libro I de El Clave Bien Temperado (que Siloti transpuso a Si menor). Uno de los alumnos de Siloti fue su primo Sergei Rachmaninoff (1873-1943), quien arregló tres movimientos del violín solista de Bach Partita en mi mayor (BWV 1006) para piano1933, incluyendo el Gavotte bailando con gracia.

Uno de los maestros pioneros del minimalismo americano, Glass comenzó su carrera musical de manera bastante convencional, incluyendo estudios en Juilliard. Los estudios posteriores con Nadia Boulanger y Ravi Shankar en París proporcionaron el ímpetu para una ruptura estilística decisiva, y a mediados de los años sesenta comenzó a componer en un lenguaje reducido de armonía simple y ciclos rítmicos. Él ha desarrollado esto en un estilo personal fácilmente reconocible capaz de poder expansivo y color. Ha compuesto de muchas formas en muchas ocasiones, pero se identifica más con obras teatrales y ceremoniales, que van desde partituras de películas y óperas hasta la música de apertura y cierre de las Olimpiadas de 1984 en Los Ángeles.

El trabajo de Glass con Boulanger se centró en el contrapunto y Bach. "En realidad, todo lo que hice fue estudiar Bach, horas y horas de contrapunto todos los días", ha dicho Glass. Ha compuesto varias piezas inspiradas directamente en Bach, y su estratificación de patrones secuenciales tiene muchas similitudes con las texturas que se encuentran a menudo en Bach.

Para Víkingur Ólafsson, sin embargo, la recursividad en la música de Glass no implica una simple reiteración. "Llegué a la conclusión de que no es una repetición, es un renacimiento", dijo Ólafsson en una entrevista con el New York Times. "No es seguir el mismo camino, sino viajar en espiral. Esa es la imagen que tengo".

Glass ya era el célebre compositor de las óperas "retrato" Einstein on the Beach y Satyagraha -así como de música instrumental para su propio ensamble y otras obras- cuando su primer álbum comercial, Glassworks, fue lanzado por CBS (ahora Sony) en 1982. Con un conjunto de seis movimientos, Glassworks tenía la intención de presentar la música de Glass a un público más amplio y tuvo bastante éxito en ello. "Apertura", para solopiano, es su primer movimiento (todos pueden ser interpretados de forma independiente). Sus ondulantes tres contra dos patrones, su armonía modal temperamental y la forma en que las melodías sutiles emergen del incesante pero meditativo torrente de notas crearon una revolución estilística que influyó en los músicos de todos los estilos y géneros.

"Cambió el curso de la historia de la música", dijo Ólafsson al The New York Times. "Muchos compositores escriben en un lenguaje que él inventó. Hay tantas versiones diluidas de su música, y creo que es incomprendido. Para mí, es como el Mondrian de la música. Está tomando colores primarios y realmente explorando lo que eso significa. En su mejor momento, está llegando a la esencia de la música".

En 1994, Glass escribió seisestudios en solitario piano para el director de orquesta Dennis Russell Davies en honor al 50 cumpleaños de Davies, y completó un libro de diez estudios con cuatro para ampliar su propia técnica piano . Durante casi dos décadas, Glass fue casi el único que tocó esta música; un movimiento de carrera deliberado y práctico. Un segundo libro de diez estudios más fue estrenado en el 2012; ambos libros se publicaron en el 2014, y ahora ya hay unas 20 grabaciones de algunos o todos los estudios.

Al igual que los preludios de Bach, los estudios de Glass se presentan en una amplia variedad de personajes y dimensiones, desde los profundos misterios del número 2 hasta la apresurada alegría del número 13. Y aunque las estructuras y los procesos modelados del Vidrio parecen inexorablemente lógicos y definidos, como las fugas de Bach, admiten un sorprendente rango de interpretación.

"Entiende las necesidades de un artista intérprete o ejecutante", dice Ólafsson. "Desde el principio, sin embargo, me decía si algo le molestaba. Por ejemplo, con el Estudio No. 6, me dijo:"Suena maravilloso. Alguien debería ponerte una multa por exceso de velocidad. Pero ese no seré yo". Me encanta eso. Estaba diciendo: Podría elegir otra cosa, pero si es convincente, quédatela porque es tuya.

"Una vez me dijo que tenía que cambiar algo, y fue en el Estudio No. 5. Él tenía razón; yo estaba jugando demasiado bien, demasiado rápido. Pero ralentizado, es nostalgia incesante: trágico, a través del filtro del tiempo".