Sobre esta pieza

Brahms se refería a su Doble Concierto con palabras como "gracioso", "divertido", "locura" y "broma", descripciones que no vienen a la mente al escuchar la pieza. El Doble Concierto es una obra titánica, que parece tallada en granito musical. Los pasajes para la orquesta parecen imponentes y están escritos con una severidad casi espartana, y la escritura para los solistas es áspera, casi brusca en algunos puntos. La obra es una de las últimas entradas en el gran repertorio de conciertos del siglo XIX que se remonta a Beethoven, quien a su vez se basó en la tradición de los conciertos clásicos de Mozart. Difícilmente una "broma".

De hecho, los motivos del Doble Concierto no podían ser más graves. En 1880, Brahms había roto con su amigo y colaborador de toda la vida, el violinista Joseph Joachim. Joachim sospechaba que su mujer tenía una aventura con el editor del compositor, Fritz Simrock. Pero Brahms creyó las protestas de inocencia de Frau Joachim, postura que provocó la ruptura entre compositor y violinista. El nombre de Joachim aparece en las cartas que Brahms escribió durante la composición del Doble Concierto, aunque los dos no se hablaban todavía.

Que el Concierto era una obertura para Joachim lo confirman quienes rodeaban a Brahms durante el periodo de su composición. Clara Schumann anotó en su diario: "Este concierto es una obra de reconciliación: Joachim y Brahms han vuelto a hablarse por primera vez en años".

Brahms, Joachim, Clara y el violonchelista Robert Hausmann, otro artista con el que Brahms ya había trabajado, acudieron a la ciudad turística de Baden-Baden en septiembre de 1887 para ensayar el Concierto. La obra se estrenó en octubre de 1887 en Colonia en los Conciertos de Gürzenich, con Brahms como director y Joachim y Hausmann como solistas.

El Doble Concierto tuvo una acogida cálida, aunque no entusiasta, y algunos de los amigos más cercanos de Brahms fueron bastante despiadados con sus críticas. Clara Schumann escribió, de nuevo en su diario, que le faltaba "la calidez y la frescura que tan a menudo se encuentran en sus obras", y Theodore Billroth, músico aficionado y amigo del compositor, describió el Concierto como "tedioso y cansino, una producción realmente senil". Pero otros admiraron la obra, y ninguno más que Joachim. Brahms le regaló el manuscrito de la obra, ofreciéndole una dedicatoria escrita a mano "para quien fue escrita".

Los comentaristas han hablado de las referencias bastante despectivas de Brahms a la obra como un mecanismo de defensa proactivo, una especie de estrategia de "mantener bajas las expectativas de todo el mundo y tal vez se sorprendan gratamente". Su actitud equívoca hacia la obra y las diferentes opiniones que suscitó entre sus amigos han hecho que el Doble Concierto nunca haya ocupado el mismo lugar en el repertorio que las otras obras concertantes de Brahms. Pero el Doble Concierto ocupa un lugar único en la producción de Brahms como la única obra orquestal que escribió en su estilo tardío más delgado.

El primer movimiento es uno de los más fascinantes de Brahms desde el punto de vista formal. Se adhiere vagamente a las restricciones de la forma sonata (exposición-desarrollo-recapitulación), pero siempre que los temas reaparecen, Brahms los varía de alguna manera, incluso en la recapitulación. La exposición de los temas al principio del movimiento progresa de manera sorprendente, y el concepto de la repetición de la exposición, una característica estándar de la forma sonata del siglo XIX y que suele ser una verdadera repetición literal, es abordado aquí por Brahms con gran libertad. La recapitulación es, al igual que la exposición, una especie de doble asunto extendido, con el retorno de los temas primero y segundo tratados tan libremente que las señales que indican el progreso del movimiento desde el desarrollo hasta la recapitulación son borrosas. Aquí, los solistas se unen a la orquesta en la segunda mitad de la recapitulación, y Brahms amplía su material, especialmente el segundo tema, con los solistas tocando cada uno el tema (primero el violín, luego el violonchelo) en un pasaje marcado como dolce (dulce) que tiene que estar entre los más bellos que Brahms haya puesto sobre el papel. La coda retoma la severidad del tema inicial, con una escritura staccato y forte para los solistas y la orquesta que proporciona un cierre masivo.

La forma ternaria (A-B-A) del andante recuerda el suave lirismo de muchos otros movimientos lentos orquestales de Brahms. Una pequeña introducción de dos notas, interpretada primero por las trompas y luego por todos los vientos, precede a la sencilla melodía inicial, que es interpretada por los solistas y las cuerdas, coloreada por flautas, fagotes y clarinetes. La sección central comienza con los vientos, sobre un acorde de cuerda en pizzicato.

El final de la sonata-rondo comienza con un tema en staccato, desordenado y casi furtivo, interpretado primero por el violonchelo solista, y luego retomado por el violinista antes de estallar con sorprendente vehemencia por parte de toda la orquesta. Los solistas introducen el segundo tema, rico y melifluo, antes de que vuelva el primero, fragmentado e interpretado por los solistas, y luego por el fagot, el oboe y la flauta para iniciar el desarrollo (que también funciona como el primer episodio de contraste en el esquema del rondó). A continuación, las cuerdas introducen un nuevo material, un tema bastante grandioso, casi imponente, tocado en fortissimo. Cuando el primer tema vuelve, marcando la recapitulación, que hace las veces de episodio final del rondó, los vientos lo adornan discretamente. El Concierto concluye con tres últimos acordes fuertes, un gesto masivo y sencillo que pone fin a un concierto cuya superficie austera oculta innumerables riquezas musicales y formales.

- John Mangum es Vicepresidente de Planificación Artística de la Orquesta de Cámara de St. Paul.

10/07