Sobre esta pieza

La orquesta moderna, como logro acumulativo de la música occidental (su instrumentación, modismos y temperamento igual), proporcionó a numerosos no europeos una generosa herencia, un flamante vehículo de expresión nacional en nuestro siglo. Al igual que Janáček en Bohemia, el brasileño Heitor Villa-Lobos hizo un uso vibrante de sus elementos musicales nativos dentro del contexto instrumental europeo, tan idiomáticamente concebidas y brillantemente diseñadas para la orquesta son sus obras.

Los compositores nacionalistas siempre se han movido en la delgada línea que separa la preservación de la identidad cultural, por un lado (en sus intentos de emular lo auténtico o de representar fielmente un lenguaje musical desconocido), y la integridad, la complejidad y el lenguaje occidentales, por otro, escribiendo obras que emplean estructuras más amplias y armonías más sofisticadas, y que plantean grandes exigencias técnicas a los intérpretes; los escollos de lo primero dan como resultado una música que suena torpe y poco natural en su medio extranjero, mientras que el coste de lo segundo puede ser la venta de las intenciones nacionalistas. Villa-Lobos eludió por completo el dilema, creando una música que se basaba en elementos autóctonos, pero de una forma menos emulativa, que intentaba captar la esencia más que la realidad del folclore brasileño.

En la producción de Villa-Lobos destacan dos grandes conjuntos de obras, que van desde miniaturas íntimas para pequeños conjuntos hasta poemas sonoros orquestales de dimensiones sinfónicas: las Bachianas Brasileiras y los Chôros. Ambas colecciones hacen uso de elementos populares y folclóricos autóctonos brasileños, mezclados con la tradición europea. En las Bachianas Brasileiras, cuyo título es más explícito, Villa-Lobos reflexiona sobre la posibilidad de que Johann Sebastian Bach sea un compositor brasileño del siglo XX (del mismo modo que Prokofiev imaginó a Haydn o Mozart viviendo y escribiendo en la era moderna en su Sinfonía "Clásica"). También la serie Chôros aúna elementos formales e instrumentales europeos con instrumentos y materiales autóctonos de Brasil.

El título Chôros no alude en absoluto a la música europea, sino que se refiere a los músicos callejeros urbanos de Brasil. Chôros nº 10 es considerada por muchos la obra maestra de la serie; no sólo requiere una orquesta completa, sino también un gran coro y una batería suplementaria de instrumentos de percusión brasileños. El subtítulo de la obra, "Rasga o coração" ("Rasga el corazón"), procede del último verso del poema de Catulo da Paixão Cearense que sirve de texto opcional. El compositor especifica: "También se puede vocalizar en ¡Ah! en lugar del texto en portugués". Las palabras que realmente se cantan (en la entrada del coro), Ja-ka-tá ka-ma-ra-já, no aparecen en el poema de Cearense, sino que fueron elegidas por el compositor por su efecto puramente sonoro. La melodía lírica que pronto aparece en ¡Ah! es de un contemporáneo mayor de Villa-Lobos, el compositor brasileño Anacleto Augusto de Medeiros (1866-1907).

Villa-Lobos se inspira tanto en la música de las grandes ciudades internacionales de Brasil, como Río de Janeiro y São Paulo, como en la del lejano mundo del interior brasileño. (En sus relatos, posiblemente exagerados, de aventuras juveniles, el compositor afirmaba haber viajado por la selva amazónica ya al final de su adolescencia). Estos elementos culturalmente dispares (ritmos de danza urbana y la fantasiosa versión de Villa-Lobos del canto indígena) se sintetizan en una enorme escala sinfónica, magnificada mucho más allá de la escala local de sus respectivos contextos sociales. Mientras que el nacionalismo europeo se alejaba necesariamente de la vida urbana, donde prosperaba la música artística, las ciudades latinoamericanas de estilo europeo ofrecían a los compositores de conciertos una riqueza vital de recursos musicales que durante mucho tiempo habían permanecido sin explotar.

Terminado en Río en 1926 (tras el regreso de Villa-Lobos de Europa), el Chôros nº 10 deja entrever sutilmente la influencia de la escena europea: la superficie primitiva y la inmediatez del fauvismo, las texturas depuradas del neoclasicismo stravinskiano, e incluso los rasgos motóricos y mecanicistas del futurismo italiano. Sin embargo, el resultado neto de la obra es totalmente único. Lo más notable en su frescura es la hipnóticamente vigorosa segunda mitad, en la que una base rítmica impulsora (los patrones nítidos y deliberados de la danza brasileña) subyace al elevado lirismo del coro (que personifica el espíritu del canto indígena). A través de la clara delineación (o estratificación) de la melodía y el ritmo, los mundos dicotómicos de la canción y la danza, la selva y la ciudad, la espiritualidad primitiva y la decadencia sofisticada coexisten mutuamente de forma significativa. Este tipo de tratamiento abstracto (menos emulativo) de materiales prestados prefigura el estilo altamente ecléctico y sintético de Messiaen. A través de tal síntesis, Villa-Lobos logra mantener fielmente el espíritu de la música brasileña de una manera verdaderamente sinfónica, así como inventar un espacio musical distintivamente individual. -David Fick