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De un vistazo

Compuesto: 1904-1905

Duración: unos 77 minutos

Orquestación: 3 flautas, 3 oboes, corno inglés, clarinete mi bemol, 3 clarinetes, clarinete bajo, 3 fagotes, contrafagot, corno tenor, 4 trompas, 3 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, percusión (bombo, platillos, glockenspiel, cencerros, rute, triángulo, tam-tam), guitarra, mandolina, 2 arpas y cuerdas.

Primera actuación de la Filarmónica de Los Ángeles: 6 de marzo de 1958, Erich Leinsdorf al frente.

Sobre esta pieza

En el verano de 1904, Mahler escribió dos piezas sinfónicas que se convertirían en los movimientos de "música nocturna" de su Sinfonía No. 7. El verano siguiente escribió los movimientos primero, tercero y quinto de la obra. Ese invierno, como era su costumbre, revisó y orquestó la partitura que había escrito durante los dos veranos anteriores.

La Sinfonía No. 7 de Mahler sigue siendo una de sus obras menos conocidas. A diferencia de la mayoría de sus otras sinfonías, la Séptima carece de un programa específico que describa algún viaje autobiográfico o filosófico que se desarrolle de movimiento en movimiento. Cuando Arnold Schoenberg escuchó la obra por primera vez en 1909, escribió una carta al compositor elogiando esta nueva dirección: "Tuve menos que antes la sensación de esa intensidad sensacional que excita y azota, que en una palabra conmueve al oyente de tal manera que le hace perder el equilibrio sin darle nada en su lugar". 

Schoenberg aprobaba que Mahler descartara los elementos argumentales y el hiperemocionalismo del Romanticismo tardío. Lo aclara unas líneas más adelante: "Le he puesto con los compositores clásicos, pero como alguien que para mí sigue siendo un pionero. Quiero decir que sin duda hay una diferencia en estar libre de toda excitación extraña, en estar en reposo y en tranquilidad, en el estado en el que se disfruta de la belleza". 

Aunque es difícil atribuir un significado a la sinfonía más allá de sus melodías, ritmos, armonías y formas que conforman su contenido musical, los oyentes que conozcan otras sinfonías de Mahler reconocerán sin duda muchos pasajes que remiten a obras anteriores. 

Sinfonía No. 7 consta de cinco movimientos. Los dos movimientos exteriores son composiciones más extensas, el primero una forma sonata libre, el final un rondó libre. Los tres movimientos internos sirven como piezas de carácter sinfónico (o de ambiente). La sinfonía también vuelve al tipo de tonalidad progresiva de composiciones anteriores, en las que la obra comienza en una tonalidad y termina en otra. En este caso, el ambiente va de oscuro a claro, de menor a mayor. 

El tratamiento que Mahler da a la orquesta, siempre un aspecto central de su estilo compositivo, es especialmente digno de mención. En el primer movimiento utiliza la trompa tenor, un instrumento que no suele encontrarse en un contexto sinfónico tradicional. Aquí proporciona un sabor resonante y amaderado, y sugiere una conexión con la música de la trompa posthorn de la Tercera Sinfonía. En el cuarto movimiento, Mahler utiliza una mandolina y una guitarra. 

El primer movimiento se abre con una larga introducción lenta. La melodía de metal, expansiva y angulosa, apoyada por acordes de marcha fúnebre, va y viene entre la trompa tenor y otros instrumentos de viento y metal. Avanza a intervalos cuidadosamente medidos, lo que confiere al conjunto del pasaje el carácter de una procesión solemne. 

La introducción también exhibe, para Mahler, un alto nivel de experimentación armónica. La Sinfonía comienza con un acorde ambiguo que no proporciona al oyente un punto de orientación inequívoco. A lo largo del movimiento los tonos chocan, producidos por la superposición de intervalos disonantes unos sobre otros. 

Quizá más que en ninguna otra sinfonía de Mahler, escuchamos un entorno armónico equilibrado entre dos épocas históricas. En ocasiones, la música surge de la paleta cromática pero tonal utilizada por compositores de finales del siglo XIX como Wagner y Richard Strauss; en otras, adopta el vocabulario abstracto y atonal de los primeros maestros modernos como Schoenberg, Berg y Webern.  

Al final de la introducción, Mahler lleva su música a un fuerte hervor. En medio de una masa sonora orquestal resplandeciente, los instrumentos de bajo repiten un ritmo palpitante y las trompas lanzan una melodía agresiva que presagia el tema que está por venir. La parte principal del movimiento (Allegro risoluto) comienza sin pausa. Su melodía posee un perfil agresivo y afilado que recuerda al tema de apertura de Sinfonía No. 6 de Mahler. Los acordes de acompañamiento se mueven al galope. A continuación, Mahler introduce en los violines una melodía lírica que, sin embargo, mantiene la energía constante de la música circundante. 

En comparación con otras sinfonías de Mahler, la música de este primer movimiento presenta pocos de los cambios de humor dramáticos que normalmente se asocian con el compositor. Hay, sin embargo, un interludio de calma mágica que presenta una brillante música de cuerdas agudas y fanfarrias de trompeta que suenan distantes. 

Las ajetreadas texturas de este movimiento revelan a un compositor que ha abandonado su anterior hábito de componer a partir de un piano, y que ha transformado su estilo de uno basado en melodías apoyadas en acordes a otro que entreteje muchas melodías independientes en un intrincado tejido contrapuntístico. Mahler derivó su enfoque de un profundo amor por la multiplicidad de la naturaleza. Durante un paseo con amigos, Mahler se vio de repente bombardeado por un revoltijo de sonidos procedentes de una feria ambulante y comentó: 

"¿Oyes eso? Es polifonía, y de ahí la saqué. Cuando era pequeño, en los bosques de Iglau, esto me excitaba extrañamente y se grababa en mi mente. En realidad no importa si lo oyes en este tipo de fila, o en el canto de mil pájaros, en el aullido del vendaval, en el chapoteo de las olas o en el crepitar del fuego. Pero así es como -de un montón de fuentes diferentes- deben venir los temas, y así deben ser completamente diferentes entre sí en ritmo y melodía.... Lo que el artista tiene que hacer es organizarlos en un todo inteligible". 

El segundo movimiento, la primera de las dos secciones de "música nocturna", se ajusta vagamente a una estructura A-B-A-B-A. La música "A" comienza con un íntimo conjunto de cámara. Tras un breve dúo de figuras de llamada de caza interpretadas por dos trompas, la música cede el paso a arpegios hipnóticos en los oboes, clarinetes, flautas y fagotes. El pasaje pronto evoluciona de una música basada en melodías a una masa sonora de muchas capas. Después de que la masa se disuelva, Mahler continúa con un tratamiento más extenso de la figura de la llamada de caza, presentándola en un dúo libremente imitativo para trompas y violonchelos. Por debajo del dúo, los violines tocan intermitentemente acordes ásperos utilizando la madera del arco. 

Las secciones "B" presentan dos ideas principales. La primera consiste en una melodía de cuerda maravillosamente lírica apoyada por acordes enérgicos en un estilo oom-pah-pah. La segunda es una vigorosa marcha rústica que comienza con los vientos. La música surge de la alegre marcha de la banda de viento del primer movimiento de la Tercera Sinfonía de Mahler. Cuando estas secciones regresan, la música se altera con nuevas orquestaciones, nuevos contrapuntos y fragmentación temática. 

El cuarto movimiento, la segunda pieza de "música nocturna", es una de las más encantadoras de toda la producción sinfónica de Mahler. Asume la pose de una serenata mediterránea, sugerida por su designación de tempo Andante amoroso y por su inclusión de mandolina y guitarra, dos instrumentos asociados a las serenatas. Tras una breve frase inicial para violín solo, la música continúa con fluidas figuras burbujeantes en el clarinete, que nos recuerdan que Mahler a menudo encontraba inspiración mientras remaba en los lagos alpinos de Austria. Bajo los clarinetes, el arpa toca un bajo de acordes rotos, recordando el Adagietto de su Sinfonía No. 5. 

A lo largo del movimiento, Mahler pinta un mundo sonoro seductor e íntimo limitándose casi exclusivamente a las dimensiones de la orquesta de cámara. La composición de la orquesta de cámara, sin embargo, cambia continuamente, de modo que el oyente encuentra constantemente nuevos colores. La música avanza de un sorprendente mosaico instrumental a otro, en arreglos que casi nunca se repiten. 

La sinfonía concluye con un rondó triunfal y descarado en do mayor. La música abraza el aire fresco de la naturaleza con una vitalidad tremenda, incluso estridente. -Steven Johnson