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Bienvenido a la Galería de Sonidos

Ver y escuchar

Cuando Susanna Mälkki comenzó su mandato como Directora Principal Invitada de la Filarmónica de Los Ángeles en el 2017, se convirtió en la tercera persona que ha ocupado el puesto en la historia de la orquesta, sus predecesores fueron Michael Tilson Thomas y Simon Rattle. 

Violonchelista convertida en directora, es reconocida como una intérprete perceptiva del repertorio sinfónico y ha recibido una aclamación única por su dominio de la nueva música y la ópera. Dirigió el Ensemble intercontemporain en París del 2006 al 2013 y actualmente es la directora principal de la Filarmónica de Helsinki. También dirigió L'Amour de Loin de Kaija Saariaho en la Ópera Metropolitana en el 2016 -sólo la segunda ópera compuesta por una mujer representada en el Met. (El primero, el Der Wald de Ethel Smyth, fue producido en 1903). 

Mälkki es conocida por su versatilidad, musicalidad y claridad como comunicadora. En conversación con Julia Ward, Directora de Humanidades de LA Phil, comparte sus pensamientos sobre la escucha, el poder, y el llegar a la esencia.

 

El crítico musical Martin Bernheimer escribió una vez que haces que el "nuevo sonido sea provocativo" y el "viejo sonido casi nuevo". Ese es un ideal por el que LA Phil trabaja, así eres la pareja perfecta.

La Filarmónica de Los Ángeles es realmente excepcional, lo que se dice a menudo, por supuesto, pero el hecho de que sea una institución tan abierta es extraordinario. El hecho de que una orquesta como esta haga lo que hace en una ciudad como esta merece todos los superlativos que puedas imaginar.

Estamos aquí, junto a la industria del entretenimiento. Las artes y la industria del entretenimiento representan dos cosas diferentes, pero la música clásica/acústica/concierto/tradicional, como quieras llamarlo, está representada aquí en un nivel tan alto, mientras que se yuxtapone en contra y con una conciencia de lo que está pasando [en la cultura popular]. La creación, no sólo la reproducción, es la actitud. Realmente aprecio eso.

Estamos aquí hoy para discutir el futuro de la música. Nadie puede predecir el futuro, por supuesto, pero podemos hablar de cómo han visto evolucionar la música orquestal y hacia dónde podría dirigirse.

MÄLKKI: Es importante recordar que la evolución de la música siempre ha sido liderada por los compositores, no por las instituciones. Pero depende de las instituciones estar abiertas a que los compositores inventen nuevas formas de pensar y nuevas maneras de tocar. Cualquier institución que se ponga en primer lugar no ayuda a mantener la tradición viva, creo. Me encanta trabajar con LA Phil, porque las prioridades están claras aquí. No es posible predecir el futuro, pero olfatear lo bueno, tomar lo que hay en el aire y darle el lugar o el espacio que merece es permitir que el futuro tome forma.

 

Cuando hay tanto contenido en el aire, ¿qué papel tienen los compositores en la vida de los oyentes hoy en día? ¿Hay alguien con quien hayas trabajado cuyo trabajo creas que es especialmente importante para que la gente lo escuche?

MÄLKKI: Yo no nombraría a ningún compositor en particular, porque es importante tener diferentes puntos de vista. ¡Mi mayor respeto va a aquellos que conocen tanto la tradición como la orquesta, pero estos elementos pueden dar lugar a tipos de música muy diferentes! Mi orquesta ideal, como institución, es en realidad una galería de sonido en la que entras para descubrir cosas. La institución es la curadora de lo que está disponible, y que haya una amplia elección es muy importante. Toda la música está escrita para ser escuchada.

No deberíamos nombrar compositores importantes o sin importancia. Al igual que con los dramaturgos o novelistas, es normal tener preferencias, y tenemos las cosas en las que realmente creemos y queremos apoyar y fortalecer. Pero encuentro que en la música clásica (si usamos esa palabra), el contenido interno de la música es lo importante, es el secreto de su historia, y me encantaría verlo como el denominador común de diferentes tipos de obras.

Podemos conmovernos con obras que fueron escritas hace 400 años o más, y eso es porque han dicho algo que toca el nivel más profundo de nuestras almas. Esto suena muy grandioso, pero es importante. La música nunca se define por la década en la que se escribe. Todavía tenemos mucha música escrita en el siglo XX que, un día, será algo que la gente escuchará con más comprensión y conexión que en la actualidad.

Tu gran oportunidad llegó cuando Thomas Adès te eligió para dirigir el estreno de Powder her face. ¿Cuál es la relación ideal entre un director de orquesta y un compositor que está trabajando en algo nuevo?

El intérprete es el mensajero del compositor. Para transmitir la composición, tienes que entender su esencia en algún nivel. No puedes simplemente ejecutar sonidos. Tienes que encontrar algún tipo de significado. Con algunas obras, me llega muy rápido e instintivamente. A veces tengo que buscarlo. Me siento obligado a encontrar el significado porque, con suerte, esa es la razón por la que el compositor lo escribió. A veces se necesita investigación, a veces es el amor al principio de la lectura o la audición. Depende, y creo que hay que tomarse el tiempo para leer entre líneas.

Algunos compositores me dicen que sienten que no necesitan explicarme su música porque entiendo lo que quieren decir. Me identifico con ellos. Yo no he escrito música, pero hablo su idioma. Por ejemplo, a veces hay cosas en la pieza que pueden necesitar ser reelaboradas para que funcionen en la interpretación, y estoy feliz de ser un colaborador para asegurarme de que el resultado salga bien. En muchos casos, la forma de escribir evoluciona cuando los compositores tienen más experiencia con el trabajo orquestal. Depende del compositor, por supuesto, pero los que también dirigen suelen escribir partituras fabulosamente "funcionales".

A veces hay teorías que dictan la forma en que un compositor hace las cosas. La música del siglo XX está llena de ejemplos, por supuesto, pero si no hay un "mensaje" más allá de las teorías, no estoy segura de que pueda sobrevivir como algo más que un ejemplo de su propio tiempo. La teoría es sólo una herramienta después de todo... pero por otro lado, ¡todas las nuevas formas de pensar pueden ampliar el rango de expresión también! Eso es lo que hacen los compositores visionarios. Lo esencial es reconocerlo. Pero ni siquiera todos los contemporáneos perciben las cosas de la misma manera.

Creo que la música siempre debe ser interpretada como música, con lo que quiero decir que debe respirar y ser tocada con la misma excelencia y convicción que las conocidas obras tradicionales. Creo que algunos compositores contemporáneos probablemente aprecian lo que hago por este tipo de respeto hacia su trabajo. Intento hacerlo, con buena artesanía, aunque no comprenda la esencia de la música.

Creo que la música siempre debe ser interpretada como música, con lo que quiero decir que debe respirar y ser tocada con la misma excelencia y convicción que las conocidas obras tradicionales.
Susanna Mälkki

Con la música contemporánea y el trabajo orquestal, hay un mayor compromiso con el trabajo multidisciplinario como vehículo para atraer a nuevas audiencias. A veces esto es dictado por el compositor, a veces no. ¿Qué piensa de la integración de otras formas de arte en la experiencia de la sala de conciertos?

Los compositores, muy buenos compositores, son muy conscientes de lo que está pasando. Son cultivados, y se inspiran en otras obras de arte. Hay y siempre ha habido composiciones inspiradas en pinturas u óperas basadas en ciertas obras. Hoy en día, cuando se habla de presentación multidisciplinaria, a menudo va casi exclusivamente en una dirección visual, porque nos nutrimos de los elementos visuales de la televisión y el cine, y de todas estas cosas, casi nos bombardean.

Lo visual puede ser enriquecedor en las salas de conciertos, si lo que ves te ayuda a escuchar. Al mismo tiempo, como la música puede evocar tantas posibilidades en la imaginación de todos y cada uno de nosotros, también soy un fan de la actuación tradicional, sin especias. Si lo visual toma el control, no es necesariamente constructivo a largo plazo. El verdadero trabajo multidisciplinario es una colaboración equilibrada en la que ninguno de los elementos sirve de fondo al otro, sino que se alimentan mutuamente. En el mejor de los casos, es más inspirador que nada. Pero confío en que la experiencia colectiva humana y puramente auditiva puede ser una experiencia muy poderosa en sí misma, y debemos seguir teniendo el valor de confiar también en el poder de la música pura.

Pero la estética es importante; la habitación donde escuchamos la música tiene que tener buena energía. Un espacio armonioso es bueno. ¿Cómo se añade armonía a un lugar? Tal vez a través de cosas como la iluminación, pero no creo que ilustrar la música sea siempre necesario.

No quieres cerrar ciertas interpretaciones o respuestas que alguien podría tener.

Es diferente cuando es una ópera, cuando tenemos una puesta en escena y eso ya es una interpretación de la obra. La interpretación de una sinfonía también es una interpretación, pero es música pura. No creo que el intérprete deba ser el ilustrador visual de los estados emocionales de una pieza, sino el que crea la magia a través del sonido.

Muchas de las personas con las que hemos hablado hablan de la necesidad en la sociedad contemporánea de volver a comprometerse con la escucha, de que estamos casi desesperados por una experiencia de escucha comunitaria, en vivo y concentrada que no es el mundo en el que estamos caminando.

Esto es importante porque realmente se trata de un mundo interior. Cómo hacer que el público sintonice, esa es la gran pregunta. La música de concierto tradicional toca tantos niveles mentales y emocionales, y la gente moderna no siempre tiene la habilidad de sólo escuchar. Sin embargo, creo que esta es, de hecho, la parte más poderosa de lo que podemos ofrecerles, y no debemos subestimar su valor añadiendo cualquier decoración superficial encima. El público puede sentir una gran concentración, estoy seguro.

Hoy en día los conductores tienen un número creciente de responsabilidades no musicales. ¿Cuál es su actitud hacia las charlas de pre-concierto y la interacción con el público?

Interactuar es esencial. Amo al público porque queremos compartir nuestra música con ellos. Una actuación es un momento de compartir algo. Algunas personas con mentalidad filosófica incluso hablan de actuar como un acto de servicio. Hacemos lo que hacemos para que el público lo escuche. Puedo leer la música, y puedo oírla cuando la veo, pero hacer que la escuchen es esencial y su forma correcta de existencia.

Las charlas de pre-concierto y tal... entiendo su importancia, ya que a veces puede crear un vínculo más rápido de lo que lo haría un texto de fondo, porque la conexión humana es siempre la más fuerte. Sin embargo, es un papel muy diferente. Algunas personas hablan bien de la música, y otras la interpretan mejor. No deberíamos exigir que todos hablen de música o esperar que todos los intérpretes sean personalidades de los medios. El mundo es fácilmente seducido por las personalidades de los medios y el marketing inteligente. Las bellas artes son otra cosa. Soy bastante anticuado en esto, pero supongo que así es la vida moderna.  

Hablando de la vida moderna, el mundo está pasando por un momento duro y reflexivo en muchos frentes, incluyendo el género. Si estuviéramos en el futuro, con suerte no tendría que preguntarte sobre el género, y cada artículo sobre ti no se abriría con una metáfora de "techo de cristal". Pero la industria de la música clásica no ha sido inmune a las conversaciones que se dan en la cultura más amplia. Alex Ross escribió una vez que la dirección de orquesta estaba "envuelta en mitologías de poder masculino". ¿Hay aspectos de esa mitología que aún deben ser deconstruidos?

Hoy, estamos repensando todas las posiciones de poder, lo cual es un desarrollo muy positivo. ¿Qué es un buen liderazgo? Esa es la pregunta principal. Hay tantas maneras diferentes de liderar. ¿Qué clase de ejemplo queremos que nuestros líderes den y por qué? ¿La gestión consiste en dirigir a las personas o en gestionar las cosas? ¿Qué estamos tratando de hacer? El liderazgo y el poder siempre deben ir de la mano de la responsabilidad. ¿Para qué sirve el poder? ¿Qué quieres lograr con tu poder?

En general, las orquestas son cada vez mejores porque hay muchos músicos que se están formando a un nivel más alto, pero la conciencia o la comprensión del propósito del llamado poder no siempre ha evolucionado al mismo ritmo. Pero está sucediendo.

Es una cuestión de responsabilidad individual, en cada momento, en todo lo que haces. ¿Cómo se relacionan las personas entre sí, y por qué no pueden relacionarse de manera saludable? Esa es la pregunta que deberíamos hacernos.

En general, las orquestas son cada vez mejores porque hay muchos músicos que se están formando a un nivel más alto, pero la conciencia o la comprensión del propósito del llamado poder no siempre ha evolucionado al mismo ritmo. Pero está sucediendo.
Susanna Mälkki

¿Hay algún proyecto próximo en el que esté trabajando o algo más que quiera compartir sobre su papel como directordirector de orquesta?

MÄLKKI: Es tan satisfactorio e inspirador trabajar con la Filarmónica de Los Ángeles porque no hay límites a sus habilidades, y al mismo tiempo, valoran ser abiertos y hacer diferentes tipos de proyectos a un nivel muy alto y profesional. Ser un profesional hoy en día, es más grande que sólo la capacidad de tocar. Ser un músico inteligente y un artista sincero es más que una habilidad técnica, y esto es lo que siento de esta orquesta. Hay un compromiso real, y eso es algo que ha crecido a lo largo de su historia, posiblemente porque los diferentes tipos de cultura están tan fuertemente presentes aquí y ser conscientes de la razón de ser de nuestro patrimonio cultural se hace más fuerte cuando no es algo que se pueda dar por sentado. Pero ser inclusivo, en lugar de exclusivo, es el enfoque generoso.

Toda la galería de sonido.

Exactamente. Está todo ahí. También estoy convencida de que interpretamos mejor la música nueva si conocemos bien el pasado, porque los compositores también hacen referencias musicales, y tenemos que ser capaces de detectarlas y luego crear esos momentos musicales para los oyentes. Y entonces tenemos todo el espectro histórico alineado.