Sobre esta pieza

Pergolesi nunca fue más popular que en las primeras generaciones después de su temprana muerte, cuando su intermezzo La serva padrona provocó la Querelle des Bouffons en París y los editores descubrieron que atribuirle hasta la música más deslucida a Pergolesi garantizaba las ventas. La muerte de un joven puede haber puesto el límite a su éxito personal, pero no hizo más que realzar el romance póstumo de Pergolesi. Su pieza íntima del lecho de muerte, el Stabat mater, creció con su leyenda: En 1776 Hiller lo arregló para cuatro voces, agregó vientos de madera y"mejoró" la armonía; Paisiello y Salieri lo aumentaron aún más; y en 1831 Alexey L'vov descubrió que sólo la orquesta completa, el coro y los solistas servirían para la capilla de la corte imperial en Rusia.

Sin embargo, en términos puramente funcionales, el Stabat mater de Pergolesi es música vocal de cámara, no destinada a los servicios públicos eclesiásticos, sino al culto privado de una fraternidad noble de Nápoles, los Cavalieri della Virgine de' Dolori. Esta hermandad había estado utilizando el Stabat mater de Alessandro Scarlatti para sus celebraciones del Viernes Santo durante una generación y deseaba un reemplazo más estilísticamente actualizado.

Pergolesi aceptó el encargo, pero se encontraba en mal estado de salud, como parece haber estado durante la mayor parte de su vida. Los dos hermanos y la hermana de Pergolesi murieron en la infancia, y el hecho de que se le confirmara cuando apenas tenía un año de edad sugiere que él también pudo haber estado gravemente enfermo en ese momento. Un boceto del caricaturista romano Leone Ghezzi, hecho probablemente unos dos años antes de la muerte de Pergolesi, muestra al compositor con una pierna izquierda deformada, y los primeros relatos dicen que tenía tuberculosis.

En cualquier caso, su estado parece haber empeorado en 1735. Pergolesi tuvo un éxito modesto en Nápoles con la comedia en tres actos Il Flaminio, representada en el Teatro Nuovo en otoño, pero en noviembre estaba demasiado débil para completar una serenata encargada para la boda del príncipe Raimondo di Sangro. A principios de 1736 se retiró al monasterio franciscano de la ciudad balnearia de Pozzuoli, cerca de Nápoles. A juzgar por las disposiciones que hizo de su limitada propiedad, no esperaba vivir mucho tiempo, y murió el 16 de marzo, apenas dos meses después de cumplir 26 años.

Sin embargo, completó el Stabat mater y un Salve Regina mientras estaba en el monasterio - no se sabe cuál fue su último trabajo. Gran parte de este relato es una leyenda no confirmada, aunque las historias comenzaron casi inmediatamente, y Alfred Einstein afirma que el manuscrito del Stabat mater muestra claros signos de prisa, al menos en el movimiento final.

El uso litúrgico del poema del siglo XIII "Stabat mater dolorosa" ha variado a lo largo de los siglos, y se ha fijado en los estilos predominantes de cada época. En Italia, en el siglo XVIII, el texto era a menudo una especie de cantata de cámara con su propia unidad tonal, como en el escenario de Pergolesi. El poema métrico está compuesto por pares de versículos de tres versículos que riman aab - ccb, pero en la práctica los compositores dividen los versos libremente.

De hecho, Pergolesi crea una asombrosa variedad de sonidos y estados de ánimo a partir de este texto tan formal y de sus fuerzas bastante restringidas. (Dos voces solistas, cuerdas y, en esta edición, un grupo continuo de órgano y laúd. A menudo sólo hay tres partes reales, con los violines doblando las voces y las violas doblando la línea de bajo.) Los primeros cuatro movimientos de su puesta en escena toman cada uno un solo versículo de tres líneas. El quinto movimiento es un gran dúo para el que Pergolesi utiliza tres versículos, los dos primeros en Do menor como cantilena sobre un acompañamiento palpitante. Pergolesi comienza el tercer versículo casi como una cabaletta operística, cambiando de compás y de tonalidad, aunque lo devuelve con la suficiente rapidez a Do menor, incluyendo incluso un extraño pasaje de tallarines sobre un pedal dominante antes del cierre.

Le siguen dos arias, volviendo a la textura principal de la aria de Pergolesi, donde los violines al unísono doblan la parte de la voz, recurriendo con frecuencia a la pintura de palabras. Pergolesi sugiere los rigores contrapuntísticos de una fuga de tres voces en el dúo siguiente, sin embargo, permitiendo que la línea de bajo participe. El compositor aprovecha la oportunidad para pintar la palabra complaceam ("podría agradar") con burbujeante alegría musical y aspiración.

El noveno movimiento es un gran dúo en mi bemol mayor usando cinco versículos. La aria contralto que sigue, en sol menor, establece dos versículos, cada uno diferente pero relacionado, y cada uno imbuido de un drama más marcado de la música de la Pasión. El décimo movimiento también establece dos versículos, el primero como solo de soprano y el segundo como dúo. La vivacidad danzante de esta pieza, en Si bemol mayor, refleja alegría y confianza en la protección de la Virgen y de la cruz, dejando al observador "acariciado por la gracia".

El número final es un dúo, de vuelta en la fa menor de la apertura y la atmósfera sombría de la Pasión. Las voces cantan esta oración final sobre puntos de imitación contra un acompañamiento de arpegios que fluyen. El Amén es el punto en el que una pieza más grande se rompería en una doble fuga, y Pergolesi finge una con bastante ingenio a pesar de trabajar con sólo tres partes reales, los violines de nuevo doblando las voces. Incluso hay una coda proto-betoveniana en miniatura.

Para los progresistas musicales, esta era la música más conmovedora imaginable. Sin embargo, el Padre Martini fue sólo uno de los muchos conservadores que encontraron poco para distinguir musicalmente el Stabat mater de la historieta La serva padrona. El musicólogo Johann Nikolaus Forkel escribió que la "atmósfera de piedad y devoción con la que[Pergolesi] ha podido envolver esta composición ha engañado al aficionado no iniciado con su hipocresía, y se ha ganado una fama que no se merece".

Esta fue una afirmación bastante atrevida de uno de los primeros biógrafos de Johann Sebastian Bach, ya que el propio Bach, que no era un aficionado no iniciado, valoraba la obra lo suficiente como para disponerla para su propio uso en Leipzig en un plazo de diez años a partir de su composición. Bach adaptó el salmo penitencial 51, "Tilge, Höchster, Meine Sünden", para el texto alemán, y tomó la música de Pergolesi tal como la encontró. Liberó la parte de la viola de la duplicación de la línea de bajo, e hizo las alteraciones rítmicas necesarias para el nuevo texto. Incluso compuso música nueva donde sintió la necesidad, sobre todo extendiendo la fuga de Amen de Pergolesi al doble de su duración original.

Ese debería ser el máximo imprimátur, si es que realmente se necesita alguno. Las frases elegantemente equilibradas, la claridad y la expresividad operística que tanto fascinaron a los músicos más modernos de la época fueron construidas sobre sólidas formas barrocas y enriquecidas con suficientes detalles polifónicos para complacer al más exigente de los maestros. Bach seguramente apreció tanto la plasticidad lírica preclásica como los fundamentos de la vieja escuela que han continuado sosteniendo esta pieza tan popularmente en el repertorio.

- John Henken