SÁBADO 16 DE NOVIEMBRE DEL 2024
Noon to Midnight (De mediodía a medianoche):
Grabaciones de campo
UN DÍA DE NUEVA MÚSICA
Instalaciones artísticas, Deep Listening, Food Trucks, Beer Garden, ¡y mucho más!
El maratón de música nueva de la Filarmónica de Los Ángeles incluye 12 horas de actuaciones en directo e instalaciones artísticas en todos los rincones del Walt Disney Concert Hall. El festival de este año, comisariado por la compositora ganadora del premio Pulitzer Ellen Reid, explora las intersecciones entre arte, tecnología y naturaleza a través del tema de las grabaciones de campo, el acto de capturar audio en entornos naturales o construidos fuera de un estudio. Noon to Midnight (De mediodía a medianoche): Field Recordings es una invitación a experimentar cómo nos cambia el sonido participando en formas más profundas de escucha.
Varios lugares dentro y fuera de
Walt Disney Concert Hall
12PM--------------------------12AM
Noon to Midnight (De mediodía a medianoche) es una de las más de 70 exposiciones y programas presentados en el marco de PST ART. PST ART: Art & Science Collide, la última edición de este acontecimiento regional de referencia explora las intersecciones del arte y la ciencia, tanto en el pasado como en el presente. PST ART está presentado por Getty. Para más información sobre PST ART: Art & Science Collide, visite pst.art.
Boletos
Elija entre dos opciones de venta de boletos:
Concierto nocturno "Lightscape" de Doug Aitken + todos los actos de N2M
Con la compra de boletos para el concierto principal de la noche, Doug Aitken's Lightscape (20.00 h, en el escenario) y la entrada a todos los actos del Festival Noon to Midnight (De mediodía a medianoche) .
Sólo N2M
Boletos de $12 para la admisión a todos los eventos excepto el concierto nocturno Lightscape de Doug Aitken.
Alineación
Ellen Reid, comisaria
Lightscape de Doug Aitken
Interpretado por Los Angeles Master Chorale y LA Phil New Music Group
Field Recording Listening Room de In Sheep's Clothing
Instalaciones y conversaciones de LA Phil Insight
Compositores destacados:
(*Actuación de estreno)
Aleksandra Vrebalov - Andrew McIntosh - Andrew Norman - *Andrew Yee - Angélica Negrón - *Anne LeBaron - Annea Lockwood - Brian Hargrove - *Derrick Skye - *Donnacha Dennehy - Ellen Reid - Eve Beglarian - Gabriella Smith - George Lewis - Horace Tapscott - Ingram Marshall - *John Eagle - John Luther Adams - Leilehua Lanzilotti - Linda Hill - *M.A. Tiesenga - *Marc Lowenstein - Marvel Jem Roth - Masakazu Natsuda - *Meara O'Reilly - *Mingjia Chen - Michael Pisaro-Liu - Missy Mazzoli - *Odeya Nini - Ondřej Adámek - *Patrick Shiroishi - *Rajna Swaminathan - Raven Chacon - Steve Reich - Ted Hearne - Tomeka Reid - Wadada Leo Smith
¡y mucho más!
Directores:
Grant Gershon - Derrick Skye - Dr. Tram Sparks - Joseph Pereira - Molly Turner
Conjuntos:
Bridge to Everywhere - Delirium Musicum - Dr. Dawn Norfleet Trio - Isaura String Quartet - Kabasa Drum & Dance Ensemble - LA Phil New Music Group - Los Angeles Master Chorale- Pan Afrikan Peoples Arkestra - Redkoral Trio - The Calder Quartet - USC Percussion Group - USC Chamber Singers - Wild Up
Músicos destacados:
Aakash Pujara - Alison Bjorkedal - Andrew McIntosh - Annea Lockwood - Anya Yermakova - Brian Hargrove - Celia Hollander - Christine Tavalochi - Colloboh - Devin Daniels - Dr. Dawn Norfleet - Dr. JoVia Armstrong - Dwight Trible - Eyvind Kang - Fabricio Watanay - Jeremiah Chiu - Josef Leimberg - Josh Johnson - Kailash Sukhberg - Josh Johnson JoVia Armstrong - Dwight Trible - Eyvind Kang - Fabricio Watanay - Jeremiah Chiu - Josef Leimberg - Josh Johnson - Kailash Sukhadia - Kamau Daáood - Laraaji - Laurel Irene - Maia - Marta Sofia Honer - Mekala Session - Michael Pisaro-Liu - Nadia Sirota - Odeya Nini - Patrick Shiroishi - Rajib Karmakar - Rajna Swaminathan - Rickey Washington - Robin Sukhadia - Samarth Nagarkar - Shalini Vijayan - Trevor Ware - Vicki Ray - Wesley Sumpter
Instalaciones y películas de:
Alexey Seliverstov - Cherlyn Hsing-Hsin Liu - Chris Kallmyer - Clayton McCracken - Doug Aitken - Hana Kim - In Sheep's Clothing Hi-Fi - Johannes Bosgra - Ka Baird - Keith Skretch - Lachlan Turczan - Lily Clark - Mercedes Dorame - Raven Chacon - Steven Mertens
Además, camiones de comida local y cerveza artesanal.
Programa completo a partir de octubre de 2024
Noon to Midnight (De mediodía a medianoche) cuenta con el generoso apoyo del Fondo de Iniciativas Contemporáneas.
LA Phil Insight cuenta con el generoso apoyo de Linda y David Shaheen.
Calendario
12PM--------------------------12AM
Instalaciones en curso
Sala de escucha de grabaciones de campo de In Sheep's Clothing Hi-Fi (SALA DEL FUNDADOR)
Conversaciones con compositores, ecologistas acústicos, grabadores de campo y científicos del clima.
Únase a nosotros en la Sala de los Fundadores, junto a BP Hall para:
-
Grabaciones de campo seleccionadas reproducidas en un sistema de sonido cuadrafónico Mobius Acoustics durante todo el festival.
-
Conversaciones con compositores, ecologistas acústicos, grabadores de campo y científicos del clima. Yewande Pearse y Sarah Cahill moderarán los debates a las 14.00, 16.00 y 18.00 horas.
Presentado por LA Phil Insight
Insight cuenta con el generoso apoyo de Linda y David Shaheen.
Alexey Seliverstov, The Cloud Orchestra (VESTÍBULO DE LA TERRAZA ESTE)
The Cloud Orchestra es una instalación de audio que presenta un collage de grabaciones de campo, pájaros artificiales, sintetizadores e instrumentos acústicos como experiencia inmersiva. El público puede crear sus propios collages utilizando hardware de audio que incluye vinilos y cintas magnéticas de producción propia con cantos de pájaros y grabaciones atmosféricas de distintos ecosistemas. En la sala se instalarán varias grabadoras de carrete para reproducir capas adicionales del paisaje sonoro.
Chris Kallmyer, Threshold Music (JARDÍN)
Threshold Music es una composición ambiental para el Jardín WDCH creada mediante campanas de viento escultóricas. Diseñadas para atrapar la brisa, las campanas atraen al oyente a través del espacio y recontextualizan los sonidos de la ciudad que llegan a los jardines colgantes de la Filarmónica. Tonalmente, la obra se compone de una armonía que se encuentra en el canto de los pájaros locales, la gente que pasa, y los tonos que se encuentran en el ecosistema ilimitado que abarca Los Ángeles.
Threshold Music se inspira en el concepto de musique d'ameublement de Erik Satie y en el Kankyō Ongaku de Hiroshi Yoshimura, que imaginan al compositor como diseñador de atmósferas y auras musicales tanto en espacios domésticos como naturales. A través de la conexión de la obra con el entorno, esperamos que la pieza cree una grabación de campo en directo en el oído del visitante y provoque un apretón de manos, una escucha atenta y un sentimiento de solidaridad con nuestro paisaje compartido.
Ka Baird, Mobile Microphone (ROVING)
Mobile Microphone es una serie de video iniciada en 2022 que explora métodos dinámicos de captar sonidos ambientales en el mundo. Utilizando el micrófono como un instrumento en sí mismo (un modelador del sonido y un amplificador), el capturador del sonido es tan dinámico como lo capturado. Este proyecto explora entornos a través de una variedad de micrófonos móviles: de escopeta, dinámicos, hidrófonos y de detección electromagnética.
Ka Baird dirigirá una serie de visitas guiadas con micrófonos móviles por el Walt Disney Concert Hall desde el mediodía hasta la medianoche. Estas visitas permitirán a los asistentes escuchar en tiempo real los sonidos que se producen a su alrededor captados por el micrófono activo de Ka. Considérelo una grabación de campo de grabaciones de campo.
Horario de la gira del micrófono móvil:
15:00-15:20
16:00-16:20
17:00-17:20
19:00-19:20
Lachlan Turczan, Tidal Resonance (JARDÍN)
Tidal Resonance (2023), de Lachlan Turczan, es una escultura cinética que explora la intersección del sonido, el agua y la luz. La obra presenta un pequeño estanque de agua dentro de un espejo parabólico que le da forma de lente líquida. Mediante la aplicación de frecuencias cimáticas dentro del recipiente, las vibraciones sonoras esculpen la superficie del agua en formas de onda conocidas como cimáticas. Estos patrones ondulatorios manipulan el reflejo de la luz en el agua, produciendo imágenes hipnóticas que cambian constantemente. La obra pone de relieve la fluida relación entre el sonido y la luz, animando a los espectadores a experimentar la interacción dinámica entre estos elementos como un fenómeno sensorial y escultórico.
Lily Clark, Dewpoint IV (JARDÍN)
Punto de rocío IV forma parte de una serie que explora la arquetípica forma esférica del agua. Al ser la pieza más larga de la serie, destaca cómo cada gota se desplaza por la alargada y estrecha superficie, atraída gradualmente hacia el centro por la gravedad. En este entorno superhidrofóbico casi sin fricción, el agua parece materializarse de la nada, deslizándose desde ambos lados antes de chocar y rebotar a lo largo de la depresión poco profunda. A continuación, las gotas desaparecen por una rendija central, para volver y repetir el ciclo, imitando el perpetuo movimiento en espiral del agua en la naturaleza. Este flujo continuo refleja los ritmos esenciales del agua, capturando su incesante movimiento por el mundo. La observación de Theodor Schwenk en Sensitive Chaos resuena aquí: "Allí donde hay agua, tiende a adoptar una forma esférica... El agua siempre intentará formar un todo orgánico uniendo lo que está dividido y uniéndolo en circulación". Dew Point IV da vida a esta idea, ya que las gotas buscan continuamente reunirse, encarnando el impulso inherente del agua hacia la unidad dentro de los ciclos naturales.
Mercedes Dorame, Aweeshkone xaa, ‘Ekwaa'a xaa (I am happy you are here) / Neshuun'e Mochoova xaa (My heart is with you) (LOBBY)
Looped video con saludos en lengua tongva
Instalación video de Mercedes Dorame, artista multidisciplinar que recurre a su ascendencia tongva para abordar la problemática de la (in)visibilidad y las ideas de construcción cultural y conexión ancestral con la tierra y el cielo. Nacida en Los Ángeles (California), obtuvo su máster en Bellas Artes en el San Francisco Art Institute y su licenciatura en la UCLA.
12:00PM
12-1PM - Michael Pisaro-Liu y Cherlyn Hsing-Hsin Liu (BP HALL)
Michael PISARO-LIU Transparent City
Cherlyn Hsing-Hsin LIU I Carry the Universe With Me
Paisajes sonoros que captan lugares y barrios concretos de Los Ángeles rodean una película abstracta que explora nuestra cambiante relación con la tecnología en esta actuación de los colaboradores artísticos y matrimonio formado por Michael Pisaro-Liu y Cherlyn Hsing-Hsin Liu.
Miembro durante mucho tiempo del colectivo Wandelweiser, Pisaro-Liu exploró la naturaleza del silencio en muchas de sus primeras composiciones. Este interés se fue ampliando gradualmente hasta incluir una investigación del entorno de la interpretación -los sonidos, aspectos y limitaciones de las salas de conciertos y los teatros- que le llevó a grabar esos entornos y, finalmente, a incorporar esas grabaciones de campo a su práctica. Ciudad transparente es una serie de 24 piezas de 10 minutos creadas entre 2004 y 2007. Cada pieza de la serie incluye una grabación de un lugar concreto (en esta actuación se incluyen el nº 11 de Dockweiler Beach, el nº 7 de Union Station Lobby, el nº 12 de Marina del Rey y el nº 17 de Musch Meadow, Topanga) acompañada de un cuarteto de ondas sinusoidales que oscilan, revolotean o zumban en un sutil dúo con el audio documentado de lo cotidiano. La presencia de las ondas sinusoidales acentúa la musicalidad del mundo: "Son algo así como la visita de un oído armónicamente afinado", explica Pisaro-Liu. Y añade: "La actuación en directo es una capa construida espontáneamente que media entre los lugares de grabación y el espacio de actuación".
Entre las paradas de Pisaro-Liu en Union Station Lobby y Marina del Rey se encuentra la película de 20 minutos de Hsing-Hsin Liu Llevo el universo conmigo. Artista, cineasta y escritora que adopta lo conceptual y metafísico en su trabajo, explora nada menos que nuestra realidad futura en esta nueva película. "Hoy en día, seguimos anhelando una nueva forma de ver y entender el mundo: utilizando teléfonos inteligentes, ordenadores, cámaras recién inventadas y realidad virtual. En un futuro dominado por las imágenes tecnológicas, ¿cómo se reescribirá la cultura humana? ¿Se reiniciará la historia?". pregunta Hsing-Hsin Liu. -Amanda Angel
Michael Pisaro-Liu, guitarra eléctrica y objetos
Cherlyn Hsing-Hsin Liu, cine
12:30-1:30PM - Grupo de Percusión de la USC, Elements in Sound (KECK)
Masakazu NATSUDA Wooden Music for nine percussionists
George LEWIS Le témoignage des lumièresestreno en la costa oeste
Ted HEARNE Thaw
Ondřej ADÁMEK Fishbones
El timbalista principal de la LA Phil y profesor de la USC Joseph Pereira dirige el Grupo de Percusión de la USC en este programa centrado en la madera, el agua y la luz.
Masakazu Natsuda Música de madera para nueve percusionistas, imagina cómo los primeros humanos se unieron para hacer música a partir de huesos y rocas encontrados. Natsuda señala que "Los golpes que producían los trozos de madera en las manos (quizá piedras o huesos...) habrían sido algunos de los primeros sonidos que produjo la humanidad además de sus palabras habladas". Sus estallidos resonantes, sus pausas conmovedoras y su afinación no temperada permiten una transición suave hacia una experiencia enraizada en el tiempo. La obra se grabó en el álbum de Natsuda de 2014, Les chants prehistoriques.
George Lewis Le témoignage des lumières (El siglo de las luces) de George Lewis "se sitúa dentro del clásico tropo americano de la representación" al transportar inmediatamente a los oyentes a bordo de un négrier, donde se reproduce el ambiente sonoro de los barcos utilizados para transportar a las personas esclavizadas. La pieza retrata "la atroz violencia y cosificación de los seres humanos que sustentó económicamente el Siglo de las Luces -en francés, Le siècle des Lumières".
Ted Hearne Deshielo para cuarteto de percusión, de Ted Hearne, se abre con el brillante sonido de tres glockenspiels y un gran tambor en un bloque imaginado de hielo, "quieto y frío con sólo el más débil latido del mundo exterior". Este cubo se derrite suavemente y los antaño "ritmos sólidos" del bloque de hielo se transforman en chispeantes gestos autónomos que fluyen alborotados en el espacio antes vacío y "con el tiempo, se evaporan por completo".
Seis timbales de arco resbalan y ululan en la apertura de la obra de Ondřej Adámek Espinas de pez para seis percusionistas. La "cínica idea del ciclo vital del pez" se le ocurrió a Adámek durante la composición de esta obra-un ciclo vital que "comienza con la eclosión libre en el océano y termina en la presión de las latas." -Anna Heflin
Joseph Pereira, director, comisario
Ensemble: Tyler Brown, Kana Funayama, Sabrina Lai, David Lee, Brandon Lim, Chanhui Lim, Marcos Rivera, Marcos Salgado, Preston Spisak, Jonathan Yuen, Xavier Zwick
1:00PM
13:10-14:30 - Delirium Musicum (ESCENARIO WDCH)
Andrew NORMAN The Companion Guide to Rome
Andrew YEE The Trees of Green-Woodestreno mundial de un arreglo para cuerdas ampliado
Philip GLASS Violin Concerto No. 2 "The American Four Seasons" Mvt IV
Gabriella SMITH Desert Ecology
¿Qué pasa cuando sacas una sección de cuerda al exterior? ¿Y si dejas que la brisa recorra los agujeros en fa de un violonchelo? ¿Y si una abeja se posara en la cuerda de un violín en medio de un zumbido? ¿Cómo se siente el cuerpo de un violonchelo cuando se calienta en dom.? Estos cuatro compositores tratan los conjuntos de cuerda para los que han escrito como un propietario trata un juego de campanillas de viento: Lo preparan todo y dejan que fuerzas mayores tomen el control.
de Andrew Norman Guía de Roma nos sitúa en nueve lugares diferentes de la ciudad italiana y nos pide que asimilemos lo que vemos. La obra, que fue finalista del Premio Pulitzer 2012, ofrece interpretaciones musicales de las iglesias favoritas de Norman en Roma. Sin embargo, no se trata de un sketch turístico. Norman aporta a estos retratos un espíritu curioso, ojo para el detalle y, sobre todo, un corazón lleno, presentándonos no sólo la sensación de estar de vacaciones disfrutando de la arquitectura al calor del día, con un aperitivo de Aperol listo. Una y otra vez, The Companion Guide to Rome nos recuerda la extraña (y a la larga abrumadora) alegría que produce el encuentro con la maravilla, una y otra vez.
Andrew Yee Árboles de Greenwood para cuerdas y voz es un retrato inquietante, casi embrujado, a cámara lenta, de un bosque. El espectro de la pérdida se aferra a los violines, sólo para ser conducido hacia el futuro por una fuerte línea del violonchelo. El vocalista sigue el ejemplo, cantando una lista de nombres de árboles como si fuera un conjuro. La tupida trama de melodía vocal y crestas de cuerdas se siente a la vez urgente y atemporal, llena de movimiento pero con los pies en la tierra, las raíces se aferran profundamente a la tierra mientras las ramas alcanzan el cielo.
El Concierto para violín nº 2 de Philip Glass , "Las cuatro estaciones americanas", fue concebido originalmente como la respuesta de Glass a Vivaldi, aunque él mismo admite que no está muy seguro de la relación entre ambas obras. No importa. Es un escaparate para un solista poderoso, que produce una ráfaga de notas que se agitan y se precipitan como hojas rastrilladas atrapadas en una tormenta de viento. En otros momentos, el violín canta una canción de luto que evoca un invierno aislado. Etienne Gara se escabullirá entre ellos, pasando del frío al calor abrasador en un momento, un poco como Los Ángeles en noviembre.
Gabriella Smith Ecología del desierto estrenada en 2023, es una elegía al árbol de Josué. Smith tiene un talento único para encontrar lo musical en el mundo natural -el roce de las plantas rodadoras contra la tierra, el tintineo de una aguja de cactus arrancada- y para recrear esa música a través de un conjunto. A lo largo de sus cinco movimientos, que recuerdan tanto obras de John Adams como las Cuatro Estaciones de Vivaldi, los microtonos zumban, las cuerdas imitan el aleteo de bandadas de pájaros y, a partir de cintas grabadas por la propia Smith en el Parque Nacional Joshua Tree, cantan pájaros reales. Como el propio desierto, Ecología del desierto es acre, austero y rebosante de vida. -Sadie Sartini Garner
Laurel Irene, soprano, El Árboles de Verde-Madera
Etienne Gara, violín y dirección artística
Leonard Fu, violín
Evan Hjort, violín
Sheng-Ching Hsu, violín
YuEun Kim, violín
Mann-Wen Lo, violín
Misha Vayman, violín
Yezu Woo, violín
YuTing Hsu, viola
Nao Kubota, viola
Chieh-Fan Yiu, viola
Stella Cho, violonchelo
Javier Iglesias Martín, violonchelo
Joo Lee, violonchelo
Ryan Baird, bajo
Nathan Ben-Yehuda, sintetizador y electrónica
Desert Ecology, de Gabriella Smith, fue un encargo de The Soraya at CSUN como parte de una obra más amplia llamada "Treelogy" para Delirium Musicum.
El Concierto para violín n.º 2 "Las cuatro estaciones americanas" Mvt IV de Philip Glass se presenta bajo licencia de G. Schirmer Inc. y Associated Music Publishers, propietarios de los derechos de autor.
1:30-2:15PM - Dr. Dawn Norfleet Trio, Instant in Season (JARDÍN)
El Dr. Dawn Norfleet Trio interpreta un conjunto improvisatorio en el jardín del Walt Disney Concert Hall construido a partir de la reacción en tiempo real al entorno. Cada uno de los miembros del conjunto pronunció unas palabras en las que expresaron sus puntos de vista musicales y la intención de esta actuación:
Dra. Dawn Norfleet (Flauta y Voz) - Como compositora, me inspiran principalmente la estética y los enfoques influidos por las culturas afroamericana y afrodiaspórica. También me influyen los lenguajes musicales europeos y globales y los sonidos naturales y humanos de mi entorno urbano, desde la inquietante llamada de las palomas de luto hasta el ritmo irregular de los limpiaparabrisas de los autobuses de la MTA. Como improvisador, mi enfoque está marcado por ciertas experiencias de mi infancia como miembro de una gran comunidad eclesiástica afroamericana. Al pensar en un título para esta actuación, pensé inmediatamente en una frase que me viene resonando desde hace tiempo: ser "instantáneo a tiempo y a destiempo". Aunque su origen es bíblico, pienso en el pasaje como una habilidad vital que me aconseja estar preparada para las incógnitas de la vida: navegar con éxito por los vientos revueltos y las alegrías serendípicas de "vivir" puede crear y ejercitar habilidades que nos hacen más fuertes, más sabios y más empáticos. Dado que nuestro trío colaborará con el creativo Presente como cuarto miembro del conjunto en este evento otoñal al aire libre, pensé que el título era apropiado. Estoy encantada y agradecida de estrenar este viaje musical con JoVia y Fabricio en este hermoso espacio.
Dra. JoVia Armstrong (Percusión) - Soy improvisadora-compositora desde 2001. Considero la improvisación como una composición, que representa mi identidad. La improvisación colectiva es una conversación entre músicos. El tiempo, el espacio y la vida que les rodea influyen en sus opiniones, sugerencias, preguntas y respuestas.
Fabricio Watannay (Voz, Instrumentos Musicales de Arcilla, Electrónica) - Como artista, me inspiro en las raíces ancestrales del continente americano, especialmente en sus tecnologías musicales, que nos dicen tanto sobre sus creadores, revelando emoción y pensamiento que definen conceptos identitarios. Como académica, reflexiono sobre cómo las tecnologías musicales modernas definen el "crisol" que somos ahora y cómo puedo integrarlas con las tecnologías musicales ancestrales/indígenas para honrar a los ancestros de este continente e inspirar a aquellos con quienes compartimos esta bendita tierra. Esta actuación se basa en la música cumbia, que representa para mí la belleza y la alegría de la síntesis de las raíces indígenas, africanas y europeas en el continente americano.
Dra. Dawn Norfleet, flauta y voz
Dra. JoVia Armstrong, percusión
Fabricio Watanay, voz, instrumentos musicales de arcilla, electrónica
2:00PM
2PM: Conversación en la sala de escucha de grabaciones de campo a cargo de In Sheep's Clothing Hi-Fi (SALA DEL FUNDADOR)
Conversaciones con compositores, ecologistas acústicos, grabadores de campo y científicos del clima.
Únase a nosotros en la Sala de los Fundadores, junto a BP Hall para:
-
Grabaciones de campo seleccionadas reproducidas en un sistema de sonido cuadrafónico Mobius Acoustics durante todo el festival.
-
Conversaciones con compositores, ecologistas acústicos, grabadores de campo y científicos del clima. Yewande Pearse y Sarah Cahill moderarán los debates a las 14.00, 16.00 y 18.00 horas.
Presentado por LA Phil Insight
Insight cuenta con el generoso apoyo de Linda y David Shaheen.
2-3PM - Compositores Wild Up (BP HALL)
Andrew McINTOSH Learning
M.A. TIESENGA On pathsestreno mundial
Patrick SHIROISHI Khristinaestreno mundial
El conjunto de música nueva Wild Up, con sede en Los Ángeles y dirigido por Christopher Rountree, presenta un concierto de piezas que tienden puentes, se mezclan y trascienden géneros, mostrando cómo las grabaciones de campo pueden ser un espacio de meditación, experimentación y, en última instancia, conexión. A través de sus procesos, procedimientos y despliegue de grabaciones de campo, los tres compositores del programa -Andrew McIntosh, M.A. Tiesenga y Patrick Shiroishi- ofrecen un medio para profundizar en nuestro mundo a través del acto de escuchar.
McIntosh Aprendizaje (2021) abre el concierto, al que sigue una nueva obra suya para percusión solista y grabaciones de campo. La práctica del compositor, violinista y violista nominado al Grammy abarca la música antigua, la microtonalidad, la improvisación y la vanguardia del siglo XX. A menudo combina grabaciones de campo de la naturaleza con música compuesta, subrayando el poder de las grabaciones para transportar y mejorar nuestra experiencia del entorno. Learning parte de este tema, entretejiendo grabaciones de campo del tiempo que el compositor pasó escalando alrededor de Rosenita Saddle, en el Bosque Nacional de los Ángeles, con melodías dispersas para explorar el acto del cambio -surgir, convertirse y recordar- escuchando los sutiles sonidos de la naturaleza y la percusión a medida que se desarrollan.
Del mismo modo, Tiesenga se fija en el mundo natural para inspirar sus composiciones. Compositora afincada en Los Ángeles, Tiesenga hace música que surge de un interés combinado por la naturaleza, las partituras visuales y la posibilidad de que la música proporcione conexión entre nosotros y con nuestro entorno. Para Wild Up, compone un estreno mundial para conjunto basado en su práctica interdisciplinar.
El concierto concluye con un estreno mundial de Shiroishi, multiinstrumentista y compositor cuya música en solitario y en colaboración puede encontrarse en todo el espectro de géneros, como el jazz, la clásica contemporánea, el ambient y el hardcore. El amplio catálogo de Shiroishi como solista y colaborador aborda temas como la herencia, la memoria familiar, el lugar, etc., utilizando su música pensativa como espacio para fomentar la comprensión de las relaciones, de la historia y del mundo. -Vanessa Ague
Molly Turner, director de orquesta
Andrew McIntosh, percusión solista y grabaciones de campo, Learning
Khristina es una comisión de LA Phil
14:15-15:15 - Cuarteto de cuerda Isaura, Site/Line (KECK)
Leilehua LANZILOTTI Ahupua'a
Aleksandra VREBALOV The Sea Ranch Songs
Tomeka REID Prospective Dwellers
John EAGLE inside-outsideestreno mundial
Mingjia CHEN the speed at which we changeestreno mundial
¿Qué recuerdos guarda la tierra? De algún modo misterioso, ¿pueden los lugares conservar historias que los humanos hemos perdido? ¿Puede nuestro entorno revelar verdades ocultas? Con "Site/Line", el cuarteto de cuerda Isaura se enfrenta a estas preguntas, abriendo la puerta a una exploración sonora de los lugares de los que procede la gente y de cómo esos espacios les dan forma y les moldean. Este programa de cinco partes reúne al Cuarteto Isuara con el compositor Kanaka Maoli Leilehua Lanzilotti, la compositora serbia Aleksandra Vrebalov, la inconformista del jazz de Chicago Tomeka Reid, el compositor electrónico John Eagle y la multiinstrumentista Minjia Chen, nacida en Pekín, Toronto y Los Ángeles. Reflexionando sobre el objetivo del programa, el Cuarteto afirma: "En diálogo sobre las formas en que nos conectamos y recordamos, cada obra ofrece una perspectiva única de nuestros entornos -tanto naturales como construidos- y de cómo estos entornos conforman lo que somos, lo que percibimos y las formas en que nos movemos por el mundo."
El resultado es un programa que recorre vastas distancias, evocando extensiones desde las islas de Hawai hasta la costa de California, llevando a los oyentes desde el South Side de Chicago hasta una iglesia rural de Nebraska, pasando por espacios más imaginarios como "el subsuelo" y "la luna". La actuación incluye dos estrenos mundiales, ambos encargos del Cuarteto Isaura. Uno es "inside-outside", de John Eagle, que se inspira en su práctica de la grabación de campo y examina el modo en que, citando a Eagle, "la memoria humana también graba y da forma a la percepción, creando un bucle de memoria". La otra es "La velocidad a la que cambiamos", de Migjia Chen, que examina el viaje de varias generaciones de inmigrantes chinos. Explicando la intención que impulsa estas colaboraciones, el Cuarteto Isuara afirma: "Site/Line es una carta de amor: un espacio para la celebración colectiva, el duelo, la liberación, el aprendizaje y para vernos unos a otros con alegría y compasión".
Las piezas dentro-fuera y la velocidad a la quecambiamos son encargos de Isaura String Quartet
3:00PM
3:15-3:45PM - Meara O'Reilly, Hockets for Two Flutes (ESPIRAL DE JARDÍN)
Meara O'REILLY Hockets for Two Voices transcrito para flautas
Meara O'REILLY Hockets for Two Flutesestreno mundial
"Los hockets", escribe la compositora y multiinstrumentista Meara O'Reilly, "son perceptivamente escurridizos".
Técnica musical en la que una sola línea melódica se divide en frases más cortas y se reparte entre varias partes -una voz o instrumento suena mientras los demás permanecen en reposo en un flujo ininterrumpido-, el hocketing es una práctica que altera la percepción de la música por parte del oyente, confundiendo las reglas tradicionales del contrapunto y enturbiándolo todo, desde cuántas personas están tocando hasta quién es responsable de producir qué sonido o dónde se origina el sonido. Aunque se suele asociar a la música vocal medieval, el hocketing se encuentra en las prácticas populares indígenas y en la naturaleza: algunas especies de pájaros hacen hocketing incluso cuando están solos para engañar a los depredadores y hacerles creer que están presentes en mayor número.
O'Reilly, que llegó a la composición clásica desde el experimentalismo y el ruido, se interesó por los hockets como una vía para explorar los principios de la percepción auditiva; en 2019 publicó Hockets for Two Voices, un EP de 7 pistas en el que es la única intérprete, en el sello Cantaloupe Music de la organización de música clásica contemporánea Bang on a Can. O'Reilly señala que los hockets no solo desafían al oyente: interpretar música de esta precisión requiere que los vocalistas "reciban e interioricen la parte del otro casi tanto como la propia; una práctica de escucha atenta."
La actuación de O'Reilly consta de Hockets para dos voces transcrita para flautas y Hockets para dos flautasuna nueva obra creada para dialogar parcialmente con Dewpoint, de Lily Clark. En la escultura fuente de Clark, las gotas de agua parecen aparecer mágicamente alrededor de los bordes de una caja de cerámica antes de gotear y desaparecer por una rendija central. Los movimientos continuos de las cuencas de O'Reilly están compuestos para imitar el tamaño, la gravedad y el sonido de las gotas de Clark, que caen en un ciclo continuo, una meditación sobre la naturaleza de la realidad y la ilusión en nuestra percepción falible del diseño perfecto del mundo natural. -Mariana Timony
Rachel Beetz, flauta, Hockets para dos flautas
Michael Matsuno, flauta, Hockets para dos flautas
3:30-4:30PM - LA Phil New Music Group (No presentado) (ESCENARIO WDCH)
Cuervo CHACON Three Songs film triptych
Cuervo CHACON Horse Notations
Odeya NINI Come Close and Seaestreno mundial
John Luther ADAMs Dark Waves
A Tribute to Sarah Gibson
Si se desplaza hasta el final del currículum vitae de Ravon Chacón, llegará a su obra más temprana: Field Recordings. Las tres grabaciones recogen tres lugares del suroeste de Estados Unidos, elegidos por su tranquilidad. "No sé lo que esperaba oír", diría Chacón en una conversación grabada dos décadas después. Cada vez escuchaba con más atención y subía el volumen. "Al final lo subí al 11 para tratar de ampliar lo que había allí: .... y tenían todos estos colores diferentes, y me di cuenta de que tal vez esto era lo que quería escuchar".
El sentido y la memoria del lugar impregnan gran parte de la obra de Chacón, compositor, músico y artista diné. En Tres cancionesuna serie de tres vídeos capta a mujeres indígenas americanas cantando sobre "la historia de un paisaje" dentro de ese mismo paisaje en el que tuvo lugar "un conflicto, un desplazamiento o una masacre de su tribu". Sage Bond, miembro de los diné; Jehnean Washington, yuchi; y Mary Ann Emarthle, seminola, narran las historias de la Larga Marcha Navajo, el Sendero de las Lágrimas y la expulsión de los seminola.
Escrito dos años antes, Anotaciones sobre caballos se inspiró en un artículo del Popular Science Journal de 1874 en el que se analizaban los aires de los caballos. Chacón sintetizó estos gráficos de galope, trote y otros en su partitura para flauta, cuarteto de cuerda y dos tambores de mano. La imprecisión de la naturaleza y la sensación de movimiento a través de la tierra están integradas en la música.
En contraste con las referencias literales de Chacón, la vocalista interdisciplinar, practicante de meditación sonora y compositora Odeya Nini crea un paisaje metafórico en su nueva obra Come Close and Sea. Incorporando cuatro grabaciones de campo -el sonido de palmas humanas contra un suelo de madera, dos grabaciones de protestas contra la guerra y las olas del océano Pacífico- con instrumentación y voz en directo, crea una resonancia que salva distancias. "Las fuerzas de la polaridad nos separan y ocultan la interrelación inherente a nuestra experiencia. Con el tiempo, nos vemos obligados a reconocer lo cerca que estamos todos. ¿Hasta qué punto podemos permitirnos estarlo?". -Amanda Angel
Odeya Nini, voz, Come Close and Sea
Joanne Pearce Martin, piano, Dark Waves
Vicki Ray, piano, Olas de oscuridad
Johannes Bosgra, video, Dark Waves
Acércate y el mar es un encargo de LA Phil con el generoso apoyo de la familia Hillenburg
Homenaje a Sarah Gibson
Sarah Gibson era una compositora y pianista afincada en Los Ángeles cuyas obras se basaban en su amplia experiencia como intérprete colaboradora. Sus composiciones reflejaban su profundo interés por el proceso creativo en diversos medios artísticos, especialmente desde la perspectiva femenina. Gibson murió en jul el 14 de 2024, a la edad de 38 años.
Las dotes de Gibson como compositora, intérprete y colaboradora quedan plasmadas en este video de una interpretación en directo en 2022 de su composición la línea de tu trayectoriacon el dúo HOCKET (Gibson y Thomas Kotcheff) de piano y miembros de la Sinfónica de Seattle. Gibson proporcionó las siguientes notas sobre la pieza:
En 2021, pensaba mucho en los viajes. Sin duda, esto tenía que ver con la cantidad de paradas, giros y desvíos inesperados que se habían producido en nuestros viajes colectivos durante 2020-2022.
La geometría nos enseña que la distancia más corta entre dos puntos es una línea recta, pero la realidad de la vida nunca es tan sencilla. Nuestros viajes rara vez siguen las direcciones directas que esperamos. Esta pieza, que comienza de forma lamentable y errante con líneas deslizantes, se transforma en líneas más cinéticas y zigzagueantes a medida que gana energía y dirección. Esta música inesperada y contrastada reflexiona sobre la imprevisibilidad de la vida mientras navegamos hacia 2022.
HOCKET (Sarah Gibson y Thomas Kotcheff ), piano
Walter Gray, violonchelo
Michael A. Werner, percusión
la línea de su trayectoria 2022 video es cortesía Seattle Symphony
4:00PM
16.00 H: Conversación en la sala de escucha de grabaciones de campo a cargo de In Sheep's Clothing Hi-Fi (SALA DEL FUNDADOR)
Conversaciones con compositores, ecologistas acústicos, grabadores de campo y científicos del clima.
Únase a nosotros en la Sala de los Fundadores, junto a BP Hall para:
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Grabaciones de campo seleccionadas reproducidas en un sistema de sonido cuadrafónico Mobius Acoustics durante todo el festival.
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Conversaciones con compositores, ecologistas acústicos, grabadores de campo y científicos del clima. Yewande Pearse y Sarah Cahill moderarán los debates a las 14.00, 16.00 y 18.00 horas.
Presentado por LA Phil Insight
Insight cuenta con el generoso apoyo de Linda y David Shaheen.
4-5PM - Cuarteto Calder, Desert Crossing (BP HALL)
Missy MAZZOLI Death Valley Junction
Marvel Jem ROTH Lens para cuarteto de cuerda y sonidos electrónicos encontrados
John Luther ADAMS Canticles of the Sky para el cuarteto de cuerdas
Steve REICH Different Trains
A través de las cuatro obras de este programa, el Cuarteto Calder atraviesa paisajes desérticos reales y metafóricos, culminando en la obra seminal de Steve Reich Trenes diferentesde Steve Reich, que combina sonido grabado y en directo.
Missy Mazzoli's Death Valley Junction es una "representación sonora" de la ciudad desértica del mismo nombre, uno de los lugares favoritos de Mazzoli. Está dedicada a la bailarina Martha Beckett, que resucitó el teatro de la ópera local, adornó sus paredes con murales excéntricos y se instaló durante décadas en solitario. Mazzoli "intenta representar algo de la exuberante energía y el imparable optimismo de Beckett" en esta composición.
Marvel Jem Roth, de 17 años, antigua becaria de composición de la LA Phil, recibió el Premio G. Schirmer 2024 por Luna Composition Lab con lenteuna pieza semiautobiográfica para cuarteto de cuerda y sonidos electrónicos encontrados. "Esta obra es, en cierto modo, una 'lente' de mi vida, conduciendo desde las montañas de Santa Mónica hasta el Walt Disney Concert Hall, y de las formas en que he visto mi vida, mi hogar, distorsionarse a través de los medios de comunicación". afirmó Roth.
Destilada de una obra de concierto para cuatro coros, la obra de John Luther Adams Cánticos del cielo para cuarteto de cuerda acústico de John Luther Adams crea sonoridades ricas y densas con cada músico tocando varias notas simultáneamente. Los dos primeros movimientos crean la ilusión de ver varios soles o varias lunas en el cielo ártico. Los dos últimos movimientos "evocan la extraordinaria profundidad y claridad de los cielos del desierto de Sonora".
Como hijo de padres divorciados, Steve Reich, junto con su institutriz, hacía a menudo el viaje de ida y vuelta en tren de cuatro días desde la casa de su madre, en Los Ángeles, a la de su padre, en Nueva York, a finales de los años treinta y principios de los cuarenta. Décadas más tarde, Reich reflexionó sobre el hecho de que, al mismo tiempo que él viajaba por Estados Unidos, millones de compatriotas judíos en Europa se veían obligados a tomar "trenes muy diferentes" hacia los campos de concentración nazis. Esta obra de tres movimientos para cuarteto de cuerda y cinta de interpretación pregrabada es una meditación profunda e innovadora sobre el peso de la historia, en la que se utilizan muestras de discurso "claramente entonado" de la institutriz de Reich, una operadora de Pullman jubilada, y grabaciones recopiladas de supervivientes del Holocausto. -Anna Heflin
4-5PM - Puente a todas partes, Breath / Heartbeat / Surrender (JARDÍN)
Marc LOWENSTEIN ר֣וּחַ (Ruach), para cuarteto de cuerda, soprano y grabaciones de campo; estreno mundial.
Angélica NEGRON Azul, Naranja, Salado
Breath / Heartbeat / Surrender invita al público a una experiencia profundamente reflexiva y envolvente, en la que la música y la naturaleza se entrelazan para evocar las profundas conexiones entre lo físico y lo espiritual. Este conjunto es un viaje a través de las fuerzas elementales -el viento, el agua y la luz de la puesta de sol dom.- y cada pieza se inspira en estos fenómenos naturales para explorar los temas de la respiración, el latido del corazón y el acto de entrega.
El aliento simboliza la esencia de la vida, una fuerza que anima y conecta a todos los seres vivos. Es el espíritu que se mueve por el mundo, llevado por el viento y sentido en los momentos de reflexión tranquila. El latido del corazón representa la presencia constante de la vida, que resuena en las sutiles vibraciones de la tierra y en los bajos zumbidos de los cuerpos celestes distantes. Estos elementos se unen para sugerir una narrativa de rendición, una invitación a dejar de lado las distracciones, encontrar la quietud en la naturaleza y apreciar la belleza del momento.
Breath / Heartbeat / Surrender es algo más que un conjunto musical: es una exploración de las conexiones que nos unen entre nosotros y con el mundo que nos rodea. La música sirve de guía, conduciendo suavemente al oyente a través de un paisaje sonoro que refleja el flujo y reflujo de la vida misma. Este conjunto fomenta una profunda conexión con uno mismo y con el entorno, e insta a rendirse a la sencillez y pureza del momento presente, en el que la respiración y el latido del corazón se funden con el espíritu de la tierra.
ר֣וּחַ
El archivo de sonido de Ruach se grabó en las montañas de San Gabriel. Viví unos años en el monte Baldy, y me encantaba dar largos paseos matutinos, meditar y pensar sobre la vida y la música. El sonido del viento siempre enmarcaba y se infiltraba suavemente en mis pensamientos. Sentía cómo se me ensanchaba la cara para abarcar el espacio. A menudo caminaba hasta la cascada y me sentaba un rato, amando cómo su sonido emergía gradualmente del viento a medida que me acercaba, hasta que su rugido era todo lo que había.
El texto es primero del Génesis, "y el espíritu de Dios se cierne". Luego, del Salmo 118, "desde mi estrechez llamé a Dios. Dios me respondió con amplios espacios".
En hebreo, ruach significa tanto viento como espíritu. Es el aliento de Dios. Es el viento en las montañas. Es el espíritu que aportamos a todo lo que hacemos. -Mark Lowenstein
Azul, Naranja, Salado
Azul Naranja Salado comienza 30 minutos antes de la puesta de sol y está programado específicamente para el momento en que la dom. desaparece del horizonte, dibujando nuevos elementos musicales a medida que se despliega el paisaje. Texturas que evolucionan lentamente, patrones cambiantes y cambios de escala y dimensión juegan con las gradaciones de luz y color de la tierra, el agua y el cielo circundantes.
La música se inspira en parte en los sonidos de baja frecuencia que emanan de nuestra dom. , captados por un grupo de científicos de la NASA y la ESA (Agencia Espacial Europea), que han podido cartografiar las vibraciones que forman el "zumbido bajo y pulsante del latido de nuestra estrella".
Azul Naranja Salado es una invitación a abrazar la quietud, la alegría pura y el significado profundo que uno encuentra cuando resiste el impulso de pensar demasiado, hacer varias cosas a la vez o buscar la validación del "tiempo bien empleado", y a buscar y entregarse a estos momentos de forma total y completa. -Angélica Negrón
Derrick Skye, director de orquesta
Laurel Irene, soprano, ר֣וּחַ (Ruach)
5:00PM
5:15-6:00PM - Trío RedKoral, Stellar Atmospheres: From the Garden to the Cosmos (KECK)
Wadada Leo SMITH The Earth: A Blue Sanctuary...
Alison BJORKEDAL Humestreno mundial
Eve BEGLARIAN From the Same Melancholy Fate
Anne LEBARON My Beloved Spectra
Este conjunto es un viaje temático a través de diversas escalas de sonido y evocadores paisajes sonoros, que abarcan desde los zumbantes microcosmos de la naturaleza hasta interpretaciones de fenómenos cósmicos.
Wadada Leo Smith La Tierra: Un santuario azul... (título completo: La Tierra: A Blue Sanctuary, Light, Gardens of Organic Flowers, Underground Rivers, Lakes and Pomegranate Lagoons) es una expresión de paisajes diversos, desde jardines serenos hasta reinos acuáticos ocultos, que capta la esencia de la belleza y el misterio de nuestro planeta. "He oído los sonidos de los grillos, de los pájaros, del viento que se arremolina y se aferra, de las olas que flotan y del agua que choca contra las rocas, del amor por el trueno y la belleza que prevalece durante y después del aligeramiento de las almas que sufren en todo el mundo: los momentos de realización, de unidad, de realidad en todos ellos conforman y contribuyen a la totalidad de mi música: el sonido-ritmo más allá del más allá" -WadadaLeo Smith.
De esta amplia exploración de nuestro planeta, Hum se acerca a la minúscula comunidad de las abejas melíferas, donde una grabación de campo capta el zumbido de los polinizadores dentro de su colmena, combinado con el intermitente zumbido mecánico que se filtra desde el mundo humano.
De polinizador a polinizado, las flores nos desafían a que "ser una cosa es no ser casi nada" en la obra de Eve Beglarian Del mismo destino melancólicode Eve Beglarian, donde la intérprete se encuentra en comunidad con versiones pasadas de sí misma a través de capas de pistas improvisadas de actuaciones anteriores.
Por último, "sólo las creaciones cósmicas son universales, como una montaña o un valle o ríos y planetas" (Wadada Leo Smith) con la conclusión del programa con un estreno mundial construido a partir del cosmos por Anne LeBaron. Mis queridos espectros rinde homenaje a la innovadora astrónoma Cecilia Payne-Gaposchkin y presenta grabaciones de campo alteradas electrónicamente de los sonidos espaciales de la NASA, integradas con grabaciones realizadas en el Integratron de inspiración extraterrestre.
Shalini Vijayan, violín, Mi querido Spectra
Andrew McIntosh, viola, Mi querido Spectra
Alison Bjorkedal, arpa, My Beloved Spectra
5:30-6:15PM - Annea Lockwood, Water Energy (BP HALL)
Annea LOCKWOOD Jitterbug
Annea LOCKWOOD Buoyant grabación de campo
Annea Lockwood siempre está atenta a la forma en que los sonidos pueden encarnarse plenamente. A lo largo de su carrera, la compositora neozelandesa ha construido tremendos mapas sonoros de diversos lugares y ha compuesto piezas expansivas que ponen de relieve la naturaleza cambiante del espacio, los seres humanos, la música y las enmarañadas relaciones entre ellos. El grueso del programa estará compuesto por Jitterbuguna obra creada inicialmente para el estimado bailarín y coreógrafo Merce Cunningham. Es importante destacar que Jitterbug no se creó inicialmente con una danza específica en mente: ambos artistas crearon sus respectivas obras por separado. Sin embargo, Lockwood es muy consciente de sus inevitables interacciones. "Es muy difícil para los bailarines no dejarse arrastrar por estos ritmos", explica sobre la pieza. "Y de repente, la música y los bailarines se ilustran mutuamente". Aunque no habrá bailarines en esta representación, se invitará al público a sentir el modo en que estos sonidos crean una experiencia corporal plena.
Jitterbug será interpretado por Vicki Ray, una pianista que, según Lockwood, "se sumerge instintivamente en el interior de piano con tremenda imaginación", así como por el percusionista Wes Sumpter, a quien califica de "excelente improvisador lleno de ideas sobre el sonido, la densidad y el timbre". Lockwood se unirá a ellos para proporcionar la reproducción de la grabación de campo. Dado que cada interpretación de esta pieza ha sido diferente, cabe esperar una interpretación reflexiva que tenga en cuenta la sala de conciertos. Lockwood capta sucintamente la importancia de esta variabilidad: "Estos intérpretes son tan increíblemente ingeniosos que por qué no darles rienda suelta". En el programa también estarán Flotanteuna breve grabación de campo inspirada en los veranos que pasó con su difunta compañera Ruth Anderson. Lockwood soñaba despierta con los sonidos de este lago, así como con los de una terminal de ferry de Hoboken, Nueva Jersey; la pieza es el resultado de su deleite en estos espacios. - Joshua Minsoo Kim
Annea Lockwood, reproducción de grabaciones de campo, Jitterbug
Annea Lockwood, reproducción de grabaciones de campo, Jitterbug
Vicki Ray, pianos, Jitterbug
Wesley Sumpter, percusión, Jitterbug
5:30-6:30PM - LA Phil New Music Group (ESCENARIO WDCH)
Ingram MARSHALL Fog Tropes
Derrick SKYE Alluvionestreno mundial
Donnacha DENNEHY Tessellatum (Versión II) para viola solista y cuerdas, estreno mundial
En este programa, pistas pregrabadas e instrumentos en directo se entrelazan para mostrar el agua en diversos estados, las cualidades evolutivas del entorno y el sonido, y la dicotomía entre los fenómenos naturales y los creados por el hombre.
Ingram Marshall's Tropas de niebla comienza con una pista electrónica que capta lejanas trompas marítimas que transportan a los oyentes a la bahía de San Francisco. Por encargo del compositor John Adams ( director de orquesta ) para una serie de "Sonidos nuevos e inusuales" organizada por la Sinfónica de San Francisco en 1981, Marshall superpuso instrumentos grabados a las grabaciones de campo locales. Las agitadas trompas emergen a la perfección en un suave desenfoque entre las grabaciones de campo y los instrumentos en directo. "A mucha gente le recuerda a la bahía de San Francisco cuando escucha esta música", reconoce Marshall, "pero para mí es una pieza sobre la memoria y la sensación de estar perdido".
Derrick Skye Alluvion toma su título del "proceso natural por el que diferentes elementos ecológicos se acumulan y gradualmente forman nuevos paisajes", como explica el compositor afincado en Los Ángeles. Tras abrirse con lo que parece el canto de una ballena bramando en el paisaje sonoro electrónico, las muestras de Alluvionse aceleran en el transcurso de la obra -y en medio de un tapiz de lenguaje musical de las tradiciones persa, europea oriental y negroamericana- para revelar su fuente original: el canto de los pájaros. Al igual que la orilla del mar acumula sedimentos para evolucionar con el tiempo, "las diferentes culturas y prácticas musicales también pueden fusionarse y fundirse en un nuevo paisaje sonoro estratificado", escribe Skye.
La última pieza del programa, Dennehy's Tessellatum para viola, cuerdas, pistas de acompañamiento y animación eléctrica, explora la idea del ser humano frente a la naturaleza. Está emparejada con la película de Steven Mertens, que yuxtapone "la perfección geométrica creada por el hombre y la rareza natural de las profundidades oceánicas", mientras la música oscila entre los sistemas de afinación creados por el hombre y los que se dan en la naturaleza. El caleidoscópico paisaje sonoro que apoya la violista Nadia Sirota, con un nuevo arreglo para cuerdas, brilla tanto que resplandece. -Anna Heflin
Molly Turner, director de orquesta
Nadia Sirota, viola, Tessellatum
Steven Mertens, animación, Tessellatum
Alluvion es un encargo de LA Phil con el generoso apoyo de la familia Hillenburg .
6:00PM
18.00 H: Conversación en la sala de escucha de grabaciones de campo a cargo de In Sheep's Clothing Hi-Fi (SALA DEL FUNDADOR)
Conversaciones con compositores, ecologistas acústicos, grabadores de campo y científicos del clima.
Únase a nosotros en la Sala de los Fundadores, junto a BP Hall para:
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Grabaciones de campo seleccionadas reproducidas en un sistema de sonido cuadrafónico Mobius Acoustics durante todo el festival.
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Conversaciones con compositores, ecologistas acústicos, grabadores de campo y científicos del clima. Yewande Pearse y Sarah Cahill moderarán los debates a las 14.00, 16.00 y 18.00 horas.
Presentado por LA Phil Insight
Insight cuenta con el generoso apoyo de Linda y David Shaheen.
6:15-7:00PM - Celia Hollander, L.A. Interval (JARDÍN)
Celia Hollander, teclado, portátil, controlador midi, interfaz de audio
La compositora e intérprete Celia Hollander utiliza elementos acústicos y digitales para crear paisajes sonoros resplandecientes que parecen atemporales y a la vez fijos en un lugar concreto. La percepción y la experiencia del tiempo ocupan un lugar central en su obra, sobre todo en su álbum Timekeeper, de 2021, en el que cada pista está marcada con un momento específico del día, como las 6:33 de la mañana o las 5:59 de la tarde. Para 2nd Draft, de 2023, Hollander se grabó a sí misma improvisando durante una hora cada día, para después estirar, condensar y solapar las pistas.
Nos ofrece la siguiente descripción sobre LA Interval:
LA Interval es una performance que integra música con una grabación de campo binaural en el oído de mí mismo caminando por Los Ángeles desde Highland Park hasta Venice Beach.
Este tipo de grabación, en movimiento y encarnada, abraza plenamente la subjetividad del audio. Tradicionalmente, la "grabación de campo" ha buscado la objetividad documentando los sonidos de un mundo "natural", sin seres humanos; una práctica que se basa en la quietud y el silencio humano. Esta grabación, 9 horas de audio mientras camino, como y hago descansos en una ciudad llena de coches, se deleita con la transparencia y la intimidad del audio "imperfecto".
El sentido del oído no puede cerrarse a voluntad. No hay párpados" (R. Murray Schafer). Al contrario, entramos y salimos de la escucha centrando nuestra atención, ya sea a voluntad o por necesidad. Grabar continuamente y sin prejuicios es una exteriorización de esta experiencia. Incluso cuando un micrófono no recibe alimentación, el diafragma sigue vibrando; sólo se puede apagar la conversión de esta señal en corriente eléctrica. Como en nuestra propia imagen, nos hemos rodeado de micrófonos dentro de dispositivos, que reaccionan continuamente al sonido incluso cuando no están grabando.
La incorporación en directo de estas grabaciones de campo con música original y procesado lleva la subjetividad hasta el impresionismo pleno. Escuchar, especialmente en una realidad estratificada de mundos físicos y virtuales, es un colisionador de partículas de fuerzas en juego: el entorno físico, la atención al mundo exterior, la atención al mundo imaginativo interior, la anatomía personal, una descodificación o interpretación de sonidos en información, emoción, impresión y asombro.
18:45-19:45 - Laraaji, Bliss, Beauty, Beyond (un trance-misión sonoro celestial) (BP HALL)
Pionero de la música ambiental con 50 álbumes a sus espaldas, Laraaji nunca ha rehuido la etiqueta new age, combinando el experimentalismo con el misticismo en extensas composiciones inspiradas en su propia práctica de la meditación. Sus obras son tapices sonoros ricos y envolventes, y no teme utilizar fragmentos de disonancia, distorsión y percusión cargada de efectos de una forma que le distingue de muchos de sus colegas.
Surgido de la vibrante contracultura de los años setenta, Laraaji, nacido Edward Larry Gordon, comenzó su carrera musical como pianista. Estudió composición y piano en la Universidad Howard de Washington D.C. antes de trasladarse a Nueva York, donde experimentó una intensa meditación sonora y se empapó profundamente de filosofía y espiritualidad orientales. Poco después, descubrió una cítara de acordes en una casa de empeños. La modificó para que permitiera afinaciones abiertas y modales, y le añadió una pastilla eléctrica. Este instrumento parecido a un arpa, que toca con palillos, mazos y escobillas, se convirtió en el centro de su obra.
Laraaji publicó su primer álbum, Celestial Vibration(1978), con su nombre de nacimiento. Después de que su colega Brian Eno se cruzara con Laraaji en un parque de Nueva York, ambos publicaron Laraaji's Ambient 3: Day of Radiance, que le dio a conocer al mundo entero. Desde entonces, Laraaji ha seguido explorando y desarrollando su sonido, combinando su cítara con procesamientos electrónicos y otros instrumentos para crear paisajes sonoros etéreos y expansivos.
En Bliss, Beauty, Beyond-A Celestial Sound Trance-mission, añade kalimba (un instrumento tradicional africano que se toca punteando y rastrillando), así como grabaciones de campo en bucle, voz, risas e improvisaciones en piano sobre el tema desarrollado en su álbum de 2020 Moon Piano. Esta experiencia transportable en directo, que muestra la continua devoción de Laraaji por la "comunión de campo celestial a través del sonido y el silencio", revela a un artista cuya creencia en el poder alterador de la música es más fuerte que nunca. -Jess Cornelius
Laraaji, solo eléctrico cítara preparada/autoarpa, kalimba eléctrica, voz, piano
7:00PM
7:15-8:00PM - Ellen Reid, Oscillations: 100 Years and Forever (KECK)
Oscilaciones: 100 años y para siempre, escrito para conmemorar el centenario de la Filarmónica de Los Ángeles, explora la evolución de Los Ángeles en los últimos 100 años, nuestro lugar en el planeta y en el universo, y la naturaleza del propio tiempo. A escala humana, un siglo es un lapso enorme: una vida, una era. Geológicamente, es un trozo de una época. Desde el punto de vista cósmico, 100 años es un parpadeo, un latido, un abrir y cerrar de ojos. Estas diferentes escalas de tiempo coexisten en Oscilaciones, ya que la obra tiene ciclos infinitos.
El coro y la percusión conjuran la Tierra primigenia y el espacio exterior. El libreto, de Sarah LaBrie, interpreta poéticamente una antigua definición del tiempo, y el diseño de video , de Hana S. Kim y Keith Skretch, nos orienta, utilizando mapas históricos e imágenes de Bunker Hill de Los Ángeles, ahora sede del Walt Disney Concert Hall de la LA Phil, entrelazadas con imágenes celestiales y terrenales.
Oscilaciones: 100 años y para siempre es una reflexión sobre nuestro momento en el tiempo y el espacio y una invitación a contemplar el panorama más amplio. -Ellen Reid
Cantantes de Cámara USC Thornton
Chispas de tranvía, director de orquesta
Hana Kim y Keith Skretch, proyecciones
Sarah LaBrie, letras
Sayd Randle, investigación principal
Oscilaciones: Cien años y para siempre es un encargo de LA Phil
8:00PM
8-9PM - Rajna Swaminathan, Mangalestreno mundial (GARDEN)
El término "mangal" describe una agrupación de manglares en la que las ramas y raíces de los árboles se entrelazan en sus apretados entornos de agua salada. Esta idea de formas de vida individuales que se combinan para crear ecosistemas complejos es una metáfora adecuada para el proyecto Mangal de Rajna Swaminathan. La artista y compositora ha adoptado el término para una parte de su práctica que reúne a una serie de músicos para actuaciones colaborativas y fortuitas. Explica: "Mangal es un proceso abierto que surge del compromiso con nuestro sentido del lugar, las modalidades de improvisación/interdisciplinares y las formas encarnadas de conocimiento".
Swaminathan, una de las pocas mujeres que tocan el tambor mrudangam del sur de Asia, desarrolló inicialmente su proyecto Mangal durante sus estudios de doctorado en la Universidad de Harvard como medio de acabar con las "fuerzas excluyentes que informaban mi práctica musical". El proyecto evolucionó a través de los debates del Ocean Memory Project, una conferencia que reúne a pensadores de las artes y las ciencias para reflexionar sobre el pasado del océano y proteger su futuro, y de la beca Composing Earth de la Academia Creativa de Música Gabriela Lena Frank.
Para Noon to Midnight (De mediodía a medianoche)Swaminathan presenta la última iteración del proyecto, Mangal x. Ocean Memory Project. La acompañan cinco músicos de una amplia gama de disciplinas y culturas: el virtuoso cantante indostaní Samarth Nagarkar; la compositora, artista sonora y bailarina Anya Yermakova; la consumada violinista Shalini Vijayan; el músico experimental y multiinstrumentista Eyvind Kang a la viola d'amore; y el compositor y multiinstrumentista Patrick Shiroishi a los saxos. Entrelazando sus respectivas prácticas, crean un espacio a la vez experimental y transformador. En esta meditación "sobre cuestiones como la confianza, la memoria, la resiliencia y la fluidez del ser, el conjunto busca nuevas formas de habitar este espacio con nuestra presencia y resonancia." -Amanda Angel
Rajna Swaminathan, mrudangam
Samarth Nagarkar, voz
Anya Yermakova, grabaciones de campo
Shalini Vijayan, violín
Eyvind Kang, viola d'amore
Patrick Shiroishi, saxos
Mangal es un encargo de la Gabriela Lena Frank Creative Academy's Composing Earth Series .
8-9:10PM: Doug Aitken, Lightscapeestreno mundial (WDCH STAGE) *¡SE AGOTARON LAS VENTAS!
Se trata de un evento con entrada. Ir a la página del concierto
Lightscape es una innovadora obra de arte multimedia creada por el artista Doug Aitken en colaboración con la Filarmónica de Los Ángeles y la Los Angeles Master Chorale. El núcleo de la obra es un largometraje, una instalación artística multipantalla y una serie de actuaciones musicales en directo. Lightscape crea una mitología moderna que plantea las preguntas "¿dónde estamos ahora?" y "¿hacia dónde vamos?".
Lightscape es un retrato cautivador y alucinatorio del mundo contemporáneo, que aborda un futuro que se cierne en el horizonte. Acelerando a través de los diversos paisajes de la costa oeste americana como un sueño sinuoso y lúcido, la narración fluye a la perfección de personaje en personaje, casi por completo sin lenguaje ni estructura dramática convencional. En su lugar, nos movemos a través de una serie impredecible de encuentros interconectados siempre impulsados por el sonido y la música. Los personajes de Lightscape están en constante movimiento, navegando por un mundo moderno salvaje, hermoso y, a veces, inquietante.
La música es el motor principal de Lightscape. La banda sonora de la película entrelaza composiciones originales creadas por Doug Aitken con la Los Angeles Master Chorale y piezas orquestales grabadas por la Filarmónica de Los Ángeles bajo la dirección batuta de Gustavo Dudamel . La música vocal utiliza un lenguaje reductor, palabras y frases que se repiten y superponen hasta la abstracción. Como un caleidoscopio musical, la película cambia de ritmo entre estas piezas vocales originales y obras de minimalistas emblemáticos como Philip Glass, Steve Reich y Meredith Monk. La banda sonora principal se complementa con paisajes sonoros ambientales compuestos para la película por Doug Aitken, Beck y otros.
Doug Aitken es un artista cuya obra explora todos los medios, desde la escultura, el cine y las instalaciones hasta las intervenciones arquitectónicas. Sus películas exploran a menudo la condición moderna, y sus instalaciones crean experiencias cinematográficas envolventes. Ha colaborado con numerosos artistas y músicos, y sus obras se han expuesto en cientos de museos y galerías de todo el mundo. La exposición Sleepwalkers en el MoMA en el 2007 cubrió las paredes exteriores del museo con proyecciones de imágenes en movimiento. En el 2012, SONG 1 envolvió el Museo Hirshhorn de Washington DC con proyecciones panorámicas de 360 grados en video . Mirage, una escultura site-specific que adopta la forma de una casa completamente cubierta de espejos y enclavada en el corazón del desierto californiano se instaló en el 2017. También se ha instalado en Detroit, MI (2018) y en Gstaad, Suiza (2019-2021). En julio del 2019, puso en marcha el proyecto Nuevo Horizonte, un evento artístico polifacético que desafiaba la noción de arte en el siglo XXI. El proyecto se componía de una serie de eventos en directo por todo el estado de Massachusetts, centrados en torno a un impresionante globo aerostático reflectante y una góndola. En el 2022, se presentó un estudio a gran escala de su obra en una exposición individual en el Museo de Arte Contemporáneo de Sídney.
Un retrato de Occidente
Lightscape retrata el paisaje del Oeste americano en toda su diversidad. Desde los desolados confines del Valle de la Muerte hasta las futuristas fábricas de robótica automatizada, pasando por la tranquila arquitectura de mediados de siglo de Richard Neutra, Lightscape navega sin descanso por estas diferentes ecologías y vívidos paisajes.
El reparto de Lightscape abarca una amplia muestra representativa de la cultura. Cuenta con diversos talentos, como miembros de LA Dance Project, Krumpers de la subcultura del baile callejero de Los Ángeles y actores como Natasha Lyonne. Músicos como Beck, el trío folk-soul La Lom y la leyenda del funk James Gadson, de 84 años, hacen cameos. En la fragmentada narrativa de Lightscape, hay una sensación de conectividad en la que la perspectiva de un personaje se funde a la perfección con la del siguiente, creando una visión prismática de la experiencia moderna. Lightscape nos reta a reconsiderar nuestra percepción del progreso mientras nos adentramos en un futuro tecnológico desconocido.
Grant Gershon, director de orquesta
Los Angeles Master Chorale
Nuevo grupo musical LA Phil
8:15-9:15PM - Jeremiah Chiu & Marta Sofia Honer, Different Rooms (BP HALL)
El genio de los sintetizadores modulares Jeremiah Chiu y la violista Marta Sofia Honer llevan años colaborando y perfeccionando su magistral interacción de sonidos acústicos y electrónicos. Ambos ex miembros de la escena musical experimental y de improvisación de Chicago, han desarrollado una estética singular, fusionando los colores tonales distintivos de la viola y el sintetizador analógico en un todo cohesivo e inesperado.
Su nueva obra Different Rooms amplía este proceso establecido para crear una conversación sonora entre ellos, el público y el espacio de actuación. Different Rooms es tanto una actuación improvisada como una partitura conceptual, en la que el espacio escénico se convierte en un instrumento integral de la obra. El uso que la pareja hace del muestreo en directo constituye un "campo grabado" (por utilizar su término) en lugar de las tradicionales grabaciones de campo; no hay dos actuaciones iguales.
Different Rooms hace referencia a dos obras sonoras fundamentales: Different Trains (1988) de Steve Reich -una pieza de tres movimientos para cuarteto de cuerda y cinta- que se refleja en la combinación de Honer y Chiu de manipulación sonora pregrabada, grabada en directo e interpretada en directo; y I am Sitting in a Room (1981) de Alvin Lucier, que reamplifica repetidamente el sonido de una frase hablada en una habitación.
En la obra de Honer y Chiu, la regrabación y reamplificación de su actuación en directo produce un efecto audioilusorio; con el tiempo, los patrones melódicos y armónicos originales se difuminan intencionadamente, permitiendo a los oyentes experimentar las frecuencias resonantes de la propia sala. El espacio de actuación dialoga entonces con los intérpretes, creando una obra que evoluciona y gira sobre sí misma en una conversación constante.
Para Honer y Chiu, este enfoque da cabida a sucesos fortuitos, lo que profundiza la experiencia de presenciar Different Rooms. "Esta creación sonora en el momento es más colectiva y viva", afirma. "Hay más en juego, de alguna manera, en que lo escuchemos todos juntos por primera vez". -Jess Cornelius
Jeremiah Chiu, sintetizador modular, muestreo en directo
Marta Sofia Honer, viola, electrónica
9:00PM
9-9:50PM - Coloquio, Through-Zero (KECK)
El productor Colloboh (abreviatura de Collins Oboh), nacido en Nigeria y criado en Baltimore, se ha hecho un hueco en la escena experimental de Los Ángeles. Colloboh se hizo con un gran número de seguidores en Instagram, donde documentaba su proceso de bricolaje con sintetizadores. Su EP de debut de 2021, Entity Relation, se centraba en ritmos de club glitchy y cinéticos, y su álbum de seguimiento de 2023, Saana Sahel, exploraba un mundo sonoro más introspectivo y malhumorado que mostraba tanto sus intereses como su crecimiento personal como músico. El nombre del álbum hace referencia a "una tierra de la imaginación pura de Colloboh: una utopía intacta que abarca exuberantes costas y extensos desiertos". Estos paisajes sonoros adoptaron la forma de extasiados freakouts de free jazz, samba shuffles, voces angelicales, versiones reimaginadas de obras de Claude Debussy y Gabriel Fauré, y un "Acid Sunrise" que evoca la bajada de tensión de una rave de Philip Glass.
Para Noon to Midnight (De mediodía a medianoche)Colloboh vuelve a superar sus propios límites musicales y evoca lugares lejanos en una actuación inmersiva y colaborativa titulada Through-Zero con el artista visual Clayton McCracken. Through-Zero lleva al público a más de 6.000 kilómetros de distancia, a la península de Snæfellsnes, en el oeste de Islandia, donde Colloboh pasó tres semanas de invierno en soledad. Forjada por volcanes y cubierta de hielo glaciar, Snæfellsnes alberga paisajes dramáticos y contrastados. Utilizando su sintetizador modular y con la ayuda de recreaciones en 3D del mundo que habitó, Colloboh busca "revisitar visiones sónicas y conversaciones que observé entre fuerzas sensibles de la naturaleza". -Ricky O'Bannon
Colloboh, sintetizador
Clayton McCracken, proyecciones
9:15-10:15PM - Josh Johnson, Unusual Object (BP HALL)
¿Dónde están las intersecciones entre el muestreo, la grabación de campo y la manipulación del looping en directo? -Josh Johnson
El saxofonista, compositor y productor afincado en Los Ángeles Josh Johnson se ha convertido en un colaborador muy solicitado que trabaja en los márgenes del jazz tradicional y alternativo con una inclinación a menudo vanguardista. Johnson ganó un premio Grammy en 2023 por su producción en Omnichord Real Book de Meshell Ndegeocello, fue director musical de Leon Bridges, actúa con The Chicago Underground Quartet y ha aparecido en grabaciones de Harry Styles, Broken Bells y Red Hot Chili Peppers.
En 2023, sin embargo, se retiró de las colaboraciones constantes para volver a centrarse y perfeccionar su propia voz compositiva. Lo que surgió de este viaje introspectivo fue Unusual Object, que, según Johnson, "es un desarrollo y documentación de un mundo sonoro más personal". Tanto en el álbum como en sus improvisaciones en directo, Johnson manipula su saxofón para controlar sintetizadores y samplers que se superponen a su interpretación en vivo para revelar paisajes sonoros complejos pero íntimos.
Para Johnson, estos efectos le permiten replantear el saxofón, que en el jazz suele centrarse en la melodía y las secciones solistas. "El saxofón es un instrumento divertido. A mí me encanta. Es precioso. Es voluble. Una de las cosas que me guiaron para añadir la electrónica es lo limitante que puede ser el saxofón." En Unusual Object, su saxofón desempeña un papel más estructural, utilizando una interpretación no llamativa pero decididamente hábil para establecer los contornos armónicos y el groove de sus piezas, centrando al oyente primero en las ideas de Johnson como compositor. Sin embargo, lo que más le interesa es lo que ocurre cuando la composición y la improvisación se encuentran. Lo que se encuentra en los márgenes en tiempo real durante cada interpretación es el mundo sonoro distintivo y personal que Johnson se propuso definir. -Ricky O'Bannon
Josh Johnson, saxofón, electrónica
10:00PM
10:15-11:15PM - La Pan Afrikan Peoples Arkestra, PAPA: a Sonic Compendium (ESCENARIO WDCH)
Jesse SHARPS Goat and the Ram Jam
Horace TAPSCOTT Isle of Celia
Brian HARGROVE The Fluctuating Tides… As I Bask in the Warm Light of Serenityestreno mundial
James WELDON JOHNSON & John ROSAMOND JOHNSON Lift Every Voice And Sing
La Pan Afrikan Peoples Arkestra (PAPA, o simplemente "el Arca"), una potencia intergeneracional del jazz exploratorio, lleva evolucionando y regenerándose desde 1961. Fundada por el pianista, compositor y activista comunitario Horace Tapscott en el centro sur de Los Ángeles, el Arca se estableció como incubadora de talento negro, conservadora de la composición afroamericana e instrumento para el cambio sociopolítico. En sus inicios, el conjunto actuaba en parques, prisiones, iglesias y cafeterías, incluso en la parte trasera de camiones de plataforma, para llegar a su comunidad. Y durante las últimas seis décadas, más de 300 músicos, desde afamados virtuosos del jazz hasta jóvenes debutantes, han participado en sus vibraciones espiritualmente edificantes.
En la actualidad, bajo la dirección de Mekala Session, miembro de la tercera generación del Arca, la Pan Afrikan Peoples Arkestra continúa con su espíritu de construcción de comunidad y empoderamiento, con un enfoque renovado en la evolución musical. Impulsada por un enfoque librepensador del jazz y un instinto de expansión, el Arca trasciende las clasificaciones, atravesando décadas de historia negra a través del sonido. Free jazz, bebop, big band, hard bop y alegre experimentación colisionan en una plataforma de alto nivel para la expresión personal a través de la transmisión colectiva. El resultado es festivo y desafiante, rebosante de intensidad cerebral y destreza técnica.
PAPA: a Sonic Compendium narra el pasado, presente y futuro del Arca, destilando la esencia de su funcionamiento continuo en un único programa. Narrada por el legendario poeta de la performance Kamau Daáood, la obra incorpora archivos de cintas personales, vídeos y otras grabaciones de campo de toda la historia del Arca. Con una energía inimitable y una feroz dedicación al potencial de las personas, la Pan Afrikan Peoples Arkestra se propone llevar al público del Walt Disney Concert Hall a su redil, descubriendo las capas de un grupo musical que sigue rebosante de propósito y poder. -Jess Cornelius
Mekala Session, director de orquesta
Brian Hargrove, arreglos de cuerda
Kamau Daáood, poesía
Chris Williams, grabaciones de campo
Kabasa Drum and Dance Ensemble, bailarines
11:00PM
11PM-12AM - Estados visionarios, Evening Attunement: Night Ragas (BP HALL)
En la última hora de Noon to Midnight (De mediodía a medianoche), Visionary States presenta una experiencia inmersiva y transformadora a través de una profunda raga vespertina. Esta actuación está diseñada para que los oyentes absorban la música del día y, al mismo tiempo, enciendan su imaginación para pensar de forma aún más expansiva. El raga, una antigua forma musical de la música clásica india, es famosa por su capacidad para evocar emociones específicas y crear una profunda conexión entre el músico, el público y la cosmología. Esta raga vespertina, en particular, se elige cuidadosamente por su capacidad para potenciar la introspección y fomentar una sensación de serenidad al final del día.
La actuación cuenta con Robin Sukhadia a la tabla, Rajib Karmakar al sitar, Aakash Pujara al bansuri y Kailash Sukhadia contribuye con sonidos grabados en Ableton Push. Cada uno de estos instrumentos desempeña un papel vital en la creación del paisaje sonoro único de la raga. La tabla, un par de tambores de mano, aporta complejidad rítmica y profundidad, cimentando la música al tiempo que permite intrincados patrones que reflejan el latido de la interpretación. El sitar, con sus cuerdas resonantes y sus ricas cualidades tonales, teje intrincadas melodías que guían el viaje emocional del raga. El bansuri, una flauta de bambú, añade una cualidad etérea, sus tonos respiratorios evocan el mundo natural y el flujo de la vida misma. Los sonidos grabados, activados mediante MIDI, crean un telón de fondo ambiental que realza la atmósfera meditativa, mezclándose a la perfección con los instrumentos en directo para transportar a los oyentes a un estado visionario.
Juntos, estos elementos crean un diálogo entre los músicos y el público, en el que el poder del raga facilita una experiencia compartida de reflexión, expansión y conexión, haciendo de Visionary States una conclusión adecuada de la jornada musical.
Robin Sukhadia, comisario, tabla
Rajib Karmakar, sitar
Aakash Pujara, bansuri
Kailash Sukhadia, sonidos grabados, ableton push
Clave de ubicación
Todas las actividades de N2M tienen lugar dentro y alrededor del Walt Disney Concert Hall (111 S Grand Ave.).
BP HALL : interior, nivel 2
FOUNDER'S ROOM: interior, junto a BP Hall
GARDEN (Blue Ribbon Garden): exterior, nivel 3
GARDENSPIRAL: exterior, nivel 3; cerca de las escaleras de Grand Ave. y 2nd St.
KECK(Amplitheatre): exterior, en el Blue Ribbon Garden; Keck está al sur de la fuente Lillian Disney.
VESTÍBULOinterior, nivel 1
ESCENARIO DE LA SALA DE CONCIERTOS WALT DISNEY (WDCH): interior, auditorio principal
DE 12.00 A 24.00 HORAS FUNCIÓN DE LAS 20.00 HORAS
Doug Aitken Lightscape
Noon to Midnight Festival
Nuevas series musicales de Green Umbrella
El centro de Noon to Midnight (De mediodía a medianoche) es el estreno mundial de Lightscape, de Doug Aitken, una innovadora obra de arte cinematográfica acompañada de actuaciones en directo de LA Phil New Music Group y Los Angeles Master Chorale.