Sobre esta pieza

Brahms se refería a su Doble Concierto con palabras como "gracioso", "divertido", "locura" y "broma", descripciones que no vienen a la mente al escuchar la pieza. El Doble Concierto es una obra titánica, aparentemente tallada en granito musical. Los pasajes para la orquesta están marcados con una severidad casi espartana, y la escritura para los solistas es áspera, casi ruda en algunos pasajes. La obra es una de las últimas entradas en el gran repertorio de conciertos del siglo XIX, que se remonta a Beethoven, quien se basó en la tradición clásica de conciertos de Mozart.  

A pesar de las caracterizaciones de Brahms, los motivos del Doble concierto son serios. Brahms había roto con su viejo amigo y colaborador, el violinista Joseph Joachim, en 1880. Joachim sospechaba que su mujer tenía una aventura con el editor del compositor, Fritz Simrock. Pero Brahms creyó las declaraciones de inocencia de Frau Joachim, lo que provocó la ruptura entre compositor y violinista. Aunque el nombre de Joachim aparece en las cartas que Brahms escribió durante la composición del Doble Concierto, ambos aún no se hablaban. 

Los contemporáneos de Brahms confirmaron que el concierto era una obertura para Joachim. Clara Schumann anotó en su diario: "Este concierto es una obra de reconciliación-Joachim y Brahms han vuelto a hablarse por primera vez en años". 

Brahms, Joachim, Clara Schumann y el violonchelista Robert Hausmann, otro artista con el que Brahms había trabajado, acudieron a la ciudad balneario de Baden-Baden en septiembre de 1887 para ensayar el concierto. Se estrenó en octubre de 1887 en Colonia, en los Conciertos de Gürzenich, bajo la dirección de Brahms y con Joachim y Hausmann como solistas. 

El Doble concierto tuvo una acogida calurosa, aunque no entusiasta, y algunos de los amigos más íntimos de Brahms se mostraron despiadados en sus críticas. Clara Schumann escribió, de nuevo en su diario, que carecía de "la calidez y frescura que tan a menudo se encuentran en sus obras", y Theodor Billroth, músico aficionado y amigo del compositor, lo describió como "tedioso y cansino, una producción realmente senil". Pero otros admiraban la obra, y ninguno más que Joachim. Brahms le regaló el manuscrito de la obra, con la dedicatoria manuscrita "para aquel para quien fue escrita". 

Los comentaristas han hablado de las referencias bastante desdeñosas de Brahms a la obra como un mecanismo de defensa, una estrategia de "mantener bajas las expectativas de todo el mundo y quizá se lleven una grata sorpresa". Su actitud equívoca hacia la obra y las diferentes opiniones que suscitó entre sus amigos han hecho que el Doble Concierto nunca haya ocupado el mismo lugar en el repertorio que las demás obras concertantes de Brahms. Pero el Doble Concierto ocupa un lugar único en la producción de Brahms como la única obra orquestal que escribió en su estilo tardío más delgado. 

El primer movimiento es uno de los más fascinantes desde el punto de vista formal que ha compuesto Brahms. Se adhiere vagamente a las restricciones de la forma sonata (exposición-desarrollo-recapitulación), pero siempre que reaparecen los temas, Brahms los varía, incluso en la recapitulación. La exposición de los temas al principio del movimiento progresa de manera sorprendente, y el concepto de repetición de la exposición, una característica estándar de la forma sonata del siglo XIX, es abordado con gran libertad por Brahms. La recapitulación es, como la exposición, un asunto doble y extendido, con el retorno del primer y segundo temas tratados con tanta libertad que las señales que indican el progreso del movimiento desde el desarrollo hasta la recapitulación se difuminan. Aquí, los solistas se unen a la orquesta en la segunda mitad de la recapitulación, y Brahms amplía su material, especialmente el segundo tema, con los solistas tocándolo cada uno (primero el violín, luego el violonchelo) en un pasaje marcado como dolce (dulce) que tiene que estar entre los más bellos que Brahms haya puesto sobre el papel. La coda retoma la severidad del tema de apertura, con una escritura staccato y forte para los solistas y la orquesta que proporciona un cierre masivo. 

El Andante en forma ternaria (A-B-A) recuerda el suave lirismo de muchos otros movimientos lentos orquestales de Brahms. Una pequeña introducción de dos notas, interpretada primero por las trompas y luego por todos los vientos, precede a la sencilla melodía inicial, que es interpretada por los solistas y las cuerdas, coloreada por flautas, fagotes y clarinetes. La sección central comienza con los vientos, sobre un acorde de cuerda en pizzicato. 

El final de la sonata-rondo comienza con un tema en staccato desganado, casi furtivo, interpretado primero por el violonchelo solista, luego retomado por el violinista antes de estallar con sorprendente vehemencia por toda la orquesta. Los solistas introducen el segundo tema, rico y melifluo, antes de que vuelva el primero, fragmentado e interpretado por los solistas, luego por el fagot, el oboe y la flauta para comenzar el desarrollo (que también funciona como primer episodio contrastante en el esquema del rondó). A continuación, las cuerdas introducen nuevo material: un tema grandioso, casi imponente, tocado fortissimo. Cuando el primer tema regresa, marcando la recapitulación, que hace las veces de episodio final del rondó, los vientos lo adornan discretamente. El concierto concluye con tres últimos acordes fuertes, un gesto macizo y sencillo que pone fin a una obra cuya austera superficie oculta innumerables riquezas musicales y formales. -John Mangum