Sobre esta pieza

Sibelius aspiraba a convertirse en un virtuoso del violín, pero se fijó ese objetivo demasiado tarde para que fuera factible. Aun así, llegó a tocar en la orquesta del Conservatorio de Viena cuando era estudiante, en 1890-91, e incluso se presentó sin éxito a una audición para ocupar una plaza en la Filarmónica de Viena. 

Enriqueció el repertorio de su instrumento con un buen número de obras, aparte de su famoso concierto para violín. Trabajó en un segundo concierto para violín en 1915, pero lo abandonó, reciclando sus bocetos en su sexta sinfonía. Compuso numerosas obras para violín y piano, entre ellas una sonata (1889) y una sonatina (1915), así como muchas piezas agrupadas en colecciones de movimientos cortos. Aparte de dos piezas breves para coro masculino y algunas revisiones de piezas anteriores, Sibelius no compuso ni una sola obra después de 1931, es decir, en los últimos 26 años de su vida. Poco antes de abandonar la composición, se dedicó por última vez al violín, aunque el proyecto de una suite para violín y orquesta se quedó en un borrador fragmentario. 

Ninguna de estas obras rivaliza con el concierto para violín a la hora de combinar el lenguaje musical único de Sibelius con las capacidades del instrumento solista. Su sonido característico -oscuro y sobrio- no encajaría fácilmente con la personalidad extrovertida de la mayoría de los conciertos para violín del siglo XIX. Aun así, un concierto debía tener cierto grado de ostentación o, de lo contrario, difícilmente podría esperarse que un solista lo interpretara. Sibelius resolvió este problema creando lo que algunos historiadores han considerado "una profundización de la tradición". El musicólogo James Hepokoski encuentra en esta obra "un concierto virtuoso afirmado y trascendido simultáneamente por una seriedad de propósito y una densidad 'excedente' de cavilación compositiva". 

La sección de un concierto tradicional que más choca con la predilección de Sibelius por la profundidad sería la cadencia del primer movimiento, en la que los solistas tienen más oportunidades de demostrar su destreza técnica. Sibelius afronta el reto de frente: ofrece una cadencia solista, pero en lugar de presentarla como una especie de colgante de los procedimientos, la traslada a la mitad del movimiento y esencialmente la hace desempeñar el papel de una sección de desarrollo. Tampoco es tradicional que se reste importancia a la conversación entre el solista y la orquesta que estamos acostumbrados a escuchar en los conciertos de Mozart, Beethoven, Mendelssohn y Brahms, por ejemplo. 

La gran amplitud del movimiento inicial se refleja en la belleza tranquila del melancólico movimiento lento. Aunque este concierto no es un buen ejemplo de la inclinación ocasional de Sibelius por la inspiración folclórica, el final parece ser una especie de danza. El comentarista musical Donald Francis Tovey lo llamó "una polonesa para osos polares", una descripción tan perfecta que pocos anotadores de programas pueden resistirse a citarla. Pero se podría considerar lo que Tovey tenía que decir aparte de eso: 

Como todas las obras más importantes de Sibelius, sus contornos son enormes y sencillos; y si un oportuno vistazo a un atlas no me hubiera recordado que Finlandia es en su mayor parte llana y está anegada de lagos, sin duda habría dicho que "sus formas están talladas en las rocas de sus montañas nativas y nórdicas". El compositor a cuyo estilo se refiere la palabra "lapidario" (lapidarisch) fue aplicada por primera vez por la ortodoxia de los [dieciocho] noventa es Bruckner; y si la mejor obra de Sibelius sugiere algo más en música, sugiere a un Bruckner dotado de una fácil maestría y del espíritu de un explorador polar.

- James M. Keller  

James M. Keller, ahora en su 24ª temporada como Program Annotator de la Sinfónica de San Francisco, es autor de Música de cámara: A Listener's Guide (Oxford University Press) y está escribiendo una continuación sobre la música piano .