Piensa en Stravinsky como el Picasso de la música. La era moderna - el siglo XX - es impensable sin estos contemporáneos. Cada uno de ellos empleó estilos identificables en diferentes etapas de sus carreras. Recuerden el Período Azul de Picasso, el Cubismo, el Neoclasicismo, y varios otros. Stravinsky tuvo tres períodos generales: Ruso, Neoclásico y Serial. Sin embargo, cada artista poseía una personalidad tan poderosa que su arte es reconocible sin importar el estilo que usó. Ya sea que puedas poner tu dedo en la llaga o no, de alguna manera puedes decir que un Picasso es un Picasso ya sea que estuviera pintando El viejo guitarrista o Les Demoiselles D'Avignon. Es lo mismo con el compositor de El Rito de la Primavera y la Sinfonía de los Salmos, sólo que un poco más difícil de poner en palabras. Estos dos gigantes trabajaron juntos, intercambiaron arte y se hicieron amigos rápidamente.

Comencemos en 1882 cuando Igor Stravinsky nació en una ciudad rusa llamada Oranienbaum, a 25 millas de San Petersburgo. Su padre era un famoso cantante de ópera y su madre una pianista. Igor era el tercero de sus cuatro hijos. Mostró gran interés y aptitud para la música, pero sus padres lo enviaron a estudiar leyes.

El derecho no funcionó, por supuesto, e Igor comenzó a estudiar música seriamente, sobre todo con el gran compositor ruso Nicolai Rimsky-Korsakov (compositor de Scheherazade y otras obras maestras), a quien el joven consideraba su segundo padre. En retrospectiva, podemos ver el manto de gran orquestador pasando de maestro a alumno.

Así comienza el período ruso de Stravinsky, en el que se inspira en los cuentos y tradiciones populares rusas, en la música y las melodías populares rusas y en toda la cultura en la que se crió. Para hacer las cosas un poco confusas, este primer período tiene lugar principalmente en París, donde el empresario ruso Serge Diaghilev había establecido sus Ballets Rusos (el ballet del amor francés). Cuando una de las producciones de Diaghilev no se reunía, se acercó a un joven desconocido (sí, nuestro Igor) para que le proporcionara una nueva partitura. El resultado, El pájaro de fuego - el más cercano a Rimsky-Korsakov en estilo y usando fuentes rusas - fue un tremendo éxito y puso al compositor en el mapa.

El siguiente fue Petrushka, esta vez con Stravinsky mostrando más de su individualidad, incluso cuando volvió a tomar prestado de la música folclórica rusa. Una vez más, fue un gran éxito para Diaghilev y su compositor-protegido, que prepararon el escenario para su próxima colaboración, un ballet que sacudiría el mundo hasta sus cimientos.

El escenario y la música de "La Consagración de la Primavera" llegaron como en un sueño a Stravinsky, quien esta vez se esforzó por conseguir todos los obstáculos: ritmos complejos y fuertes, que dominaban todos los demás elementos, armonías que chocaban entre sí y patrones melódicos implacables, todo ello para representar su visión de una antigua Rusia prehistórica, culminada por el sacrificio de una niña que bailaba hasta la muerte.

Puede que hayas oído que El Rito causó un motín. Esto es correcto. La policía tuvo que venir a restaurar el orden, pero los testigos oculares sugieren que la coreografía fue tan culpable como los sonidos de percusión que emanaban del foso. Y el ruido del público amenazó con abrumar la música, haciendo aún más difícil para los bailarines mantener el tiempo. Así es como Stravinsky lo recordó años más tarde: "Cuando se abrió el telón para que un grupo de Lolitas de rodillas largas y de pecho largo saltaran, la tormenta se desató... Llegué al backstage enfurecido; allí vi a Diaghilev encender y apagar las luces de la casa con la esperanza de que esto pudiera tranquilizar la sala. Durante el resto de la actuación, me puse de pie en las alas detrás de [el coreógrafo] Nijinsky, sosteniendo su chaqueta mientras él estaba de pie en una silla gritando números a los bailarines, como un timonel". Esto ocurrió hace más de cien años, pero la música sigue siendo un viaje emocionante que late en el corazón, frecuentemente interpretado (mucho más de lo que se baila) a pesar de su dificultad.

Estos tres ballets constituyen la mayor parte del período ruso de Stravinsky y le garantizan un lugar en el panteón de la música. Pero había mucho más por delante para esta mente musical siempre inquieta, aún con sólo 31 años.

Con El Rito, Stravinsky usó la mayor orquesta que tuvo hasta ese momento, y nunca volvió a ella. En su período neoclásico (c. 1920-1954), recurrió al pasado de la música y persiguió preceptos de orden, equilibrio, claridad, economía y contención emocional (frente al emocionalismo desenfrenado del período romántico tardío). Su primer éxito neoclásico fue otro ballet, Pulcinella (1920), en el que literalmente recurrió a la música del pasado. Arregló piezas que (según él) eran del compositor italiano del Barroco Pergolesi (que más tarde se descubrió que eran en su mayoría de menor conocimiento). Las atractivas melodías y las armonías subyacentes siguen ahí, pero la fuerza de su estilo personal - las síncopas, los acordes con tonos añadidos, la instrumentación idiosincrásica - hace que todo suene como puro Stravinsky.

Otras obras neoclásicas importantes de su época en Europa fueron su frecuente y alegre Octeto para vientos (1923); la cantata-ballet nupcial Les Noces (estrenada en 1923); los Concierto para Piano e Instrumentos de viento (1924), de los que Stravinsky fue solista e incluso realizó una gira por los Estados Unidos); la asombrosa y devota Sinfonía de salmos (1930) para coro y orquesta; y el Concierto para violín (1931), bastante exuberante en sus movimientos exteriores. Subyacente a todas estas obras dispares estaba su adhesión a los principios neoclásicos de claridad, economía y contención emocional.

La última mitad del decenio de 1930 fue la época más infeliz de Stravinsky; la tuberculosis de su esposa Katya lo infectó a él y a su hija mayor, que murió en 1938. Katya murió tres meses después. El propio Stravinsky pasó cinco meses en el hospital, durante los cuales su madre murió.

En 1939, Stravinsky (a los 57 años) y su segunda esposa Vera se trasladaron de Europa a los Estados Unidos, primero a Beverly Hills, y luego a Hollywood en 1941, justo encima de Sunset Strip en Wetherly Drive. El compositor esperaba que el clima cálido fuera bueno para su salud. También se sintió atraído por la creciente vida cultural, especialmente durante la Segunda Guerra Mundial, cuando tantos artistas se establecieron aquí: director de orquesta Otto Klemperer, los autores Thomas Mann y Franz Werfel, el coreógrafo George Balanchine, y el pianista Arthur Rubinstein, por nombrar algunos. Él y Vera se convirtieron en ciudadanos estadounidenses en diciembre de 1945, patrocinados por Edward G. Robinson. Más obras neoclásicas vinieron de esta época: Sinfonía en Do (1940), como una sinfonía de finales del siglo XVIII recompuesta en el siglo XX; Sinfonía en Tres Movimientos (1945), en la que utilizó música que esperaba que fuera de cine; Concierto de Ébano (1945), un concierto para clarinete para Woody Herman y su banda; el suave ballet Orfeo (1947); y la más moderna (y meta) Misa (1948) y Cantata (1952). Stravinsky escribió: "Mi misa fue en parte provocada por unas misas de Mozart que encontré en una tienda de segunda mano en Los Ángeles en 1942 o 1943. Mientras tocaba estos dulces rococó-operativos, sabía que tenía que escribir una misa propia, pero una real."

A principios de los 50, Stravinsky se hizo amigo del americano director de orquesta Robert Craft, que se convirtió en su asistente personal y amigo íntimo. Fue Craft quien le animó a componer música en serie (12 tonos), comenzando así el último período de Stravinsky, el de la serie, durante el cual aplicó su distintivo pensamiento musical al sistema atonal desarrollado por Arnold Schoenberg. Sus melodías angulares se volvieron más angulares; aprovechó la aprobación del sistema de 12 tonos de notas repetidas para jugar con el ritmo; y continuó con su característico sondeo de acordes, con notas inesperadas en el bajo. Las obras clave de esta época son el ballet Agon (1957) y tres piezas vocales: Canticum Sacrum (1955), Threni (1958), y Réquiem Canticles (1966), su última gran obra, que fue interpretada en su funeral.

Su salud decayó, dejó L.A. en 1969 y murió dos años después en la ciudad de Nueva York. Fue enterrado cerca de Sergei Diaghilev en la isla del cementerio de San Michele, cerca de Venecia, Italia.

Igor Stravinsky tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y, 16 años después de su muerte, fue galardonado con el Grammy® por su trayectoria en 1987.

Período Ruso

Como se mencionó anteriormente, los tres grandes ballets son el núcleo de la música de inspiración rusa de Stravinsky. Reorganizó varias de estas obras en los años 40 para poder cobrar las regalías de Occidente. Todas las mejores partes de El Pájaro de Fuego están en la Suite, por lo que es la primera recomendación.

Período Neoclásico

Este período contiene una gran variedad de obras en un amplio espectro de estilos. La Suite es probablemente la mejor manera de entrar en el delicioso ballet de Pulcinella. Otro ballet bastante diferente, Les Noces, establece letras de boda rusas para voces acompañadas sólo por percusión y cuatro pianos; su final es tan inolvidable como jamás se haya oído. Algunas de estas piezas muestran la influencia del jazz temprano, pero está fuertemente filtrado a través del prisma único de Stravinsky; escuche el corto Ragtime para probarlo o el Concierto de Ébano para mucho más. Se interesó por el bebop y escribió que "los intérpretes de jazz que más admiraba en ese momento eran Art Tatum, Charlie Parker y el guitarrista Charles Christian. Y el blues significaba la cultura africana para mí". La trascendente Sinfonía de Salmos es diferente a la mayoría de las obras sagradas que puedas haber escuchado y termina en una alabanza de otro mundo. A medida que escojas, escucharás música que te hará preguntarte si es del mismo compositor. Y después de un tiempo, comenzarás a asociar ciertos sonidos característicos en obras aparentemente no relacionadas.

Período de serie

Si eres un fan de "El pájaro de fuego" o "La consagración de la primavera", te sorprenderás (incluso te sorprenderás) de estas composiciones de 12 tonos, en su mayoría vocales y muy abstractas, pero aún así exhiben muchos rasgos Stravinskianos, especialmente en la forma en que expresa los acordes y sincopa los ritmos.